Descendiendo Al Maelstrom

Entrevista: SATYRICON - Conquista Diabólica

2012-01-13T10:37:00.000-05:00

Ahora, “Now, Diabolical”.

Ahora, el regreso de un icono de la movida noruega.

Ahora, ¿el amanecer de una nueva era para el blackmetal?

(reportaje originalmente publicado en Maelstrom #14 - Octubre 2006)

ElCulto Sigue Vivo

...y ahora, todo vuelve a ser diferente. Satyriconedita “Now, Diabolical” (“Ahora, Diabólico”), su sexto larga duracióntras cuatro años de silencio, y los parámetros del metal negro se redefinen unavez más en manos de uno de los pilares fundamentales de la música extremaescandinava. Satyricon inició el apogeo del “black metal medieval” a comienzosde la década pasada con su álbum “Dark Medieval Times”, desarrollandoposteriormente el concepto hasta su máximo esplendor en “The Shadowthrone”y “Nemesis Divina” (dos obras claves de la historia del género) paraluego “actualizar” el estilo al removerlo de su barbarie primigenia y situarloen un contexto más urbano en “Rebel Extravaganza”. De los bosquesmísticos a la insensibilidad de la metrópoli posmoderna, aquella que nuncaduerme y siempre está muriendo. Pero siempre rabiosos, siempre rebeldementeextravagantes, siempre echando leña al fuego y con hambre voraz por los riffschirriantes y los bombos que nunca dejan de repiquetear. Y ahora, con “Now,Diabolical”, Satyricon desmantela su usual furia hasta exponerla en toda suazabache desnudez, sin vueltas, sin forzar la oscuridad sino simplementedejándola fluir de forma natural, sin castillos, sin espadas y sin maquillaje.Tan sólo un compendio de riffs y tempos ultra puntiagudos que se repitenincesantemente. La nueva negrura del metal negro, ya no tan épica nigrandilocuente como antaño, pero sí acaso más pura. ““Now, Diabolical”es una especie de “conclusión” de nuestra segunda etapa”, explica Satyr,vocalista, multi-instrumentista y líder de esta siempre influyente y siemprecontroversial agrupación. “La primera etapa de Satyricon comprendería lostres primeros discos, hasta “Nemesis Divina”, y la segunda es la que seinició con “Rebel Extravaganza”. Y cuando digo “conclusión” no quierodecir que Satyricon como banda ya haya alcanzado su límite o su techo, porquecreo que todavía tenemos mucho para ofrecer; pero de alguna forma la primeraetapa fue más “progresiva” y estuvo orientada más hacia las atmósferasmedievales, los valores tradicionales del black metal noruego, y esas cosas,mientras que lo que estamos haciendo ahora en esta segunda etapa tiene muchomás en común con el sonido de los ´80, para serte honesto. Pero no somos unabanda que se proponga sonar “retro” o copiar a nadie. Si hiciéramos eso noseríamos Satyricon ni estaríamos en la posición en la que estamos ahora. Encambio, lo que quiero decir es que nuestro estilo de composición es ahora muchomás directo y claro, más orientado hacia el rock, y eso tiene mucho más que vercon bandas como Bathory o Celtic Frost que con el black noruego de los ´90,que, repito, era mucho más progresivo. Si escuchás detenidamente discos como “RebelExtravaganza” vas a notar que, si bien el estilo tiene algo del sonidoprogresivo de los tres discos anteriores, las canciones son mucho más oscuras ycerteras, como pasa en cosas como “Havoc Volture”, “Filthgrinder” o “Tied InBronze Chains”. En ese disco ya se empezaba a notar nuestra intención de sonarmás focalizados y directos, y ahora en “Now, Diabolical” creo quelogramos el epítome de ese rumbo que iniciamos tres discos atrás. Este disco esbien oscuro, bien certero... y también es sumamente pegadizo. Y esto tienesentido porque yo crecí escuchando cosas como Venom y Bathory. Las canciones deesas bandas eran siniestras y oscuras, pero también tenían estribillos biengancheros.”

- ¿O sea que el ingrediente “ganchero”de este disco, que como vos decís es bien evidente, fue algo absolutamenteintencional?

- Sí, y en definitiva todo se reduce, al menos paramí, al hacer la música que uno mismo quiera escuchar. Es la única manera dehacer las cosas, en lugar de pensar y hacer lo que quieren los demás. Así queyo me senté y dije “¿qué es lo que YO quiero escuchar?”. Y con Frost (bateristay único miembro adicional) nos concentramos en lograr eso. Y lo logramos, yestamos orgullosos.

- Satyricon fue siempre una banda“adelantada a su época”, lo cual significa que primero te van a criticar y másadelante te van a reconocer. ¿Estás consciente de este efecto que tienen sobrela gente que los sigue?

- (se ríe)Lo que decís es tan cierto... Sí, estoy consciente de eso, y estoy también acostumbradoa eso. Y una parte de mí está enojada porque la gente nos sigue criticando,porque a esta altura ya deberían saber qué clase de banda somos, ¿no? O sea, yadeberían saber que hacemos lo que queremos y no seguimos a nadie... Por otraparte, aprecio el hecho de que la gente se atreva a retractarse. Eso hay quevalorarlo también. El otro día Frost me explicaba lo entendible que esto era, ycómo la gente suele ser tomada por sorpresa con cada uno de nuestros discos. Medecía cómo generalmente uno atraviesa un estado de “shock”, y después reciénpuede sentarse a pensar en lo que escuchó, para finalmente valorarlo por lo querealmente es.

- A este disco lo están editando através de Nuclear Blast y Roadrunner, dos de los sellos independientes másgrandes del mundo. ¿Lo consideran un álbum clave para Satyricon desde el puntode vista de ventas y llegada al público? Es decir, el disco que tiene elpotencial de “hacer o deshacer” a Satyricon...

- No sé sitenemos que “hacer o deshacer” nada. Como te decía, nuestro objetivo principales tratar de grabar la música que nos gustaría escuchar a nosotros mismos. Yeso es lo que hicimos. Y si tenemos la oportunidad de editar esa música através de sellos grandes, bueno, entonces aprovechamos esa oportunidad ypromocionamos el disco en cuestión hasta el hartazgo. Y lo que pasa, pasa... Yojo que con esto no quiero decir que no nos importa lo que pueda llegar apasar. No. Somos dos tipos bien ambiciosos y trabajamos duro para lograr lo quelogramos. El objetivo es hacer siempre el mejor disco que nos sea posible. Y esbueno y saludable tener esa clase de objetivo. De lo contrario, termináshaciendo algo que no es honesto para con tu corazón. ¿Y cuál es el punto delblack metal sino ése?

- La producción de “Now, Diabolical” esde primer nivel, sobre todo en lo que respecta a la batería. ¿No pensás que altener un sonido tan nítido y limpio se pierde gran parte de la esencia de loque la música extrema debería ser?

- Norealmente. Yo creo que cada tipo de producción tiene sus pro y sus contras. Unaproducción de garage funciona bien en algunos discos y no tan bien en otros.Por ejemplo, no me imagino a un disco como “Master OfPuppets” con la producciónde “A Blaze In The Northern Sky”. Las canciones del primer disco nosonarían tan poderosas si no tuvieran una producción poderosa y sólida, y lascanciones del segundo disco sonarían totalmente “mal” si tuvieran unaproducción sólida, porque son canciones frías y “malvadas”, y necesitantener una producción acorde... Esto lo charlamos muchas veces con Frost.Siempre le digo que no hay una fórmula mágica a la hora de producir un disco.No existe tal cosa. Todo depende del tipo de canción y del tipo de banda.

- En este caso las canciones son tambiénnotoriamente repetitivas y directas. Los tempos casi no varían...

- Creo quetienen una “presencia física” muy definida, muy evidente, y que no se parece anada que hayamos hecho antes. Es una forma distinta de “llegar al oyente”. Y noqueríamos ocultar eso entre decenas de capas de efectos, sino que queríamos unaproducción que resaltara esa cualidad, que la pusiera en evidencia aún más. Al haceresto soy consciente de que tal vez relegamos el aspecto más “filoso” de lasguitarras, o el estilo “crudo” de la batería, pero en definitiva uno siempretiene que hacer concesiones y poner las cosas en la balanza. En este discooptamos por un sonido cristalino porque pensamos que ese aspecto de lascanciones era el que había que destacar. Y cada disco es distinto.

- ¿Cómo se conocieron vos y Frost, y porqué decidieron permanecer como dúo?

- Nosconocimos en el ’92, creo. Antes de eso Satyricon era una típica banda degarage, buscando un baterista. El primer baterista fue Carl Michael Eide (Ulver,Ved Buens Ende, etc). En un principio en realidad le habíamos ofrecido elpuesto a Faust, que recién se había unido a Emperor y no quería estar en dosbandas al mismo tiempo. Pero fue él quien nos recomendó a Frost, que era unamigo suyo de la infancia. Lo llamamos, ensayamos, y la cosa salió un pocodesprolija, pero era obvio que Frost tenía potencial... Por un tiempo tuvimosmiembros que entraban y salían, como Nocturno Culto (de Dark Throne, quienparticipó como guitarrista en “Nemesis Divina” bajo el apodo de “Kveldulv”) y Samoth (de Emperor y Zyklon, queparticipó en “The Shadowthrone”). Pero en la época de “RebelExtravaganza” decidimospermanecer como dúo y usar músicos de sesión para las giras. O sea, ¿qué esmejor? ¿Hacer lo que sentimos que beneficiaría más a nuestra música, o tratarde tener una alineación en el sentido tradicional porque eso es algo que seespera de una “banda”? Frost y yo nos conocemos muy bien, trabajamos bienjuntos y nos alimentamos mutuamente de ideas. Nuestras fuerzas definen lo queSatyricon es.

Batallas En El Norte

- ¿Te ves haciendo un disco de blackmetal a la antigua? Tal vez bajo otro nombre que no sea el de “Satyricon”...

- Eso es algo que Snorre (líder de Thorns y amigo de Satyr) y yovenimos conversando desde hace rato. Creo que tarde o temprano vamos a terminarhaciendo algo así, sí. Pero si lo hacemos probablemente no va a tener nada quever con el estilo de los ´90, porque esa época fue muy progresiva, comodecíamos antes. Y si vamos a hacer algo “old school” queremos hacer algo quesea bien malvado y siniestro, y no atmosférico y progresivo, ¿entendés? La ideasería hacer algo bien sucio, bien feo. Todas estas bandas que se la dan de “oldschool”... ¡ni siquiera suenan “old school”! Suenan forzadas. Así que conSnorre nos dijimos “hagamos algo como la gente un día, y mostrémosle a estospibes lo que es el verdadero black metal “old school!”.

- ¿Pensás que las cosas estaban siendotomadas demasiado en serio dentro del black metal noruego de los ´90, y acasopor eso ustedes decidieron tomar un poco de distancia de todo ese asunto?

- Bueno, al contrario, en realidad creo que las cosas en el black metalno estaban siendo tomadas lo suficientemente en serio. Mucha gente semetió en este tema porque pensaron que tocando metal iban a poder “socializar”con otras personas de manera más fácil. Y para mí esta música no tiene nada quever con “hacer amigos”, con ganar minas, o con esas estúpidas páginas al estilode “My Space”, ¿entendés? Para mí esto tiene que ver con el amor hacia lamúsica. Por eso hago lo que hago. Porque amo esta música. Lo demás nunca fueuna motivación. Unos años atrás el black metal empezó a cambiar... Hacia finesde los ’90 las cosas eran distintas, habían demasiadas bandas y demasiadostipos pintados como osos pandas (carcajadas). El black metal se habíavuelto, de cierta forma... gay.

- Pero ustedes también se pintaban. Sinir más lejos, para la sesión de fotos de “Nemesis Divina” usaron toda laparafernalia de las espadas, el trono, el maquillaje de guerra...

- Sí, pero eso tuvo un propósito en aquel momento. Surtió su efecto. Eraalgo nuevo y provocaba una reacción en la gente que después ya no era la misma.Una cosa era hacerlo en 1993 o 1996, pero no ya en 1999. Muchas bandasempezaron tocando black metal y después salieron a decir que “el black metal yano es lo de antes” o “el black metal está transmitiendo el mensaje equivocado”,o lo que sea, y después terminaron tocando death o thrash... Para mí eso notiene sentido. Si realmente amás al black metal y tenés una banda black, ¿porqué no evolucionar eso? ¿Por qué no desarrollarlo sin olvidar tus raíces? EnSatyricon comprendemos muy bien lo que es el black metal, lo que significa. Undisco como “Now, Diabolical” es black metal según Satyricon versión2006. Es lo que yo quería hacer y escuchar hoy y, al menos para mí, un pasoadelante para el género en su versión actual. Hoy la mayoría de la músicallamada “underground” es en realidad una porquería y no tiene nada que ver conel verdadero espíritu de lo “under”, porque en realidad son banditas sinninguna idea que les permita llegar a vender la suficiente cantidad de discoscomo para destacarse. Esto suena muy arrogante de mi parte, ya sé, pero es lapura verdad. Mucha gente dice quenosotros no somos black metal. ¡Por supuesto que somos black metal! En nuestramúsica podés escuchar claramente los orígenes del género y las influencias debandas como Venom, Bathory y Celtic Frost. La cosa es simple: el black metalpuede ser “grande” y “popular” y seguir siendo black metal. Y en nuestro casola idea es simplemente hacer música oscura y “filosa” con un trasfondo deexpresión metalero.

- ¿Qué pensás de toda la nueva movida debandas de black metal norteamericanas, como Xasthur y Leviathan?

- No escuché a muchas de esas bandas. Pero recuerdo auna banda como ABSU, por ejemplo, cuando ni bien salían... Los primeros discosde esa banda me gustan mucho. En cuanto a lo demás, hasta ahora no escuché aninguna banda de black americano que me transmitiera algo especial o que mevuele la cabeza. Esto no implica que tal banda no exista, porque probablementesí esté ahí afuera y yo bien puedo no conocerla, pero hasta ahora no escuchénada que cumpla con esas cualidades... Para mí, para lograr que el black metalestadounidense crezca y sea realmente relevante, debería haber una mayorinteractividad entre esa escena y la europea. Ambas escenas deberían vincularsemás. Acordáte de que cuando Estados Unidos exportó a bandas como Slayer,Metallica o Morbid Angel, por ejemplo, en Europa surgieron montones de cosasinteresantes en base a todo eso. Ahora creo que está pasando lo opuesto.

Un Nuevo Enemigo

- Como dueño de tu propio sellodiscográfico (Moonfog Productions), y como alguien que viene en esteasunto desde hace una década y media, ¿qué pensás que debería cambiar en laindustria de la música under para que sea más saludable?

- Las ventasdigitales, en lugar de las ventas tradicionales de discos, generarían másdinero y harían a la escena un lugar más saludable y redituable. En cuanto a lodemás... hacer plata en este tema es casi imposible. Yo vengo llevando adelantemi sello desde hace ya muchos años, como vos decís, y siempre tengo queescuchar cada gilada... Muy pocos discos hoy en día realmente generan plata. Escasi imposible encontrar una banda decente, permitirles grabar el disco queellos quieren, y no el que la compañía discográfica quiere que graben, meter aesa banda en un buen estudio, con un buen ingeniero, y promocionar el productofinal. Hoy hay demasiadas bandas y demasiados sellos, y a la larga nadie gana.Si un disco hoy vende cien mil copias en todo el mundo, es considerado un granéxito. Pero de esas cien mil copias probablemente te paguen sólo sesenta mil.Entonces, ¿cómo hacés para agarrar esa plata y al mismo tiempo separar losuficiente como para tu próximo proyecto? No alcanza. Por eso, en Moonfog nuncanos interesó realmente hacer plata porque conocemos la realidad de estemercado. Toda la plata que ganamos la volvemos a invertir en bandas o la usamospara pagar los salarios de los pocos empleados que tenemos. Lo que sí nosinteresa es ser un sello relevante, que esté a la vanguardia, que sea importantey que ofrezca calidad. Por eso no editamos tantas cosas, y por eso la gente serefiere a nuestras bandas como “el sonido Moonfog”... Con respecto a lo quedecía de las ventas digitales, hoy en día tenemos un servicio como el deiTunes, de donde uno puede bajar música de Internet de manera legal, pagando unprecio pre-establecido por cada canción o cada disco. Pero el sistema estotalmente injusto para cosas como Satyricon. La gente que lleva adelante esesitio no está interesada en bandas como nosotros o cosas black, porque somosmuy chicos para ellos. Incluso nos dijeron que si queríamos ver a nuestrasbandas disponibles en iTunes, tendríamos que garantizarles que los discosserían exclusivos para ellos. O sea, ¡no podríamos venderlos como CD´s tradicionales!Es una locura. Esto es lo que el fan típico de esta música desconoce,toda la parafernalia que hay detrás y la forma en la que el engranaje de estaindustria trabaja. Todo es muy, muy difícil hoy por hoy.

- Lo triste es que de acá a algunos añosla gente sólo va proveerse de música de esa forma: a través de Internet. Todala experiencia de ir a un negocio especializado y revolver las bateas en buscade algún disco va a ser algo del pasado, y eso es realmente triste...

- Me acuerdocuando solía vivir en una península en las afueras de Oslo. Para poder ir a laciudad tenía que tomarme un ferry y el viaje era de media hora, ida y vuelta. Osea que para poder visitar una disquería y comprar discos de este estilo... eratoda una experiencia. Me tomaba el micro hasta el ferry, después el ferry pormedia hora, y después otro micro hasta la disquería. Una vez ahí, nunca sabíascon qué te podías encontrar... Siempre me compraba algo en vinilo, y el viajede vuelta me la pasaba media hora en el ferry admirando la tapa del disco quehabía comprado, o leyendo las letras y todo eso... Después, ni bien llegaba ami casa, ponía inmediatamente a sonar el disco, y lo escuchaba una y otra vezdurante un mes, hasta que tenía oportunidad de volver a la disquería en Oslo...¡Era una experiencia fantástica! Hoy los pibes se conectan y ya está... Bajantodo así nomás. Es triste, como vos decís, porque hace que la gente aprecie ala música desde otra perspectiva, y además ya no la valoran de la misma forma.Es todo mucho más superficial. Raramente leen las letras o se interesan por elresto de lo que un disco solía incluir...

- Con respecto a lo que decías antes sobre el tema de las ventas, me parecealgo muy refrescante ver cómo gente dentro del black metal hoy por hoy admiteque la idea es vivir de la música que uno hace, lo cual es totalmentelógico y natural. Antes, si uno mencionaba algo así en un género como éste,enseguida te tildaban de “sacrílego”...

- Entiendo loque querés decir, pero dejáme aclarar una cosa: si hacer plata fuera nuestra únicamotivación, estaríamos tocando otro tipo de música. Lamentablemente todavíatenemos que hacer otras cosas. Frost, por ejemplo, es un ingeniero de sistemas.Es un muy buen trabajo, con un muy buen sueldo. Yo recibo ofertas dentro de laindustria todo el tiempo, porque la gente dentro de este medio me conoce y sabebien cómo soy... Pero con Satyricon hacemos mucha menos plata de la queharíamos en un trabajo totalmente ordinario. El tema es que eso a nosotros nonos interesa. No somos la clase de personas que viven sus vidas de esa forma.Tenemos otras prioridades y amamos lo que hacemos. Por supuesto que a veces nospreguntamos “¿para qué mierda estamos haciendo esto? ¡Ya no tiene sentido!”,pero también hay otros momentos en los que disfrutamos muchísimo este asunto...Lo que muchas veces la gente no pareciera entender es que esto es, paranosotros, una “profesión”, es decir un trabajo, y no un hobby. Y como taldebería ser remunerado. Eso es algo lógico, ¿no? Esto es lo que hacemos full-time, y nocuando salimos del colegio o cuando no estamos boludeando en el pub de laesquina... Yo ya vengo en este tema desde hace rato... Los que dicen que elblack metal no debería ser redituable, o que las tapas de los discos tienen queser únicamente blanco y negro, o que no se deberían vender más de mil copias detu disco, o que no se supone que salgas de gira por el mundo, o todas esasidioteces... bueno, para empezar, esa gente es en su mayoría bien joven. Debentener unos 20 o 22 años. Ok, si tenemos en cuenta que todo este asunto delblack metal explotó allá por el ´92 y el ´93, bueno... entonces estos pibestenían unos 8 años en esos días. ¿Qué mierda saben? Se creen que porque leyeron“Lords Of Chaos”, que es un libro lleno de mierda y de mentiras, saben de loque están hablando. Pero no saben nada. Hacen falta más tipos como Euronymus (controversialex líder de Mayhem, asesinado por Varg Vikernes de Burzum), que fue uno delos verdaderos pioneros en el género y hoy es una suerte de icono culturaldentro del black metal. Euronymus siempre decía que odiaba toda la ideologíapunk y hardcore dentro del black, el hecho de que “no se supone que hagas estoni lo otro” o “no se supone que seas compensado por tu arte”. Siempre lo decíaexageradamente, pero esa era su forma de hacerse entender. Es gracioso como hoyla clase de gente que justamente Euronymus odiaba anda diciendo cosas como “¡ala mierda con Emperor! ¡Aguante Carpathian Forest!” (risas) El problema conel black metal es que hay demasiados nenes escuchándolo...

Tiempos Oscuros & Medievales

Uno de los desprendimientos más interesantes surgidos de Satyricon fueel álbum “Fjelltronen”, editado en 1995 por Satyr bajo el nombre deWongraven e interpretado íntegramente en guitarras acústicas, piano, percusióny sintetizadores. La obra podría ser definida como música “ambiental ymedieval”, aunque ningún otro álbum dentro del estilo puede realmentecomparársele.

“Ese proyecto surgió en el mediode la etapa “medieval” de Satyricon. Tenía tantas ideas similares dando vueltasen mi cabeza que tuve que crear un desprendimiento que fuera netamente medievaly ya sin el ingrediente black”, explica Satyr. “La idea era básicamentesacar toda esa música de adentro mío. Pero si lo hubiera hecho en Satyricon, labanda se hubiese convertido en algo folk y ambiental. Como amante de la músicay como compositor, grabar el disco de Wongraven fue algo necesario. Por eso uséese nombre. Wongraven es mi apellido real (N. del R.: el nombre real deSatyr es Sigurd Wongraven). Y al usar esa palabra para bautizar al proyectoestaba diciendo que este soy yo, y esta música es lo que yo soy en realidad. Yde hacer un segundo disco, las posibilidades serían ilimitadas. Nonecesariamente debería ser un disco de música medieval o folk, sino decualquier cosa que me interese profundamente al momento de componer, o que merepresente en un momento determinado de mi vida. No creo que nunca pase algoasí, pero si en un momento me interesa la música tecno, en teoría podría grabarun disco tecno y editarlo bajo el nombre de Wongraven, ¿entendés? Puede sercualquier cosa. No obstante, todo lo que tengo para decir musicalmente lo estoydiciendo en Satyricon, así que por el momento no tengo planes de editar un segundoálbum...”.

- ¿Cómo fue que se te ocurrió usar almedioevo como concepto para la primera etapa de Satyricon y para Wongraven?

- Es la música que llevo adentro. Es algo que me salesolo. No lo puedo explicar de otra forma. A diferencia de lo que pasó con Storm (proyecto de música folktradicional noruega en versión metalera cuyo único álbum, “Nordavind”,fue grabado en 1995 por Satyr junto a Fenriz de Dark Throne y Kari Rueslattende The Third And The Mortal), Wongraven fue algo que tenía quehacer. Storm, en cambio, fue una idea. Hay una diferencia ahí. Una cosaes una necesidad, algo que te sale solo y vivía dentro de mí, y otra cosa esuna idea, algo que planeas anticipadamente porque pensás que puede llegar a serinteresante.

El Origen Del Icono “S”

“Honestamente,el nombre “Satyricon” no tiene un único significado. Es más, ni yo mismo séconcretamente qué significa”, confiesa Satyr cuando le pregunto algo que mevenía carcomiendo la imaginación desde el momento que escuché “Dark Medieval Times” por primera vez, allá por 1993. “Podés pasarte horas buscando elsignificado de nuestro nombre en Internet y te puedo asegurar que no lo vas aencontrar”, prosigue el noruego. “La palabra “satyricon” tiene muchasfuentes. La más importante sería el texto de Petronio (autor romano, quienescribiera “El Satiricón” en el siglo I. La obra relata las peripeciasde tres amigos por el sur de Italia que sobreviven en base a engaños yartimañas), que yo ni siquiera leí. Después tenés la película de Fellini,que ví una vez hace ya muchos años, y de la cual me enteré como un año despuésde haber formado la banda. La idea surgió originalmente en la época en la queteníamos otro guitarrista, antes de grabar nuestro primer demo. Un día Frost,él y yo nos pusimos a hablar de mitología griega, porque yo justo en esa épocaestaba leyendo una serie de libros larguísimos sobre el tema. Ahí descubrí aestas criaturas llamadas “satyrs” (“sátiros”), que eran mitad hombre y mitadbestias, con patas de carnero, como una suerte de demonios de la naturaleza queeran temidos y admirados a la vez, porque eran sumamente brutales y al mismotiempo muy talentosos desde el punto de vista musical. Entonces pensamos enponerle “Satyr” a la banda, pero después alguien mencionó la palabra “icon”(“icono”), y se nos ocurrió combinar ambas cosas, es decir “Satyricon”, quepodría interpretarse como el ver a los sátiros como íconos... Y te repito quemucho después nos enteramos de la película, y hasta el día de hoy desconozco laintención de Fellini o la idea detrás de ese título.”

LosDominios De Satyr - Satyricon,Disco X Disco

“Dark Medieval Times”: “Eramos jóvenes, estábamos hambrientos y no teníamosexperiencia alguna. Para bien o para mal, la ansiedad adolescente típica queatravesábamos en esa época se nota mucho en el disco. Podés escuchar claramenteque como músicos y artistas éramos “vírgenes”. Lo bueno es la frescura que esoconlleva, y que se nota mucho en esas canciones, y lo malo es que en muchoscasos tratamos de apretar más de lo que podíamos abarcar en esa época, y esotambién se nota mucho. No sabíamos cómo lidiar con los ingredientes de cadacanción. Desde mi perspectiva actual no creo que sea un gran disco, peroreconozco que tiene un encanto y una onda muy especial.”

“The Shadowthrone”: “Como banda,estábamos mucho más ensamblados, e instrumentalmente es un álbum muy superioral anterior. La producción estaba más controlada y ya era profesional. Y lasletras tienen sus altibajos, aunque son muy atípicas. Musicalmente, es un discode grandes riffs en lugar tal vez de grandes canciones. Aunque acá tenés eltema “Dominios Of Satyricon”, que hoy se convirtió en un clásico. Lo tocamossiempre y es el tema que mejor funciona en vivo. Mañana damos un show en unfestival alemán y por supuesto lo vamos a tocar.”

“Nemesis Divina”: “Un punto clave en la historia del black metal y unode nuestros mejores discos a nivel ventas. Tiene unos riffs excelentes, es muysuperior a los dos anteriores, y suena bien incluso para los estándares de hoy.En los medios bien under recibió críticas espectaculares, pero en lasrevistas más grandes no lo apreciaron mucho. Es un disco muy popular, y juntocon el último fue el único que la gente disfrutó inmediatamente. Esas cancionesle gustaron de entrada a todo el mundo, sobre todo “Mother North”, claro, quees algo así como el “himno” del black metal. Para mí, como compositor, no haynada más importante que haber escrito una canción así. Es lo que “Angel OfDeath” fue para el death metal o “Master Of Puppets” fue para el thrash. Noimporta lo que pase de acá en más, al menos me queda la tranquilidad y el honorde haber contribuido a la historia de la música pesada con esa canción. Perouna de mis canciones favoritas de toda nuestra discografía es “The Dawn Of ANew Age”, el primer track. Lo único que no me gusta es el hecho de quele falta un poco más de graves a la producción en general, un poco más de“solidez” en el bajo y los bombos, pero eso en gran parte fue intencional yobedeció a nuestra ideología de aquella época sobre cómo el black deberíasonar.”

“Rebel Extravaganza”: “Las letras de este disco son de las mejores queescribí en mi vida. A nivel composiciones pudo haber ido un poco más lejos, yen muchos casos las canciones tienen demasiadas partes, demasiados cambios, yeso a la larga creo que no fue muy bueno. Hoy prefiero canciones más sólidas.Lo que tiene este disco es que es muy dinámico, algo que no suele pasar en elblack o el death metal. Yo soy muy partidario de esta cualidad. Creo que esalgo fundamental en una canción. Por ejemplo, “Filthgrinder” es sumamentedinámica y explosiva. El disco en general es muy frío, oscuro y, además, muycontestatario. Esto último tiene que ver con el hecho de que al momento deeditarse el disco, el black metal se estaba convirtiendo en el mismo chiste quees el gothic metal hoy. Todo el mundo usaba colchones de teclados y se vestíacomo vampiros... El black metal había pasado de ser crudo y feroz a ser algosinfónico e inofensivo. La idea era ir en contra de eso. Por eso Frost y yoaparecemos como aparecemos en la tapa de ese disco: extremadamente furiosos,con mucho odio y llenos de misantropía. Así era como realmente nos sentíamos enesa época.”

“Volcano”: “Cuando escucho este disco escucho a una banda que se encontró a símisma. Es la continuación lógica de todo lo anterior. Todo en el disco, desdelas letras, las canciones, la tapa, etc... todo te da una impresión de algomonumental, algo gigante, y sin embargo algo que también es simple y redondo,oscuro y preciso. No es un disco pomposo, a pesar de sonar contemporáneo. Espura oscuridad, pero oscuridad real. En la tapa tenés una serpiente ynada más. Una idea clara y precisa. Oscuridad real, y no oscuridad de fantasía.La serpiente no está volando por los aires ni hay un guerrero matándola...Desde el punto de vista de la producción, para mí el disco tiene el sonidoperfecto para el black metal. Creo que fue el primer disco del género que suenade esta forma. Nunca me gustó el sonido necro y crudo, y acá finalmente pudimoslograr algo que sonara de forma autoritaria pero con onda, sin sonarexcesivamente retocado. Creo que logramos un buen balance entre la frialdadoscura del black y la solidez de una banda thrash. Musicalmente, demuestra una vezmás que Satyricon es una banda muy versátil. Hay canciones largas y complejaspero también algo como “Fuel For Hatred”, que es bien “in your face”. Y todosuena coherente, todo fluye. Estoy muy orgulloso de ese disco.”

EMPEROR VS. ZYKLON (mini-reportaje a Samoth)

2012-01-10T11:26:00.000-05:00

(reportaje originalmente publicado en Maelstrom #1 - Mayo 2001)

Samoth e Ihsahn solían declarar en numerosos reportajes que Emperor no podría existir sin la participación de cualquiera de ellos dos. Ambos constituían eslabones indispensables. Y no obstante, el rol del primero comenzó a verse seriamente opacado por el segundo. Disco tras disco, Samoth -que incluso se había encargado de fundar la banda- pasó a convertirse en un mero guitarrista rítmico, mientras que Ihsahn se ocupaba del puesto de guitarrista y compositor principal, bajista, cantante y tecladista. Para “Prometheus, The Discipline Of Fire And Demise”, dicho contraste de jerarquías quedó expuesto como nunca antes en la historia del grupo. Pero Samoth no parece prestarle mayor importancia al asunto, y en su lugar prefiere concentrar energías en Zyklon, su recientemente iniciado proyecto en el que despliega toda la furia y la brutalidad que acaso en Emperor ya no podía desplegar...

- En Emperor, Ihsahn siempre fue el compositor y guitarrista principal. ¿Eso no fue un tanto frustrante para vos, también como guitarrista, y tal vez por ese motivo decidiste comenzar tu propia banda?

- No realmente... Ihsahn y yo trabajamos muy bien juntos. Él no me controla todo el tiempo y me dice lo que puedo hacer y lo que no. Simplemente, ahora puedo hacer la mía, establecer mis propios parámetros desde un principio. La música de Emperor es una combinación de mi costado de agresión primitiva y su pasión por las melodías sinfónicas. Y esa combinación es brillante, pero para Zyklon quiero algo diferente.

- Ihsahn compuso la totalidad del nuevo álbum. ¿Vos y Trym no tuvieron problemas al respecto? ¿No les hubiera gustado tener un poco más de participación?

- En realidad, eso fue por mi propia culpa. Si hubiera estado junto a Ihsahn al momento de la composición hubiésemos hecho las cosas juntos. Pero el año pasado estuve tan involucrado con Zyklon que no pude escribir casi nada para Emperor. Para cuando pude distanciarme un poco, Ihsahn ya tenía todo el disco terminado.

- ¿Cómo lo conociste a Ihsahn?

- Hhhhmmm... Eso fue hace un montón. Creo que fue en un seminario de música. Deberíamos tener unos trece o catorce años en ese entonces, y desde ese momento no paramos de tocar juntos.

- Recuerdo que solía escuchar los primeros demos de Emperor y no podía creer que ustedes fueran tan jóvenes... ¿Acaso en Noruega los alimentan con alguna poción extraña?

- Lo que pasa es que somos únicos... (risas) No, hablando en serio, ¿qué te puedo decir? Desde un principio nos tomamos las cosas seriamente y tratamos de evolucionar desde ese punto.

- ¿Cuándo empezaste a escuchar black metal?

- Me empezó a gustar en el ´91, pero antes ya escuchaba cosas más thrash, y estaba muy metido en esa escena. Me gustaban mucho Celtic Frost y Bathory, pero también tenía cosas bien raras como los primeros demos de Tormentor. Era un fanático de esos estilos. Y después de eso empezamos Emperor...

Entrevista: EMPEROR - La Disciplina Del Equilibrio Y La Ambición

2012-01-05T13:29:00.000-05:00

(reportaje originalmente publicado en Maelstrom #1 - Mayo 2001)

Tras el lanzamiento de “Prometheus,The Discipline Of Fire And Demise”,

la entidad de black metal más influyente de década de los '90 anunció su disolución.

No sólo se trató de uno de losacontecimientos más importantes del 2001,

sino del final de un capítulofundamental dentro de la historia de la música extrema contemporánea. Aquel queinició el escándalo y hoy concluye la admiración...

- ¿No va más?

- No. La razón es bastante compleja y al mismo tiempobien sencilla: como Emperor, sentimos que ya no podemos ir más lejos. Siqueremos seguir creando música honesta y sin compromisos tenemos que mirarhacia delante y empezar a pensar en nuevas posibilidades. Tenemos que seguircaminos separados, y preferimos tomar la decisión nosotros mismos, en lugar deesperar a que fuerzas mayores nos obliguen a hacerlo.

- ¿Tenías en mente desde un principio que éste iba aser el último álbum de Emperor?

- Sí.

- ¿Incluso desde antes de componer los temas?

- Sí.

- Una de las constantes en el grupo siempre fue laevolución, y de hecho este último trabajo representa la obra más barroca ycompleja que hayan editado. ¿Lo considerás el pico creativo de Emperor? ¿Sentísque ya alcanzaste todos los objetivos que te habías propuesto alcanzar?

- Te diría que sí. Todos en el grupo tenemos mucha másmúsica para dar, pero como Emperor ya hicimos todo lo que podíamos hacer.Emperor era el resultado de una colaboración entre gente con diferentes gustosmusicales, y pienso que llevamos esa colaboración lo más lejos que nos fueposible. Samoth [guitarrista rítmico] y Trym [baterista] tienen sus propiosgustos e intereses.

- ¿Pensás que esta decisión tiene algo que ver con elhecho de que el black metal es un estilo con evidentes limitaciones, y acaso sesentían atrapados entre sus paredes? Aunque claro, la de ustedes siempre fueuna propuesta mucho más rica en comparación al producto típico dentro delgénero...

- Digámoslo de esta forma: es cierto que el blackmetal tiene sus limitaciones, pero creo que Emperor también tenía las suyas. Sibien las diferencias en los gustos musicales de cada uno de nosotros sonnotorias, Emperor se convirtió en una entidad con su propio sonido, y esese sonido el que desarrollamos durante todos estos años y hoy decidimosconcluir. Pero creo que dejé de pensar en Emperor como una banda de black metalincluso desde antes de “Anthems To The Welkin At Dusk”, tanto musicalcomo líricamente. Nuestras raíces provienen del black metal, cierto, pero ladecisión de poner punto final creo que surge como consecuencia de nuestraspropias limitaciones como banda, y no tanto por las del género. Con esto noquiero decir que no hubiésemos podido llevar a Emperor un paso más allá yconvertir al grupo en algo totalmente diferente, pero para eso hubiésemostenido que estar todos de acuerdo, y nuestros gustos son tan distintos que lascosas no hubieran sido sencillas en ese sentido. Siempre tuvimos estasdiferencias, pero las sobrellevábamos de forma conservadora y constructiva. Ycreo que es mejor parar ahora y dedicarse a otras cosas.

- ¿Tuvieron también diferencias personales entre lostres?

- Sí, por supuesto. Cada uno tiene diferentesambiciones e ideas. Por eso pienso que es positivo parar ahora. Cuando trabajásdurante tantos años con la misma gente las diferencias de opiniones soninevitables. Pero si paramos ahora no es demasiado tarde, y podemos evitar lasfricciones y seguir manteniendo nuestra amistad porque nuestras cabezas estánen otros proyectos y cada uno puede explorar sus propios gustos. Cuando crecéscomercialmente como banda, las fuerzas externas se hacen muy poderosas. Y paramí lo importante es ser una banda, ser personas, y no dejar que te presionen ote obliguen a hacer algo que en realidad no querés hacer. Los medios y lapresión comercial pueden llegar a ser muy fuertes.

- La forma en la que yo veo a Emperor es como unabanda con dos miembros de gustos y opiniones muy precisas, e incluso diríaencontradas. Samoth es la faceta extrema y agresiva, y vos el costado cerebraly técnico. Trym está perdido en el medio, de alguna forma...

- Hasta cierto punto tenés razón, aunquete puedo asegurar que yo también tengo algo de ese costado agresivo y extremodentro de mí... Aunque tal vez mi costado agresivo es un tanto más... más...

- ¿...experimental?

- Sí.

- Justamente así es cómo yo te imagino: siemprepreocupado por experimentar con distintos sonidos y estilos, como en el caso dePeccatum, por ejemplo. Ahí te veo realmente feliz y en tu salsa, mientras queen los últimos discos de Emperor noté un cierto desgano de tu parte en lo queal black metal o la extremidad se refiere. Sobre todo en este último álbum, enel que las partes black parecieran estar ahí no porque vos sentiste que teníanque estar, sino porque no tuviste otra opción... Es como si en el fondo lo tuyoes la música en todas sus dimensiones, y sin embargo estás atrapado dentro deun proyecto que, para poder hacerle honor a su pasado, indefectiblemente debeincluir elementos del black metal...

- Hhmmm... No necesariamente. Pongámoslo de estaforma: si yo hiciera un álbum solista, definitivamente sería algo distinto.Pero cuando tengo a Emperor en mi cabeza compongo con otros parámetros. Porejemplo, este último disco lo compuse todo yo, pero mientras lo componíapensaba en los gustos de Samoth y Trym, y en lo que a ellos les gustaríaescuchar. Pero no sentía la presión de hacerlo, sino que era algo que hacíaporque me gustaba. Por eso no considero a este trabajo como un álbum solista. Yno soy muy fácil de dominar, así que sería muy difícil para mí que alguien mellene la cabeza para que haga algo que no quiero hacer... Pero es cierto que enEmperor trabajo de forma diferente en comparación al resto de mis bandas. Teneruna banda es colaborar entre varios individuos y obtener algo constructivo deesa colaboración. Y puede que en el futuro haga algo en la vena extrema deEmperor...

- Pero en mi opinión este nuevo álbum tiene tu sonidode principio a fin. Podés escuchar la “marca registrada” de Ihsahn en todos lostemas, y de hecho encontré muchas similitudes con tu trabajo en “Amor Fati”, dePeccatum...

- Sí y no. La gente suele tener la impresión de que yotambién soy el responsable de todas las composiciones de Peccatum, cuando enrealidad la compositora principal es Ihriel [esposa de Ihsahn y creadora dePeccatum]. El rol que yo desempeño en Emperor ella lo desempeña enPeccatum. Mi contribución musical no es tan notoria como en el caso de Emperor.Mi estilo de guitarra en Peccatum es diferente, y creo que en ese sentidoevolucioné bastante. Mi forma de cantar también es distinta. Este tipo de cosasme ayudan a crecer como guitarrista, y eso me gusta porque yo considero a laguitarra como mi instrumento principal. Pero entiendo lo que querés decir, ypuede que parte de lo que llamás “el sonido Ihsahn” sea una consecuenciadirecta de que yo haya producido a ambas bandas y las haya grabado en elestudio de mi casa... Pero cada cosa es diferente para mí, y si me pusiera atrabajar en un álbum solista te repito que sería algo completamentediferente...

- Bueno, como fue el caso con Thou Shalt Suffer...

- Sí... O algo aparte...

- O sea que debés tener un montón de ideas dándotevueltas en la cabeza, ¿no?

- No necesariamente. Mi próximo objetivo es porsupuesto el tercer álbum de Peccatum. Ihriel y yo ya estamos trabajando en esoen estos momentos. Pero en lo que al futuro respecta no tengo ni la menoridea... Y me gusta que sea así. Prefiero mantener la sensación de enfrentar lodesconocido. Me gusta lo impredecible, lo nuevo... Ahora que Emperor se terminóme siento personalmente “liberado” como músico...

- ¿Sentías que cargabas con un peso sobre tus hombros?

- Bueno... Emperor definitivamente ocupaba casi todomi tiempo... aunque se trataba de una forma constructiva de ocupar mi tiempo,por supuesto. Pero el hacer eso por diez años te cansa, y ahora prefierodedicar mi tiempo a Peccatum, algún trabajo solista, o tal vez una colaboraciónentre diferentes músicos.

- Antes mencionabas lo importante que para vos es laguitarra como instrumento, y honestamente debo decir que tu evolución en esesentido fue sorprendente. Hoy en día tenés tu propio sonido, tu propio estilo,y eso es algo que no muchos guitarristas, sobre todo en este género, puedenalcanzar...

- Gracias. También me interesó concentrarme en losarreglos, y creo que en ese sentido podés percibir otra evolución. No meconsidero bueno para los solos, por ejemplo, pero sí creo que puedo obtenerresultados interesantes con los arreglos que compongo, y en este álbum quedemuy feliz en ese sentido. Suelo componer las bases y meter los teclados y lasguitarras en mi estudio sobre esas bases. Pero me pongo a arreglar laestructura de las canciones desde el principio. Tengo todo en mi mente, y esopienso que tuvo mucho que ver en el resultado del álbum.

- Entiendo que Trym y Samoth estaban ocupados conZyklon cuando vos empezaste a componer el disco. Igualmente, ¿no hubo problemasentre ustedes debido a esto? ¿No se sintieron como dejados de lado por vos?

- No, yo siempre los invitaba a colaborar. Inclusodesde el principio. Les daba Cd´s con demos de los temas, como para que sevayan familiarizando. Y la idea original no era que yo tenía que componerabsolutamente todo, sino que esto fue algo que se dio de forma natural.Simplemente, una vez que las canciones estaban terminadas dio la casualidad deque yo las había escrito a todas...

- O sea que ellos te dijeron algo así como “no, notenemos nada interesante para agregar, así que hacéte cargo vos”...

- Sí, más o menos fue así. La diferenciaprincipal entre este disco y los anteriores es que nunca ensayamos los temasjuntos.

- ¿Cuál es tu tema favorito del disco?

- Estoy muy satisfecho con todos, honestamente. Esdifícil elegir a uno, pero diría que “The Prophet” y “The Tongue Of Fire” sonmis favoritos personales...

- El mío es “Thorns On My Grave”, que probablemente vaa ser recordado como “el último tema de Emperor” por el simple hecho de que esel último track del disco...

- Probablemente.

- También meencantó “In The Wordless Chamber”... Tiene una atmósfera muy cinemática...

- Sí, pero es una de las canciones más “retro” delálbum, y por ende una de las menos ambiciosas... al menos para mí. Lo que megusta de ese tema es el contraste entre la sensación de enormidad ygrandilocuencia de la música y la claustrofobia que transmite la letra.

- “The Eruption” es una de las más interesantes,técnicamente hablando. Tiene montones de cambios de ritmo...

- Sí. Me interesa combinar elementos musicalestotalmente distintos, cosas que provengan de géneros diferentes entre sí, peroal mismo tiempo manteniendo un “fluir” continuo en los temas. Ese es uno de misobjetivos principales a la hora de componer. Me gustan las variaciones rítmicasy de intensidad, y afortunadamente puedo experimentar con este tipo de cosas enmi propio estudio, lo cual significa que si algo no me gusta tengo todo eltiempo del mundo para cambiarlo y probar con nuevas cosas...

- ¿Qué tipo de música solés escuchar en tu casa?

- Hhmm..... Dejáme pensar...

- ...porque no te imagino escuchando nada que estérelacionado con el black metal...

- Suponés bien. Casi nunca escucho metal. Ya desdehace rato que no suelo escuchar ese tipo de cosas. Ocasionalmente puede que meponga a escuchar algún clásico, como “Blood Fire Death” de Bathory, porejemplo. Y sino escucho cosas contemporáneas, cosas clásicas, rock, y otro tipode estilos. Todo depende. Como músico trato de recibir inspiración de todaclase de géneros.

- ¿Qué te pareció el último de Ulver?

- Que es genial.

- ¿No es increíble lo bien parados que siempre quedan?Hace cinco años estaban metidos de lleno en el black metal, y hoy en algocompletamente diferente, pero los resultados que obtuvieron en ambos casos sonexcelentes. Casi resulta mentira que estemos hablando de la misma banda...

- Bueno, ellos siempre se caracterizaronpor eso. A mí me gustan todos sus discos, y ayer justo hablé con Garm [líderde Ulver] y me dijo que acababan de terminar un nuevo Ep. Mi favorito de los tres primeros es “Kveldssanger”.Y el de William Blake también me encantó...

- Vos de hecho participaste en ese disco, ¿no?

- Sí... En realidad mucha participación no tuve,porque Garm me llamó y me preguntó si quería grabar algunas voces, me mandó untexto con la parte del poema que debería cantar, y grabé esa parte en elestudio. Eso fue todo. No tuve mucha “participación” en el proceso creativo.Sólo grabé unas pocas líneas.

- Con respecto a los comienzos de Emperor, ¿cuál es tuopinión actual sobre "In The Nightside Eclipse"?

- Pienso que al momento de ser grabado fue bastanterevolucionario, de alguna forma... o mejor dicho cuando fue editado, porque,como sabrás, al disco lo grabamos en el ´93 pero se editó recién a comienzosdel ´95. Creo que había un par de buenos temas en ese álbum, sobre todoteniendo en cuenta la época... y nuestra edad.

- ¿Cuántos años tenías?

- 17.

- ¡Qué increíble! Para mí es uno de los mejoresdiscos de la historia del black metal...

- Gracias. Pienso que “In The Nightside Eclipse”es el álbum en el cual encontramos nuestro sonido. El demo "Wrath OfThe Tyrant" tenía un sonido bastante crudo y rudimentario, y el Ep "Emperor"estaba a mitad de camino entre el demo e "In The NightsideEclipse", en dónde ya trabajábamos mucho más con los teclados y losarreglos. Esos ingredientes ya estaban mucho más establecidos para cuandopudimos grabar el debut, pero su importancia no era tan grande en los primerosdemos. "Anthems To The Welkin At Dusk" es un tanto similar a “InThe Nightside Eclipse”, pero para mí representa el gran paso adelante ennuestras carreras, si bien no es tan complejo como "IXEquilibrium". Recién para éste último decidimos comenzar a hacer lascosas de forma diferente... Pero todos los discos tienen canciones de lascuales estoy muy orgulloso. Sobre todo considerando nuestra edad y nuestraexperiencia hasta ese momento. Tenés que contemplar a cada disco desde esaperspectiva.

- ¿Cuántos años tenías cuándo empezaste a tocaren Emperor?

- Creo que tenía 13 cuando formé mi primera bandajunto con Samoth, allá por el ´89. Pero ambos empezamos Emperor poco tiempodespués... cuando yo tenía 15...

- ¿Y qué ves hoy en día cuándo mirás hacia atrás?¿Cómo les afectó toda la polémica y el revuelo de la "black metalmafia", los asesinatos, y todas esas cosas que ya conocemos de sobra?

- Supongo que todo eso fue una suerte de rebelióntípica de adolescentes... que se pasó un poco de rosca. Cuando tenés entre 15 y25 años atravesás una etapa de cambios. Todas las personas atraviesan esaetapa, y es la que delinea tu personalidad. La nuestra fue un tanto extrema.Uno siempre quiere hacer las cosas de forma diferente, o al menos distinguirsepor sobre el resto, y esto es positivo si te ponés a analizarlo. Es algonormal. Pero con el tiempo, es natural que te sientas más seguro de vos mismo.Empezás a saber quién sos y qué querés en realidad. En mi caso personal, hoy yano siento que tenga la misma necesidadde... de.. ¿cómo decirlo?... "expresar mi lado extremo", ¿entendés?.Pero supongo que todo forma parte de... de...

- ... ¿de crecer?

- Sí... ¡Aunque me imagino que fue una forma diferentede crecer a la del resto de la gente! [risas].

- ¿Qué tan importante fue durante aquellos años labronca y la disconformidad para con el resto de la sociedad? Te lo pregunto porla letra del tema "The Loss And Curse Of Reverence", en la queescribiste: "Vos y este mundo me rompieron el puto corazón"...

- Pienso que esa letra refleja un poco la injusticiaque uno experimenta... sobre todo al crecer. Quizás en Argentina las cosas seandiferentes, pero en Noruega puede llegar a ser muy duro el destacarte y tratarde ser alguien, el tratar de diferenciarse del resto y no seguir la corriente.Vivimos en un mundo muy cruel, lleno de sufrimiento, y la vida para aquellaspersonas que no tratan de seguir a la manada puede ser muy dura. Podés sentirtemuy frustrado, y de hecho yo todavía me siento muy frustrado en muchosaspectos. Por ejemplo, no puedo creer lo egoísta y malvada que la gente puedellegar a ser para con el prójimo. Sin embargo, supongo que ya no soy tanvulnerable como antes. Desarrollás una especie de escudo que te permitedefenderte y endurecerte... Pero todo es parte de la vida, de crecer y detratar de ser alguien. En Noruega esto es complicado porque estamos hablando deun país extremadamente conservador.

- Volviendo a “Anthems To The Welkin At Dusk”, el riffinicial de la canción "Ye Entrancemperium" fue compuesto porEuronymus [guitarrista original de Mayhem, quien luego de su asesinato seconvirtió en un icono fundamental dentro del género]. ¿Por qué decidisteincluirlo?

- Porque era un muy buen riff. Lo sacamos de un temaque Mayhem nunca llegó a grabar, pero que nosotros vimos en un video grabadodurante un ensayo. Fue una especie de pequeño tributo hacia Euronymus. Hablamoscon Hellhammer [actual baterista de Mayhem] luego de su muerte, lepreguntamos si nos dejaba usar el riff, y él no tuvo problema.

- ¿Te dolió mucho la muerte de Euronymus?

- Bueno, cualquier muerte es dolorosa, perosinceramente no es algo en lo que piense muy a menudo.

- ¿Y qué pensás del nuevo Mayhem?

- Escuché muy poco del nuevo material, así que nopuedo opinar.

- En “The Acclamation Of Bonds”, también de“Anthems..”, puede escucharse lo que pareciera ser un homenaje a “For Whom TheBell Tolls”, de Metallica...

- Sé a lo que te referís, pero no fue algopremeditado. Simplemente se dio. Estábamos tocando el tema y sentimos queteníamos que meter esa parte. Supongo que a Metallica le pasó lo mismo. Es comoun cliché que no podés evitar...

- ¿Cuál era el significado del título “IXEquilibrium”?

- El número “9” es el más alto de la escala arábiga, yel “equilibrio” es el balance perfecto. El hecho de que hayamos escrito al “9”en números romanos es como una paradoja intencional. Además, el disco fueeditado en 1999, y lo masterizamos el 9 de enero. ¡Y nos llevó 9 horas!

- ¿Todavía mantenés contacto con Bard [primerbaterista de la banda, también conocido como "Faust", que actualmentese encuentra cumpliendo una condena en prisión por asesinar a un homosexual]?

- No mucho. No es muy fácil llamarlo, como teimaginarás, pero él de vez en cuando nos llama a nosotros.

- ¿Y pudo escuchar algo de los últimos discos?

- Sí, claro. Él siempre está al tanto de todo. Dehecho, hace como un año pudo salir un par de días bajo custodia, vino a la salade ensayo... ¡y nos pusimos a tocar "I Am The BlackWizards"!

- ¿Solés mantener contacto con otros músicos de laescena de tu país?

- Ocasionalmente... No tengo mucho tiempo, por logeneral...

- ¿Porque estás ocupado en tu estudio?

- Porque estoy ocupado en todo sentido. No acostumbroa salir de mi pueblo para visitar gente o tener una vida muy social quedigamos...

- ¿Y qué te pareció el disco de Zyklon?

- Me gustó. Pienso que es un buen disco.

- ¿Todavía te gustan ese tipo de sonidos agresivos ydesenfrenados?

- Sí, de tanto en tanto... Habiendo personalmentecreado esa clase de sonidos por tantos años ya no los encuentro muysorprendentes o originales, pero puedo apreciar su encanto. No me transmitencuriosidad alguna ni son muy ambiciosos, pero los aprecio por lo que son...

- Yo lo veo también así. Vos constantemente tratandode experimentar, transitando por un camino más maduro y con intenciones quepodríamos llamar ambiciosas. Y, por otra parte, Samoth pareciera ir haciaatrás...

- Bueno, vos usaste la palabra “maduro”, pero yo lediría “impredecible”. Me gusta no saber qué voy a hacer después. Claro, ahoramis planes inmediatos son concentrarme en Peccatum, pero si bien ya hay variasideas en ese sentido, musicalmente es imposible determinar cómo va a ser elresultado. Es como una excitación infantil por ver cómo resultan las cosas...

- ¿Pensás que existe un futuro para el tipo de blackmetal que ustedes solían practicar cinco años atrás, por ejemplo? Me refiero alblack metal “tradicional”...

- No necesariamente. Para mí eso ya es noticiavieja... Aunque por supuesto que siempre quedan exponentes interesantes, peroeso también depende de si encarás las cosas desde el punto de vista comercial oel personal...

- ¿Cuál banda contemporánea te parece que estáobteniendo resultados más interesantes?

- Mirá, todavía no pude escuchar el nuevo de Thorns,pero mi experiencia me dice que ese es el tipo de disco que yo al menosescucharía dentro de lo que podríamos llamar black metal. Igual, no soy lapersona más indicada para responder a tu pregunta porque estoy muydesactualizado en lo que al género respecta.

- Es evidente que el black metal, por llamar a estetipo de música de alguna forma, no te permitía experimentar esa sensación deimpredecibilidad que describías antes. En tu opinión, ¿qué fue el blackmetal y qué es el black metal?

- El black metal como solíamos conocerlo fue unvehículo limitado y de ideas concentradas. Hoy existen bandas que pudieroncontinuar esa propuesta original exitosamente, y de alguna forma estánexpandiendo las fronteras del género y llevándolo más allá... Pero el término“black metal” en mi opinión es simplemente eso: una forma de categorizar odefinir un estilo de música...

Más Allá De La Muralla Del Sueño

- Con respecto al debut de larga duración de ThouShalt Suffer, ¿qué quisiste expresar con el título "Somnium"?

- En un principio, el nombre iba a ser otro. Pero amedida que pasaron los años, el material cambió y yo también. Re-escribí muchascosas, y al final sentí que el nombre "Somnium", que significa"Sueño", era el que mejor capturaba la esencia del disco. Se meocurrió que todos los temas podían ser un sólo tema, una sola atmósfera. Paramí, el álbum tiene un clima de ensueño. Y no me refiero al sueño nocturno, sino también a los sueños que uno puede llegar a tener cuando está despierto,como las ambiciones, los ideales, las esperanzas, los miedos... todo eso. Tratéde incluir una amplia variedad de atmósferas emocionales. El concepto sería elpoder transportar al oyente hacia todas esas atmósferas. Y mi intención tambiénfue la de tratar de mantener todo lo ajeno a la música lo más lejano posible...Quería que fuera un trabajo abstracto, que dejara las interpretaciones libradasa la imaginación de cada oyente...

- ¿Por eso no le pusiste nombres a los temas deese disco?

- Exacto.

- ¿Tenés algún plan para un segundo álbum?

- Algunas ideas. Lo que me gusta de Thou Shalt Sufferes que me permite explorar todo tipo de sonidos. Es un proyecto en el que no mepongo límites. Puede que el próximo disco no tenga ni punto de comparación conel primero...

“In The Nightside Eclipse” – O De Cómo El Metal Contemporáneo Se Tiñó De Negro

2012-01-03T13:39:00.002-05:00

(A lo largo de las próximas semanas voy a publicar diversos reportajes realizados con las figuras más relevantes (y controvertidas) de la movida del black metal noruego de las dos últimas décadas. La mayoría fueron publicados originalmente en las revistas Epopeya, Grinder y Maelstrom. Otros, si no me equivoco, nunca lograron escaparse de mi disco rígido. Pero en todos los casos los textos van a ser subidos aquí de forma completa y sin editar. A modo de puntapie inicial, una reseña retrospectiva (originalmente publicada en el #1 de Maelstrom) de una de las obras más importantes e influyentes del género...)

El primer larga duración de Emperor se convirtió en un clásico incluso antes de ser editado. La formación original del grupo estaba constituida por Ihsahn en guitarras, Samoth en batería y voz, y Mortiis en bajo. Fue esta alineación la responsable, en 1992, del legendario demo “Wrath Of The Tyrant”, una reliquia de garage en la que pueden apreciarse todas las futuras virtudes del grupo en estado embrionario. Para cuando el trío firma contrato con el sello Candlelight, Samoth pasa a ocupar el puesto de guitarrista rítmico, permitiendo que el recientemente incorporado Faust se encargue de la batería. El siguiente lanzamiento sería un split-Cd junto a Enslaved, re-editado en numerosas ocasiones. Mortiis abandona al grupo ese mismo año para perseguir un concepto de oscuridad instrumental notoriamente más atmosférico, y su reemplazante sería Tchort, hoy líder de Green Carnation. Hacia 1993 el ahora cuarteto gozaba de un éxito considerable dentro de la escena noruega, y el álbum debut resultaba una consecuencia inevitable.

Grabado en 1993 pero puesto a la venta en 1995 (fines de 1994 en Europa), “In The Nightside Eclipse” constituye el punto de partida de aquello que en la actualidad es denominado “black metal”. Anteriormente, Mayhem había conseguido re-definir los límites de lo extremo y Dark Throne inauguró un afluente dentro del death metal para originar el sonido “necro”, pero el presente nos demuestra que el mayor legado fue aquel dejado por el Emperador... Y para ello basta con recordar a Dimmu Borgir.

La principal diferencia entre Emperor y el resto de los exponentes nórdicos de aquel entonces estaba dada por la implementación de teclados. Desde temprana edad, Ihsahn percibió el abanico de posibilidades que esta herramienta podía proporcionarle a su gusto por las melodías majestuosas, y en este primer álbum se encargó de darle protagonismo y combinarla hábilmente con otro de sus amores incondicionales: los compositores clásicos y románticos. “In The Nightside Eclipse” es un epítome de panoramas invernales y fastuosidad cósmica, sinfónicamente disonante, pasional, dramático, e inmenso en sus confines de oscuridad pentatónica. “Into The Infinity Of Thoughts” transmite justamente eso: el infinito. 8 minutos y 11 segundos de infinidad, para ser precisos. Los 23 segundos iniciales no difieren relevantemente del desenfreno propio del black metal, pero, una vez introducidos, los teclados descubren todo un cosmos de emociones hasta ese entonces inéditas en el género. Incluso el denominado “black metal cósmico”, popularizado y desarrollado posteriormente por Limbonic Art, posee sus raíces en esta obra plena en verdaderos climas que, en efecto, parecieran provenir de otras galaxias. La primera estrofa de esta pieza amerita asimismo particular atención: “Mientras la Oscuridad trepa por sobre las montañas nórdicas de Noruega / Y el silencio alcanza los bosques / Me despierto y alzo / En la noche deambulo, como en muchas noches anteriores / Y como en mis sueños / Pero siglos atrás”. Nótese el uso de la tierra paterna como escenario de la acción, los bosques como símbolo de sabiduría ancestral, el viaje onírico como herramienta para alcanzar realidades alternativas, la “Oscuridad” como reina de aquello que pretende ser extremo... todos ingredientes harto-copiados en el presente.

“Cosmic Keys To My Creations And Times” es un ejemplo similar en el que la incorporación de los teclados transforma un riff convencional (00:00 a 00:42) en una experiencia (anti)religiosa (00:42 a 1:39), para luego devenir en clasicismo puro (1:39 a 2:19). “Towards The Pantheon” entrelaza furia y melancolía, velocidad e intensidad. La voz de Ihsahn constituye un instrumento más, y en “I Am The Black Wizards” irrumpe al unísono junto a un riff antológico para provocar una orgía de grandilocuencia blasfema. En “Inno A Satana” ya podían apreciarse los coros épicos y las voces limpias con las que el grupo experimentaría en mayor medida en “Anthems To The Welkin At Dusk” (1997). Ihsahn se encargaría de re-escribir el tema en versión clásica, bajo el título “Opus A Satana”, para el Ep “Reverence” de 1996, pero incluso en su versión original se trataba de una pieza admirable, rica en texturas y melodías de proporciones épicas.

Hacia el otoño noruego de 1993, Faust y Samoth son encarcelados, el primero por asesinato y el segundo por la quema y profanación de iglesias. Son estos incidentes los que demoran la edición del álbum, a esa altura grabado pero no mezclado. Tchort abandona al grupo en la misma época, pero es reemplazado al poco tiempo por Alver. No obstante, Emperor ya había dado el primer paso. Sus logros se veían respetados y sus metas fortalecidas por un estatus de culto que crecía cual bola de nieve mucho antes de la salida de “In The Nightside Eclipse”, acaso el verdadero detonante de todo un nuevo movimiento que poco más tarde estallaría... literalmente.

EMPEROR “Prometheus, The Discipline Of Fire And Demise” (Candlelight, 2001)

2011-12-19T13:28:00.001-05:00

Emperor no es black metal. Emperor fue blackmetal, unos pocos años atrás, e incluso representó uno de los pilaresfundamentales del género durante su actualización contemporánea. El picocreativo del ayer negro se llama “Anthems To The Welkin At Dusk”, y elhoy se presentó grisáceo a partir de “IX Equilibrium”. La diversidad dematices estilísticos que ello implica constituye la razón de ser de “Prometheus,The Discipline Of Fire And Demise”, acaso una versión perfeccionada yexpandida de su predecesor, notoriamente más compleja e intencionalmenteenmarañada. Emperor fue black metal y hoy es simplemente Emperor. Tómaloo déjalo.

“Thorns On My Grave” es black metal, pero al estilo Emperormodelo 2001. “Prometheus, The Discipline Of Fire And Demise” es una obradifícil de principio a fin, y por ende asombrosa en sus múltiples aristas.Todas las etapas previas del grupo están presentes de una u otra forma, desde “InThe Nightside Eclipse” a la fecha, distribuidas y entrelazadas con lapropuesta actual a lo largo de 52 fascinantes minutos. Las influenciasde Morbid Angel y el death metal técnico pueden apreciarse en los parámetrosrítmicos de Trym, e Ihsahn continúa tratando de imitar a King Diamond (o, segúnél mismo, Rob Halford) en diversos pasajes, una vez más de forma inútil. Lahabilidad del cantante/guitarrista/bajista/tecladista -y, en este caso, exclusivocompositor- para construir o destruir una canción resulta sorprendente. En “TheEruption”, un clavicordio artificial y endeble (00:18 a 1:06) le sede el paso auno de los riffs más logrados y asesinos de la historia del grupo (1:24 a 1:33)para aprobar la intransigencia a partir de 2:28 y repetir torpemente la confusiónhasta el último segundo.

De alguna forma, “Prometheus, The Discipline OfFire And Demise” es también Emperor en versión Peccatum; una suerte desecuela violentada de los resultados obtenidos en el multicolor “Amor Fati”(prestar atención, por ejemplo, a los violines sintetizados de “Empty” o elinterludio de “The Tongue Of Fire). La ambición por hacer de la placa un pasoadelante en la batalla contra los límites del metal negro puede apreciarse acada instante, ya sea favorable o perjudicialmente. Pocos experimentos surgidosdel frío nórdico poseen un trabajo deguitarras tan intenso. Y cuando Ihsahn y cía. consiguen traducir sus ideas deforma fructífera al plano musical no hay ciclón ni mafia que pueda detenerlos.“In The Worldless Chamber” evoca panoramas que se extravían en horizontescinematográficos y no tiene desperdicio. La citada “Thorns On My Grave”recuerda viejos tiempos y despide al álbum -y, tras las recientesdeclaraciones, a la banda misma- en un estallido triunfal de violencia sinfónica.Y el resto del material atrapa, seduce, desconcierta y emociona de manerasimilar. Emperor nunca antes fue tan Emperor como en “Prometheus, TheDiscipline Of Fire And Demise”, y al mismo tiempo nunca resultó tandesconocido... tan personal e impredecible. El tiempo decidirá si este esefectivamente un adiós... o un nuevo comienzo.

Sonus faber Aida FL Event

2011-12-17T16:03:00.003-05:00

CRUACHAN “The Middle Kingdom” (Hammerheart, 2000)

2011-12-15T12:51:00.001-05:00

Entre unfestín celta y Cruachan parecieran no existir diferencias. Una gaita sollozantede las “highlands” abre “The Middle Kingdom” en carácterde ceremonia fúnebre, pero el material precedente desconoce el significado dela tristeza. En su lugar, el grupo entrelaza rock ´n roll, heavy metal,atmósferas de diversas intensidades -¡e incluso una pizca de hardcore!- con eluso de instrumentos irlandeses autóctonos (flautas, mandolinas, “huesos” y “tinwhistles”, entre otros), generando una suerte de jocoso hábitat humilde encuanto a la extensión territorial de sus pretensiones, pero no por ello incapazde brindar confort. En efecto, se trata de una propuesta sencilla y distendidaque continúa efectivamente la tradición del un tanto más extremo “Tuatha NaGael”, compartiendo ambos trabajos el mismo grado de precariedad sonora que acaso favorezca deforma indirecta la evidente reivindicación de leyendas y tradiciones pasadas,todas ellas correspondientemente detalladas dentro del booklet. La voz de KarenGilligan nunca se desvía del carril melódico, pero los resabiados berrinchesblackmetaleros del también guitarrista Keith Fay aportan esporádicos baches aun terreno por demás sumamente transitable. Piezas como la bellísima “TheFianna” consiguen incluso convertir el encanto medieval en una realidadsumamente palpable, mientras que “Óró Sé Do Beata Abhaile” alternamagníficamente la euforia descontrolada con el ensueño poético de estos bardosmodernos que, celebrando el ayer, facilitan un hoy más llevadero.

ORPHANAGE “Inside” (Nuclear Blast, 2000)

2011-12-13T12:28:00.003-05:00

Se me ocurre que el influjo del “ñu metal”consiguió llegar a las costas de Orphanage, y probablemente haya sido paraquedarse. Hay algo en los riffs de “Grip”, “Pain” o “Weakness Of Flesh”, porcitar sólo algunos ejemplos, que irremediablemente recuerda a la intensidadcasi viciosa, la monotemática cadencia o la violencia gratuita e inofensiva degente como Korn o Coal Chamber. No caben dudas: “Inside” destila fuerzay energía por dónde se lo mire, pero cualquiera que haya escuchado “Oblivion” (1995) o “By Time Alone” (1996) comprenderá mi frustración al tratar de trazar vínculoalguno entre las tres placas. Por momentos, pareciera que el notable y personalestilo de los holandeses, si bien presente y fácilmente reconocible, se vieraseducido por descargas tan indeseables como agotadoras. El balance casiperfecto entre la agresividad dinámica y la belleza emotiva del pasado aparecehoy travestido en una propuesta acaso interesada más en los ritmos enfermizosque las sutilezas melódicas de antaño. Basta con escuchar los primeros segundosde “Grip” para entender a lo que me refiero. Para colmo, el virus consiguióexpandirse incluso hasta a la faceta literaria del grupo, por lo quelamentablemente debemos soportar frases al estilo “¡voy a patear tu putoculo!” en temas como “Kick”. Asimismo, los rugidos de George Oosthoek,contagiosos como de costumbre, se imponen casi por completo ante loscontrapuntos melódicos de Lex Vogelaar o las encantadoras intervenciones deRosan van der Aa.

Sin embargo, no todoes ruido por el ruido mismo dentro del álbum: “From The Cradle To The Grave”consigue poner los pelos de punta, culminando en una melodía similar a unacanción de cuna que sinceramente permite perdonar los excesos anteriormentedescriptos; y lo mismo podría decirse, en menor medida, de “Behold”... Aunqueuno no pueda evitar preguntarse qué habría sido de la placa de haber seguidoesa misma línea en el resto de sus composiciones...

HECATE ENTHRONED "Kings Of Chaos" (Blackend, 1999)

2011-12-13T12:25:00.000-05:00

Pocas son lasbandas que tienen menos personalidad que los ingleses Hecate Enthroned. Luegode plagiar descaradamente a Cradle Of Filth en sus primeros trabajos ("The Slaughter Of Innocence, A RequiemFor The Mighty" es elejemplo más vergonzoso), pasaron a convertirse en el hazmerreír de muchosentendidos del género a lo largo y ancho del mundo, quiénes por supuestorechazaban de inmediato cualquier registro que el grupo pusiera en las calles...con justa razón. Hoy, tras haber sufrido quintillones de cambios de integrantes(créanme que quedé literalmente mareado al intentar seguir la cronología de lagacetilla de prensa), las cosas siguen estando igual de negras (y lo digo enel sentido despectivo). "Kings OfChaos" es otro más de los innumerables discos de death/black metal quesinceramente no aporta ni una sola melodía que despierte entusiasmo. Lo mismode siempre, muy correctamente ejecutado, pero elevado a lasextuagésimadecimooctava potencia del martirio auditivo, y para colmo sin lamás mínima promesa de mejoría alguna... Suerte que semejante bodrio sólo dura33 minutos...

SAMAEL “Reign Of Light” (Nuclear Blast Records, 2005)

2011-12-12T12:17:00.001-05:00

Definamos “evolución”: “acción de desarrollarse ode transformarse las cosas, pasando gradualmente de un estado a otro”. O “mudanzade conducta, de propósito o de actitud”. En ese sentido, Samael constituyeuna agrupación sumamente evolucionada. Su actitud, su propósito, su raisond’etre difiere hoy considerablemente de aquello que les permitiera innovary sorprender a través de trascendentes obras como “Ceremony Of Opposites”(1994) y “Passage” (1996), tras dar sus primeros pasos dentro de losconfines del black metal y el metal extremo mediante “Worship Him”(1990). La constante a lo largo de la discografía del grupo siempre fue elcambio, aquella delicada herramienta cuyo doble filo resulta aún más cortanteen manos de la mayoría; aunque en el caso de los suizos la sofisticación y lacalidad esgrimidas siempre conseguían engendrar piezas de memorable relevanciasonora que justificaban cualquier tipo de permutación.

Sinembargo, la salida del fallido y controversial “Eternal” (1999)anticipaba un desvío demasiado riesgoso dentro del constante proceso“evolutivo” de los suizos. Y con “Reign Of Light” Samael demuestrafinalmente que, en algunos casos, la “evolución” puede provocar consecuenciasdesastrosas. Terribles. Irrisorias, de hecho. La versión “evolucionada”, y porende transformada, de Samael suena hoy a una variante electro-dance y pseudo-darkmetalerade Rammstein, Crematory y The Kovenant. Vorph utiliza su voz como uninstrumento percusivo, acentuando aún más su pronunciación ya de por síacentuada (y sin nunca poder pronunciar correctamente la palabra “basis”). Los rappeosprobablemente no estén muy lejos en la lista de futuros ingredientes a“evolucionar”. La malevolencia grisácea y, fundamentalmente, adulta tancaracterística del pasado del grupo sólo se percibe al leer entre líneas. Y elproblema justamente es que el público al cual apunta una obra como ésta noposee semejante capacidad perceptiva.

“Reign Of Light” es un álbum queinvoluciona toda una carrera de logros al pretender actualizarla y “ponerla aldía”. El énfasis es colocado en estructuras simplistas, letras ingenuas yridículamente idealistas (en especial la de “On Earth”), y riffs y estribillosbanales, mueve-caderas y extremadamente glutinosos. El target: la pistade baile, las luces de neón, lo anémico y lo efímero. El Samael no-evolucionadoy pre-modernidad puede aún percibirse en los ritmos programados de Xy y lasatmósferas místico-orientales de instancias como “High Above” (con coros de laex-Dreams Of Sanity Sandra Schleret) u “Oriental Dawn”, pero “Moongate”, “InchAllah” o “Telepath”, entre otras (demasiadas otras), nos refriegan todasu “evolucionado” vanguardismo en la cara. Y el impacto duele. “Reign Of Light”:el triunfo del pop-metal europeo con específicas metas puestas en laradiodifusión. El “Reino De La Luz” que arruina la belleza de la oscuridad alenceguecerlo todo con su refulgencia mainstream. Samael: el arte de“evolucionar” imitando fórmulas ajenas previamente exitosas. Y para colmohacerlo mal.

RHAPSODY “Symphony Of Enchanted Lands, part II – The Dark Secret” (SPV Records, 2004)

2011-12-08T13:11:00.001-05:00

ChristopherLee siempre fue uno de mis actores favoritos de todos los tiempos, unaverdadera leyenda viva del cine mundial con más de 200 filmes (de todos lospresupuestos y colores) sobre sus hombros y que hoy, con ya casi 90 años, atraviesa acaso una de sus etapas profesionales más fructíferas, como lodemuestran sus recientes participaciones en “Sleepy Hollow” y las sagas de“The Lord Of The Rings” y “Star Wars”. Que no les quepa ninguna duda, entonces, quecuando escuché a “The Dark Secret (Ira Divina)” y “Unholy Warcry” (laobligatoria intro y el subsiguiente hit de este quinto largaduración de Rhapsody) por primera vez, quedé extasiado. Atónito. Más encantadoque las Tierras Encantadas. Y listo para calificar a “Symphony Of EnchantedLands, part II – The Dark Secret” como la obra más sólida de los italianos.

Rhapsody sencillamente nació para interpretar este tipo de cosas, y sibien Turilli y Staropolli parecieran haberse encerrado voluntariamente en unafórmula (propia, eso sí) de límites bien demarcados, aquí al menos nosdemostraban que la magia todavía era posible si se movían unos pocosingredientes de lugar. Y ese barítono maravilloso, hipnotizante e hidalgoentonado por Lee les cae como anillo élfico en dedo de Hobbit. Pero despuésvendrían el resto de las canciones, y la realidad dejaría bajar el telón sobreesta panorámica sinfonía ambientada en la misma geografía de siempre. Rhapsodyno puede evitar ser Rhapsody, y hacia el quinto o sexto track(interludio folk, balada sentimentaloide, y la estereotipada voz “endemoniada”-¿cuándo van a cambiar el efecto?- mediantes), “Symphony Of Enchanted Lands,part II – The Dark Secret” no deja lugar para las dudas: las únicasnovedades reales son aquí la expansión y calidad de grabación de la orquesta(que, no obstante, y como suele ocurrir en estos casos, no es aprovechada almáximo) y la presencia de Lee [que, lamentablemente, sólo se reduce a unospocos minutos (para aquellos interesados, les recomiendo escuchar al bellísimo “AtDawn In Rivendell” de The Tolkien Ensemble, en el que Lee desempeña un rolmucho más amplio e incluso canta realmente)].

El que crea que este álbumsuena como un verdadero soundtrack debería escuchar más soundtracks.Se destacan, de todas formas, piezas como las extensas “Sacred Power Of RagingWinds” (cuyo interludio goblinesco es un calco del tema principal delfilm “Profondo Rosso” de Dario Argento) y “Shadows Of Death”, con susenardecidas fanfarrias; y en líneas generales la obra consigue delinearse comola más lograda del grupo desde la primera parte de esta saga interminable perocon un final que ya todos podemos adivinar. Porque, y allí radica el principalproblema, entre el “Hollywood metal” y el “film-score metal”, al fin decuentas, no existe gran diferencia.

EDENBRIDGE “Sunrise In Eden” (NEMS, 2000)

2011-12-08T13:09:00.001-05:00

Si Nightwishrepresenta el summun en lo que a la ecuación “power metal + voz femenina =magnificencia orgásmica” respecta, entonces Edenbridge se ubica, por debajo delnivel de la tierra, en el extremo totalmente opuesto. Créanme que pocas vecesvan a poder escuchar una garganta tan anoréxica en su caudal e insulsa en sudestreza como la de Sabine Edelsbacher. Puede que la muchacha se encontrase enuna suerte de estado sonámbulo al momento de la grabación, o acaso laingenuidad típica de los principiantes le haya jugado una mala pasada, pero locierto es que las riendas de los temas se le escurren de entre los dedos nibien abre la boca. Para colmo, las sorpresas no van de la mano con la propuestainstrumental del resto de los miembros del grupo, tan preocupados en su afánpor meter cuanto estribillo angelical se les cruce por las narices, quedescuidan por completo cualquier noción de garra o gancho concebida por lahumanidad y se empantanan en las arenas movedizas del aburrimiento puro. Menosesterilidad archi-ortodoxa y más bronca al pisar el acelerador podrían, sinembargo, mejorar la situación. Aunque por ahora, resulta evidente que entreeste puente y el Edén queda un trecho inmenso por recorrer.

XASTHUR “Telepathic With The Deceased” / “To Violate The Oblivious” (Moribund Records, 2004)

2011-12-02T10:21:00.001-05:00

La deshumanización de la música. La crisis existencial del “yo” disconforme, nihilista e incompatible con lo aceptado, trasladada al plano de la disonancia. Si el black metal ordinario produce una sensación de rabia, irritación, violencia o repugnancia anti-establishment, aquello engendrado por Xasthur constituye entonces una suerte de culto a la introversión y la angustia. El arte de auto-recluirse en la reflexión más negadora (y negativa), de invocar al vacío. Un suplicio etéreo, flotante, inarmónico, que deambula incesantemente entre lo desconsolado. El black metal en todo su refulgente ennui, llevado a los extremos de la extremidad. O acaso podríamos describir a Xasthur como una suerte de versión norteamericana del sonido tortuoso y atroz del primer Burzum, aquel rico en chillidos destroza-tweeters, guitarras lacrimosas, letras ininteligibles, y melodías decrépitas. Todo estructurado en base a un aura aún más funeraria, hermética e individualista. Y como ocurría con Burzum y tantos otros proyectos similares dentro del metal ultra-oscuro, detrás de Xasthur existe tan sólo un único, reservado y “enigmático” (“¡nada de información disponible!”, amenazan los booklets de varias de sus obras) responsable de absolutamente todo: Malefic. Su especialidad: componer, interpretar y grabar (en cuatro canales y con cero presupuesto, claro) los conciertos más miserablemente crudos y claustrofóbicos imaginables. Y en lo que al black metal reciente respecta, cualquiera sea su nacionalidad, pocas obras pueden compararse al manjar de fascinantes inmundicias que Xasthur expele incesantemente.

E “incesante” de hecho es la palabra adecuada. De 2001 en adelante, Xasthur editó un álbum promocional (“A Darkened Winter”), cinco split-CD´s (con Acid Enema, Nachtmystium, Angra Mainyu, Leviathan, y Nortt, respectivamente), un mini-Lp (“Suicide In Dark Serenity”, 2003), un demo (“A Gate Through Bloodstained Mirror”, 2004), y cuatro larga duración: “Nocturnal Poisoning” de 2002, “The Funeral Of Being” de 2003, y, con apenas unos pocos meses de distancia, “Telepathic With The Deceased” y “To Violate The Oblivious”, ambos de 2004. En todos ellos existe una constante, un trance psíquico/espiritual que ofusca los sentidos y los desconecta de la carne, aislándolos de todo, como una suerte de ingrediente adictivo, imposible de describir correctamente, que se instala en el sistema nervioso del oyente y clama por una dosis incluso mayor. Acaso este ingrediente infecte de la misma forma a Malefic y explique su incontrolable productividad. La atmósfera y la melancolía más desnuda desempeñan aquí un rol fundamental, como ocurre en la incomprensiblemente bellísima “Murdered Echoes Of The Wind” de “Telepathic With The Deceased”; pero los blast-beats, los riffs gélidos y el bochinche apocalíptico suelen también irrumpir de forma aleatoria. Para Xasthur/Malefic no existen reglas musicales que permanezcan vírgenes ni parámetros tradicionales a seguir. Todo indicio de armonía es violado y repudiado, los ritmos se deforman hasta tornarse indefinidos, distantes y sumamente monótonos, y cada sesión de extirpación/martirio se convierte en un nuevo álbum, una nueva refregada de hostilidad y pesimismo en la cara de todo aquel que todavía cultive algún indicio de júbilo. El único proyecto unipersonal del género capaz de competir con semejante rendimiento es Nargaroth. Y para cuando lean estas líneas es probable, de hecho, que una nueva placa ya haya visto la luz, escupida desde algún recóndito estudio hogareño en el medio de la nada más azabache...

Lo importante aquí es resaltar el hecho de que dentro del black metal aún queda lugar para la exploración y, por decirlo de alguna forma, la innovación involutiva. Xasthur emplea elementos pre-existentes pero al interiorizarlos y fusionarlos con su aversión anti-todo obtiene un modus operandi propio, un sonido que sencillamente no puede compararse con ninguna otra agrupación del género. En “To Violate The Oblivious” encontramos la re-grabación (una de las prácticas más frecuentes de Malefic) del tema “A Gate Through Bloodstained Mirrors”, compuesto originalmente en 1999, pero el resto del material, si bien comparable al estruendo viscoso y taciturno expuesto en “Telepathic With The Deceased”, evidencia una mayor solidez compositiva, una antipatía y una irritación más enfocadas y ya quizás no tan amorfas. El sonido continúa tan hogareño e indescifrable como de costumbre, pero los gemidos de Malefic adquieren mayor preponderancia en la mezcla, la batería (programada) posee un mayor cuerpo y un refuerzo notable en el departamento de las frecuencias graves, y las guitarras brillan más ennegrecidas y enmarañadas que nunca. La rigurosa “Intro” de alguna forma funciona a modo de literal “adentrarse” en esta particular cosmogonía de horrores íntimos, y de tal modo “Xasthur Within” (algo así como “Xasthur Internalizado”) implosiona extáticamente, convirtiéndose en una de las piezas más extraordinarias y cautivantes de toda la discografía del proyecto, en especial el crescendo hipnótico que se inicia a partir de 1:59. Si “Telepathic With The Deceased” invocaba hedores cadavéricos, “To Violate The Oblivious” conjura “Sueños Más Negros Que La Muerte”, como describe “Dreams Blacker Than Death” o el instrumental onírico “Walker Of Dissonant Worlds”. Pero la peste es la misma, y continúa su propagación, como sucede con todo aquello que Malefic regurgita. Y el contagio es irremediable. Xasthur deconstruye al black metal y lo convierte en una sinfonía anti-sinfónica, interpretada por un misántropo, llena de cacofonías y furia, significando nada...

YYRKOON “Occult Medicine” (The End Records, 2005)

2011-12-02T10:18:00.001-05:00

Pocos sellosdiscográficos, en especial los norteamericanos, poseen un catalogo tanenvidiablemente vanguardista como The End Records. Los nombres de sus artistas hablan por sí solos:Agalloch, Arcturus, Winds, The Gathering, Ulver, Green Carnation, Virgin Black,Age Of Silence, Sculptured, Peccatum, November´s Doom, Star Of Ash... La lista puede intimidar a más de uno. No obstante,con “Occult Medicine”, tercer larga duración de los franceses Yyrkoon(¿nombre tomado de la saga de “Elric Of Melnibone” de Michael Moorcock?) ,irrumpe acaso en escena la inevitable excepción a la regla. Las comparacionesson odiosas pero las bandas de The End Records siempre se caracterizaron,justamente, por lo incomparable de sus propuestas. Y allí reside el problema deYyrkoon: la despersonalización inherente a una propuesta impecablementeejecutada pero excesivamente arraigada en los estereotipos delthrash/death/black metal de corte escandinavo, en especial el Carcass de “Necroticism”(1992) y “Heartwork” (1996). Las soberbias guitarras (verdaderasprotagonistas de la obra) magnetizan de forma constante, los solos soninesperadamente frecuentes, los riffs infecciosos y palpitantes,desarrollándose a medida que la intensidad inaugura su requisitoria subida ylas complicaciones rítmico-melódicas se adhieren a la ecuación, y si bienpiezas como “Trapped Into Life”, “Schyzophrenic Carnage”, “Erase The Past” (conriff a lo Opeth incluido) o la misma “Occult Medicine” consiguen aprovechar almáximo una paleta de texturas sonoras policromáticas, los ingredientesrestantes (en especial los rugidos de Stéphane Souteyrand) nunca consiguenalcanzar similares alturas. “Occult Medicine” demuestra abundantementeque el propósito de Yyrkoon es innovar dentro de un estilo que se caracterizapor lo espesas de sus fronteras, y desde ese punto de vista el grupo merece sertenido en cuenta y sus logros respetados. Pero el esfuerzo resulta victoriososólo en aquellas instancias (un 60%, aproximadamente) en las que lassimilitudes con innumerables otras ofertas pasadas y actuales son erradicadasde manera completa. El resto no es nada nuevo. La gente de The End Recordsprobablemente no se haya equivocado, después de todo, pero “Occult Medicine”no despliega el verdadero potencial de Yyrkoon, sino que sencillamente lopresagia.

KILLING MACHINE “Killing Machine” (Candlelight, 2000)

2011-12-01T11:20:00.001-05:00

...y en la contínua pelea por el gran premio mundial a la mediocridad absoluta tenemos hoy la presencia de cuatro ilustres combatientes. Tras los parches, y ubicado hacia el fondo del ring, démosle la bienvenida al ex W.A.S.P. y ex Impelliteri Stet “Matador” Howland. A mi derecha, y recién salido del anonimato, el guitarrista Peter “¿Quién Te Conoce?” Scheithauer... ¿Cómo?... Ah, ¿si?... Ajem... Producción me informa desde el control central que Scheithauer de hecho colaboró en varios proyectos, aunque el más relevante fue Stream, el cual vuestro humilde relator desconoce... A mi izquierda y con su bajo dispuesto a rendir batalla, sin embargo, se encuentra el gran Mike “W.A.S.P.” Duda. Y en el centro del cuadrilátero, damas y caballeros, los spots iluminan a la figura de la noche: el confundible, el igualable, el vencible... ¡¡¡Mike “Me Voy A Pique” Vescera!!! La retadora de la jornada, omnipresente por encima del cuarteto, continúa siendo la temible y despiadada ¡¡ORIGINALIDAD!! (abucheos varios)...

...y da comienzo la pelea (ruido de campana). La Originalidad parece no darle tregua a la propuesta del debut de Vescera y cía. En efecto, ya antes de subir al ring se rumoreaba que lo de Killing Machine no sería más que otra descafeinada dosis de un insulso heavy/power metal. A juzgar por la terrible paliza que el cuarteto está recibiendo, pareciera que dichos rumores eran ciertos. “¡Los mismos riffs de siempre!” sentencian algunos en la platea. “¡Los temas no consiguen escapar a la fórmula riff-estribillo-riff-estribillo-solo-estribillo-fin”!, gritan los amantes de la complejidad compositiva. “¡Todas las canciones terminan con el mismo efecto de fade-out”, observa el resto. “La carrera de Vescera no logra levantar cabeza, y de un progresivo decline pasó directamente a la caída libre.”, concluyo yo. Si esta “maquina asesina” realmente pretende lograr alguna víctima, debería empezar por aceitar mejor sus engranajes. ¡Cobre el knock-out, referí!

FORGOTTEN TOMB “Love´s Burial Ground” (Adipocere Records, 2005)

2011-11-30T16:05:00.001-05:00

El website de estos italianos nos da labienvenida con una animación sumamente didáctica en la que explican la forma correctade cortarse las venas con una hoja de afeitar. “Somos la lepra sobre lacarne corrupta de la juventud de hoy”, exclaman en la contratapa de “Love´sBurial Ground” (“El Lugar De Entierro Del Amor”), su tercer larga duración.“Oscuridad En Estéreo Desde 1999”, reza por su parte el interior del booklet,del lado opuesto a la tapa original del disco que, por supuesto, fue censuraday sólo puede admirarse una vez adquirido el producto. Y el resto se deducefácilmente: “obras maestras de negatividad y agonía”. Doom metal interpretadoen versión black. O black metal en cámara lenta, babeando misantropía yaborrecimiento en lugar de escupirla toda al mismo tiempo en un único blast-beat.Sea como sea, el sonido es negro. Negrísimo. Y perturbador. La obra se estructuraen base a seis composiciones anti-optimismo de extensa duración, más tresinterludios ambient/industriales (titulados “Malus Vivendi”) a cargo de Mr.Nordvargr (del grupo MZ412), repeliendo luz y esperanzas por igual y combinandola lobreguez de exponentes tan dispares como Darkthrone [el riff principal de“Kill Life” recuerda a la época de “Transylvanian Hunger” (1994)], Thergothon (por momentos, los segundos entrecada golpe de bombo se tornan interminables) o los primeros Katatonia (escuchenla parte final de “Alone”, por ejemplo). Una “tumba olvidada” en la que elgrupo sepulta desgracias y odio. “Me lastimo a mí mismo / buscando unasalida / en mis ojos ves / el horror de estar vivo / la vida es dolor ”,rezan en la citada “Kill Life”, o “Matar La Vida”. El mensaje es claro. Doommetal sin un ápice de poesía. Black metal que va en serio. Tragedias sinteatro. O, mejor dicho, un teatro vacío, sucio y frío en el cual Forgotten Tombproyecta sus miserias en un telón negro, ante ojos ciegos... y para los oídosde nadie.

ARCANA “Le Serpent Rouge” (Projekt / Displeased Records, 2005)

2011-11-29T11:48:00.001-05:00

Del ocaso occidental al misticismo oriental. De logótico y barroco a lo ambiental y desolado. De los teclados y sintetizadores ala percusión étnica y pseudo-ritual. Y apenas un sólo indicio de voces o coros.El giro estilístico emprendido por Arcana no sólo resulta tan dramático comoinesperado, sino que obliga categóricamente a olvidarnos de todo aquello queprecedió a este quinto álbum de larga duración. Adiós catedrales románticamentedecadentes, bienvenidos desiertos del medio oriente. Uno incluso siente laarena entre los dedos de los pies, la vislumbra dibujando extrañas figuras enel nebuloso y espectral horizonte, y la respira en el mismísimo aire. Desde suscomienzos con el monumental y fastuoso “Dark Age Of Reason” (1996),Arcana fue siempre comparada a los incomparables Dead Can Dance, pero elproyecto del sueco Peter Bjärgö nunca antes se aproximó tanto al de Lisa Gerrady Brendan Perry como en este “Le Serpent Rouge”. Al distanciarse porcompleto del Arcana de ayer, Bjärgö consigue hoy realmente sonar como sumáximo ideal musical.

“Le Serpent Rouge” es la respuesta de Arcana a “TheSerpent´s Egg” (1988) de Dead Can Dance. Arena, magia, belleza, éxtasis,añoranza, evocación, contemplación... y la danza de la serpiente. El tranceextra-sensorial es orquestado de manera exclusiva a través de instrumentossumamente atípicos, incluso para Arcana, como el timbal egipcio, el “dudukarmenio”, la “cabasa”, el tamborín o la “dulcinea”. Obras pasadas como “CantarDe Procella” (1997) o “The Last Embrace” (2000) sencillamente noposeen punto de comparación alguno con las vistas ciclópeas conjuradas por estaSerpiente Roja, sensual e hipnótica.

Ida Bengtsson, antigua vocalista del ayerdúo, ya no forma parte del emprendimiento, y en esta oportunidad Bjärgö (voces,samples, arreglos y programación) es acompañado por su esposa Cecilia (coros),Stefan Eriksson (percusión y coros) y Ann-Marie Thim (coros). Los cuatrohilvanan paisajes estoicamente sugestivos, de sutiles crescendos queabren verdaderas puertas de percepción cual tesoros escondidos entre unaaparente monotonía rítmico-melódica que espantará a gran parte de aquellos nofamiliarizados con el estilo; y acaso también a los que esperaban algo similara la primera etapa de Arcana. El nombre sigue siendo el mismo, pero elpropósito es aquí otro. Las voces ocupan un plano netamente secundario,casi sepultadas a la distancia para nunca más ser perturbadas. “Le SerpentRouge” ignora despreocupadamente cualquier tipo de expectativas,constituyendo una obra de texturas inmemoriales y paisajes inexpresables. Losmuertos bailan al compás del ritual de la Serpiente, y Arcana finalmente se nospresenta majestuosamente arcana.

OLD MAN´s CHILD “In Defiance Of Existence” (Century Media, 2003)

2011-11-16T12:30:00.001-05:00

Hay que decirlas cosas como realmente son: Old Man´s Child me aburre. Siempre lo hizo, sindudas lo hace hoy en día, y a este paso siempre lo seguirá haciendo. “InDefiance Of Existence” es el álbum más logrado del proyecto semi-autónomode Thomas Rune “Galder” Andersen desde “ThePagan Prosperity” (1997), y sin embargo los resultados siguen aburriéndome. Ymucho. Sabido es que Old Man´s Child continúa existiendo meramente por razonescontractuales desde que Galder se incorporara a Dimmu Borgir como guitarristade forma definitiva, e “In Defiance Of Existence” es el primero de varios trabajos pendientes que deben ser entregados a Century Media durante lospróximos años. Cuando Galder disponía del tiempo necesario para dedicarse exclusivamentea Old Man´s Child los resultados eran mediocres en el mejor de los casos.Imaginen cómo son las cosas hoy en día. La agenda está llena y las ideasescasean aún más. Cruzen al Dimmu Borgir de “Enthrone Darkness Triumphant” (1997) y “Spiritual Black Dimensions” (1999) con “The Pagan Prosperity” yobtienen “In Defiance Of Existence”. En otras palabras: Dimmu Borgir enversión sonámbula y funcionando con respirador artificial, Nick Barker a modode baterista invitado incluido. Mucho colchón de teclado que se pincha paravolver a inflarse una y otra vez, mucho riff inofensivo con olor a sobras de “PuritanicalEuphoric Misanthropia” (2001), y mucho afano a “The Mourning Palace” distribuido alo largo de 9 agotadoras canciones de puro black metal al estilo “o compongoalgo o me como un juicio”. Uno o dos pasos adelante con respecto a losirremediablemente soporíferos “Ill-Natured Spiritual Invasión” (1998) y “Revelation666 - The Curse Of Damnation” (2000), pero eso no es decir mucho. No es decirnada, de hecho.

VIRGIN STEELE “Hymns To Victory” / “The Book Of Burning” (Noise Records / Sanctuary Music, 2002)

2011-11-02T12:33:00.000-04:00

Suposición:Manowar no existe. Ental caso, Virgin Steele es una gran banda cuyo sonido de aires memorables ynotable porte melódico consigue resaltar por sobre sus competidores con sumafacilidad. El fuerte del grupo nunca fue el doble bombo perpetuo o lasobredosis de alegría descafeinada, sino una propuesta notoriamente más galanaque bebe de las aguas de la literatura y la historia clásica en busca de inspiración,refinada en sus ataques de furia épica, incluso teatral y enfática pormomentos, y siempre distinguida por el buen gusto, maleabilidad y poderío vocalde David DeFeis. Realidad: Manowar sí existe, y Virgin Steele, enla gran mayoría de sus composiciones, suena indefectiblemente a Manowar(pruebas irrefutables: “Rain Of Fire”, “Children Of The Storm”, “Kingdom Of TheFearless (The Destruction Of Troy)”, “The Redeemer”, “Invictus”, etc, etc...). Aclaración:Ambas bandas provienen de Estados Unidos y comenzaron sus respectivas carrerasprácticamente al mismo tiempo. Duda: ¿exceso de influencias o merajugada del destino? Pregunta: ¿podrá Virgin Steele escaparle alguna veza la sombra de Manowar y alcanzar un mayor reconocimiento en base a sus propiasvirtudes? Respuesta: Tarea improbable, francamente.

Para celebrar los veinte años de trayectoria dentrodel género, el grupo decidió editar dos placas que básicamente podrían serdescriptas como de “grandes éxitos”, aunque un tanto particulares. “The BookOf Burning” contiene 16 temas, 8 inéditos y 8 nuevas versiones dematerial previamente disponible. “Hymns To Victory” contiene 13canciones, dos de ellas inéditas y el resto versiones re-mezcladas,re-masterizadas o acústicas de material clásico. Estos compilados evidencian engran parte la considerable variedad estilística que Virgin Steele manejaexitosamente, y si bien un alto porcentaje del material recuerda demasiado alas estructuras tanto musicales como retóricas empleadas usualmente por JoeyDeMaio y Eric Adams, resulta injusto no reconocer que, en efecto, Virgin Steelemerece mayor deferencia.

Todas las nuevas versiones del material previamenteeditado fueron re-grabadas por la formación actual del grupo, y tanto lacalidad sonora como la producción y mezcla, consecuentemente, se beneficiaronde gran forma. La nueva variante de “A Symphony Of Steele” (aquí subtituladacomo “Mezcla De Batalla”) suena incluso más a Manowar que la versiónoriginal, y si a alguien le quedaba alguna duda -por más ínfima que fuese-sobre si DeFeis y cía. alguna vez escucharon “Kings Of Metal” con sumodetenimiento, he aquí la comprobación definitiva. A su vez, el estilo vocal queDeFeis emplea en piezas como “I Am The One” difiere considerablemente del queutilizara en la grabación original, predominando en esta oportunidad los tonosaltos y, por momentos, casi chillones y al estilo de Rob Halford. El resto dela puesta al día depara sorpresas similares, y los temas inéditos ofrecen unabanico estilístico que pareciera abarcar todas las décadas por las que elgrupo atravesó. “Hellfire Woman” y “The Final Days”, por ejemplo, destilan unaatmósfera ochentera, mientras que otras composiciones huelen a resabiosde la época de “Invictus” (1998) o ambos volúmenes de “The House Of Atreus” (1999 / 2000).Todas ellas, no obstante, se dejan disfrutar con creces, salvo por la kissera-y, por ende, vomitiva- “Saturday Night” (¿acaso se trató de una broma interna?Que alguien venga y me explique la gracia, porque todavía me estoy retorciendodel asco...).

Afirmación: Como primer acercamiento a Virgin Steele, no existemejor prefacio que estos compilados heterogéneos y sobrecargados (nuevapregunta: ¿no se cansa DeFeis de editar discos dobles?). Efecto secundario:Más vale ingerir de a dosis controladas, sin importar el grado de fanatismopara con el grupo, o se corre el riesgo de atragantarse con alguna espada. Dilema:Si por momentos incluso me cuesta trabajo tomarme en serio a los mismísimoManowar, ¿puedo tomarme en serio a Virgin Steele? Conclusión idiota:¿Acaso estoy logrando algo con tanto cuestionamiento y tanta observación? Respuestafinal: evidentemente no. Remate: Una vez más, el acero triunfa porsobre la carne.

NILE “Black Seeds Of Vengeance” (Relapse, 2000)

2011-11-01T17:29:00.000-04:00

Así como enEuropa el black metal goza de una envidiable salud, los norteamericanos aúnprefieren al viejo y querido death metal a la hora de revolear sus melenas. Sinembargo, pocos fueron los intentos por continuar desarrollando aquello quepilares como Deicide, Cannibal Corpse o Napalm Death cimentaron a comienzos delos ´90. Entre las sutilezas y complejidades aristocráticas del antiguocontinente y la bestialidad casi gratuita del gran país del norte existe -ynunca mejor dicho- todo un océano por cruzar... Aunque no es el caso de Nile.Oriundos de Greenville, este cuarteto se las ingenió para infligirle nueva vidaal “metal muerto” incorporando a sus descargas una peculiar dosis de melodías étnicasegipcias (interpretadas con instrumentos reales autóctonos), combinadas con unasorprendente y densa atmósfera que por momentos alcanza un misticismo que rozalo cinematográfico. Incluso las letras incorporan plenamente el concepto, porlo que no es extraño toparse con títulos como “Invocation Of The Gate OfAat-Ankh-es-en-Amenti” o “Libations Unto The Shades Who Lurk In The Shadows OfThe Temple Of Anhur”. El resultado es una propuesta que, si bien subordinada alos parámetros convencionales del death metal, cobra vuelo propio en lasinstancias en las que el grupo apela a su poco convencional arsenal deinfluencias orientales. Acaso el factor sorpresa que tan efectivamentefuncionaba en el debut “Amongst The Catacombs Of Nephren-Ka” ya no lohaga demasiado en “BlackSeeds Of Vengeance”, en el que la balanza pareciera preferir inclinarse máshacia las raíces del género en vez de explotar en mayor profundidad lasingularidad que la banda posee. No obstante, a la hora de nuevas ideas dentro deldeath metal contemporáneo, no existe mejor opción.

SKYCLAD “Folkemon” (Nuclear Blast, 2000)

2011-10-31T10:33:00.002-04:00

Cuanto másdescollantes las letras de Martin Walkyier, más falta de sorpresas hay en la música deSkyclad. “Folkemon” te roba la respiración de entrada con la enérgica“The Great Brain Robbery”, pero sólo en contadas instancias produce emocionessimilares a medida que los minutos siguen su curso. Si de comparacionesrecientes hablamos, ubicaría al décimo trabajo de los ingleses un par deescalones por encima de “Vintage Whine” (1999), y otro tanto por debajo de “TheAnswer Machine?” (1997) o “Irrational Anthems” (1996). Mientras que estosúltimos ofrecían más de un ejemplo memorable, “Folkemon” distribuye susvirtudes a lo largo de diferentes momentos aislados. El riff inicial de “ThinkBack And Lie Of England” promete la euforia pero termina conformándose con elentretenimiento. “Crux Of The Message” y “The Disenchanted Forest” contienenpasajes de una belleza casi atmosférica, aunque entrelazados en una estructurade heavy metal por completo ortodoxa. Los estribillos de “The Antibody Politic”y “When God Logs-Off” compiten por el primer puesto en materia de gloriainmediata, perdiendo en el último segundo con la melancolía desbordada de “YouLost My Memory”, acaso la verdadera destacada. De cierta forma, se percibe unagarra adrenalínica que transforma a la placa en una de las más pesadas delgrupo, sacrificando en el camino gran parte de las cuotas emotivas de antaño enfavor de un sonido más directo y certero. Sobra fuerza y bronca para tirar parael techo, al fin y al cabo, en oposición a la idea de un festín folkconfusamente presagiado por el mismísimo título. Y mientras tanto, el verdaderoálbum definitivo de Skyclad sigue haciéndose desear...

FLEURETY “Department Of Apocalyptic Affairs” (Supernal Music, 2000)

2011-10-28T13:38:00.000-04:00

“Department OfApocalyptic Affairs” desafía calificaciones. Resulta increíble que la movida "blackmetalera" nórdicade unos pocos años atrás se haya deformado en esta bizarra yuxtaposición deestructuras y estilos, tan fascinante en sus posibilidades como desconcertantepara los oídos no pervertidos. Y la sorpresa se acentúa considerablemente sirecordamos que “Min Tid Skal Komme”, el anterior álbum de estosnoruegos, se adentraba musical y literariamente en territorios por completodiferentes. Ni lo más reciente de Ulver consigue, por momentos, equiparar elgrado de lunatismo compositivo que Alexander Nordgaren (guitarras) y Svein EgilHatlevik (sintetizadores, batería y voces), únicos miembros originales yestables, implementan sin resquemores. Fragancias electrónicas se aparean conriffs de black metal excitados por coloridas contorsiones industriales,mientras una base de acid-jazz sostiene inusuales melodías de saxofón yatmósferas que se pasean por los dominios del doom, el tecno (y, en el caso de“Exterminators”, ¡las bandas de sonido de los video juegos!), y vaya uno asaber qué otros géneros. Para colmo, siguiendo la sana costumbre noruega,estamos ante una obra en la que participaron, a modo de invitados especiales,prácticamente todas las luminarias de la movida. Tal es así que a lo largo delas canciones nos vamos topando con gente como Hellhammer (Arcturus, Mayhem,The Kovenant), Carl Michael (Ved Buens Ende, Dodheimsgard), Einar Sjurso(Beyond Dawn), Garm (Arcturus, Ulver), Knut M. Valle (Ulver), Maniac(Mayhem), Carl August Tideman (Arcturus,Tritonus), y Vilde (Magenta), entre muchos otros. Incluso la presentacióngráfica del álbum pone de manifiesto el grado de originalidad del dúo, alpresentar un booklet principal cuyas 4 carillas (todas ellas con diferentesilustraciones) pueden oficiar de tapas. Dicho booklet encierra, al mismotiempo, una suerte de contenedor estilo “carpeta” (llamada“reportes”) que a su vez contiene 8 hojas individuales (una por cada letra delas canciones) y dos fotografías tipo “polaroid” en las que se pueden apreciara los miembros de la banda sentados en un inodoro mientras leen una revistapornográfica. “Vanguardistas” o no, lo cierto es que el resultado es sumamenteinteresante, si bien el evidente (y respetable) afán de “sonar distintos” enalgunas instancias lo obliga a uno a rascarse la cabeza, provocando másconfusión que satisfacciones.

DRAWN "A New World?" (Prophecy Productions, 1999)

2011-10-28T13:30:00.003-04:00

Muchos ubicaron a "Strange In Stereo", el tercer larga duración de losnoruegos In The Woods..., algunos escalones por debajo del antológico "Omnio". Personalmente, notuve que sobrellevar tal decepción, y de hecho considero al citado álbum comouno de los mejores trabajos editados en 1999. Pero si tu caso no es el mismo,acá tenés la mejor solución. "A NewWorld?", el debut de los también noruegos Drawn, transpira, a lo largoy ancho de su duración, todos y cada uno de aquellos maravillosos ingredientesque hicieron de "Omnio"una placa para el recuerdo eterno. Si los 15 minutos de "299.796km./s" nunca se te hicieron largos, retorcéte de placer con los 10de "Rivawella Form". Si "I Am Your Flesh" hizo que tucorazón implosione de tristeza, andá preparando el pañuelo antes deexperimentar "Would Have Had". Porque si bien se podría alegar a modode reproche las evidentes similitudes entre ambas agrupaciones y suscorrespondientes temas, hay que reconocer que la vorágine orgásmica queproporciona esta descomunal obra está más allá de cualquier tipo de objeción. Yes más, hasta el mismo Jan Transit (cantante de ITW...) nos deleita con suspasionales entonaciones en carácter de invitado de lujo. El resultado es unescalofrío constante que te recorre el alma como un torbellino que desconoce elsignificado de la piedad a la hora de proporcionar descargas de una bellezaque, creéme, pocas veces vás a tener la suerte de confrontar. Ya veremos a lo largode este año cuál de los dos contrincantes se lleva las palmas, pero por ahora, "A New World?" es el mejorálbum de In The Woods... no grabado por In The Woods...

CHILDREN OF BODOM “Follow The Reaper” (Nuclear Blast, 2000)

2011-10-27T11:10:00.000-04:00

(Primerbostezo) Temo que Children Of Bodom me aburre olímpicamente. (Segundo bostezo)Si quisiera escuchar una combinación de Stratovarius e In Flames, escucharía “Visions”y “The Jester Race” seguidos. (Tercer bostezo) Pero no al mismotiempo. (Cuarto bostezo) Aunque puede que ustedes opinen lo contrario. En esecaso, es muy probable que los fans de Stratovarius huyan despavoridos gracias ala faringitis aguda de Alexi Laiho, y los de In Flames vomiten de asco entretanto duelo de teclados y guitarra. (Primer cabeceo) Resulta increíblementeinjusto que propuestas de estas características atraigan por igual la atencióndel público y la prensa, reciban un apoyo publicitario considerable, y sebeneficien de una calidad sonora sin concesiones. Conozco decenas de bandas realmentemerecedoras de semejante tratamiento. (Segundo Cabeceo y quinto bostezo) Aunquees perfectamente comprensible. Lección número 1 del Manual Para Dueños DeSellos Discográficos: Dale al público lo que el público quiere escuchar. ¿Y quéquiere escuchar el público? Aparentemente, la misma fórmula harto-probada desiempre, con algún que otro ingrediente cambiado de lugar o brindado encantidades alteradas. (Tercer cabeceo) Con “Follow The Reaper”, lareceta termina por empalagar. (Último bostezo antes de sucumbir) ¿Originales?¿Inventivos? ¿Demoledores? Debo estar perdiéndome algo.

EstebanMedaglia (quedándose dormido).

Goblin Vinyl Jewels

2011-10-26T15:52:00.001-04:00

(Este tópico lo inicié varios días atrás en inglés, básicamente por una razón bien sencilla: atraer una mayor cantidad de lectores y "expandir" el alcance del blog. Para aquellos que frecuentan este sitio y no hablan inglés, bien valga una breve presentación del tema:)

Una de las razones por las cuales decidí "volver" al fomato analógico al que los audiofilos nos referimos sencilla y cariñosamente como "vinilo" es debido al amor incondicional que le tengo a las bandas de sonido de películas "de culto". Me refiero, concretamente, a los trabajos de compositores italianos tales como Bruno Nicolai, Riz Ortolani, Stelvio Cipriani, Piero Piccioni, Goblin, Fabio Frizzi, Luis Bacalov, Piero Umiliani y, sobre todo, Ennio Morricone, una verdadera "leyenda viva" dentro del rubro que sigue componiendo maravillas con más de 80 pirulos en su curriculum. Lo suyo, pura y sencillamente, es incomparable.

Recientemente me puse a escarbar en recovecos de los más inusuales, y, arqueología cinéfila de por medio, encontré unas cuantas joyitas de lo más raras dentro del género. Todas en vinilo. Casi todas versiones originales, algunas con ya 40 años (!) o más a cuestas. Unas pocas de estas ediciones incluso estaban todavía selladas, 100% nuevas. Increíble pero real. Pero lo más increíble es que las conseguí por precios irrisorios (la más cara me costó 10 dólares), mientras que en Amazon ninguna baja de los 70 verdes y algunas demandan cifras de 3 dígitos.

A modo de homenaje hacia estos grandes compositores, hoy en muchos casos olvidados, y como para documentar lo divertido del asunto, se me ocurrió iniciar este tópico. La idea es expandirlo a medida que los descubrimientos se incrementen y la colección crezca.

Abajo van a encontrar varias maravillas de Morricone. Sigo ahora con tres clásicos soundtracks de Goblin...

"Dawn Of The Dead", original US release

"Suspiria" Dagored Italian re-release

"Deep Red" Dagored Italian re-release

Back cover of Dagored's "Deep Red" re-release

GREEN CARNATION “Light Of Day, Day Of Darkness” (Prophecy Productions, 2002)

2011-10-26T11:31:00.000-04:00

Pocas veces escuché imágenes tan hermosas. Porque “LightOf Day, Day Of Darkness” no es un álbum ordinario, sino una suerte de filmesonoro que despliega sucesiones de paisajes y sentimientos más vinculados a locinemático que a lo netamente auditivo. Y la intención es clara incluso en elformato elegido para presentar la obra: un único track de sesentaminutos, sin sub-divisiones ni atajos para acceder con mayor facilidad a algúnmomento determinado de la placa. Se trata de un todo indisoluble con suscorrespondientes “principio, nudo y desenlace”, un fluir progresivo y sumamentenatural de melodías que poco a poco adquieren peso y significado dentro de lahistoria, como personajes cuya importancia en el argumento nos es revelada amedida que la trama avanza y los hilos van siendo atados. Y sólo al final, unahora más tarde, somos testigos atónitos de la memorable criatura que acaba decobrar forma ante nuestras narices sin que siquiera nos hayamos percatado de sugestación. Imposible utilizar el botón de fast forward, a no ser que laidea sea no tener idea.

“Light Of Day, Day Of Darkness” (“Luz DelDía, Día De La Oscuridad”) requiere de todo un ritual previo para serdisfrutado correctamente: luces apagadas, sillón cómodo, control remoto fuerade alcance, corazón abierto... y el coraje para ingresar a un territorioinhóspito: aquel ubicado dentro del alma; tan cerca que raramente lovisitamos...

El grupo es responsabilidad del noruego Tchort,ex-bajista de Emperor (luego de la partida de Mortiis) que aquí se desempeñacomo guitarrista y actualmente también divide su agenda entre Blood Red Throney Carpathian Forest. Lo acompañan numerosos músicos invitados e integrantes quepodríamos considerar como fijos, si bien la formación actual difiere de aquellaque grabara el magnífico debut, “Journey Through The End Of The Night”.Los hermanos Christian y Christopher Botteri (de los tristemente disueltos InThe Woods...) ya no son de la partida, y justamente allí reside la mayordiferencia entre este trabajo y su predecesor. “Light Of Day, Day OfDarkness” fue compuesto e ideado pura y exclusivamente por Tchort, y lasreminiscencias a In The Woods..., tan protagónicas en el álbum debut, hoy leceden el paso a un sonido más ambiental y etéreo, casi-psicodélico pormomentos. La cornucopia resultante posee tanto de Pink Floyd y Candlemass comode insólita originalidad, una conjugación única que suena fresca y gratificanteen todo momento. Los también ex-In The Woods... Jan Transit (aquí “Jan KennethT.”) y Synne Soprana vuelven a participar como invitados, el primero cantandolas estrofas iniciales -más un breve pasaje hacia el nudo de la obra- y lasegunda el interludio. La tan publicitada (y explotada) participación previa deVibeke Stene (de Tristania), en cambio, no se repite, aparentemente porproblemas contractuales. Y a diferencia de “Journey Through The EndOf The Night”, en donde Transit alternaba voces con Geir Sollied, estesegundo ofrecimiento cuenta con un cantante llamado Kjetil Nordhus comoprincipal vocalista. Su registro, en ocasiones intencionalmente “sintetizado”,sorprende de forma negativa durante las primeras escuchas, pero poco a pocodescubre su particular encanto hasta convencernos por completo de su aptitudpara el puesto. Un coro de niños, un coro estándar, sitar, Hammond B3,esporádicas voces gritadas a cargo de Roger Rasmussen, cuerdas, y otrosinstrumentos clásicos completan la diversa y exquisita gama sonora de la obra.

Panorámica en su abanico de colores y épica en suexcelsitud, la cohesión que “Light Of Day, Day Of Darkness”produce entre sí y el oyente es admirable. Pink Floyd viene a la mente deinmediato, pero el esplendor comienza a ramificarse por recovecos inenarrablesmientras los balbuceos alegres de un niño (¿el hijo de Tchort?) y lainconfundible pasión de la garganta de Transit se conjugan hasta que la obra propiamente dicha dacomienzo (00:00 a 03:40). Las guitarras de Tchorth y Bjorn H. irrumpen en unestallido de gloria hasta alcanzar el climax (el primero de losnumerosos a lo largo del transcurso de la historia) en un apoteótico frenesí(5:22 a 5:48), acaso el único resabio del black metal como género y de In TheWoods... como banda presente en la placa. La excelente calidad de la producciónpermite diferenciar cada instrumento con suma nitidez a medida que las texturasse entrelazan y la complejidad hace su aparición. Green Carnation excita lossentidos como pocas bandas en la actualidad, los acaricia y rasguña al unísono,desafiándolos y reconfortándolos, como el bellísimo cambio de ritmo y corte deteclados tras la segunda pronunciación del título del álbum (15:25 a 16:20),uno de mis momentos favoritos dentro de sesenta minutos de momentos favoritos.

La ambición es un arma de doble filo, y “Light OfDay, Day Of Darkness” ciertamente es una obra ambiciosa. Pero todo en ellaresulta un éxito. Desde el primer albor del día hasta la caída de las sombras.Aunque aquí tales diferencias no se aplican. Porque, en ambos casos, el fulgores infinito.

GREEN CARNATION “Journey To The End Of The Night” (Prophecy, 2000)

2011-10-25T12:04:00.001-04:00

La tristenoticia de la separación de In The Woods... no podía salirse con la suya. Unainjusticia más en un mundo que se alimenta de las injusticias no hacediferencia alguna, pero acaso los milagros realmente existan. Si obras como “JourneyTo The End Of The Night” consiguen ser engendradas, y sus soñadas melodíasesparcidas entre los mortales, entonces puede que una fuerza superior,inmensamente generosa, nos observe desde un panteón tan improbable como mágico.Aunque ni el mayor de los deseos pudo siquiera atreverse a presagiar ladivinidad de los resultados expuestos en este debut. Green Carnationrepresenta, de alguna forma, la continuación ideal de In The Woods... Tanto loshermanos Chris y Christopher Botteri (guitarras y bajo, respectivamente) ySynne Soprana (voz), todos ellos ex In The Woods..., forman parte de unaalineación que completan el guitarrista Tchort (ex Emperor), Alf Tore Rasmussenen batería, Vibeke Stene (Tristania) en voz, y Leif en violines, mientras queGeir Sollied, Atle Dorum y Linn Solaas también se reparten voces en diferentestemas. Incluso el mismísimo Jan Transit (cantante de In The Woods...) aparece amodo de invitado, eclipsando con su tono etéreo la ya de por sí surrealatmósfera de una placa para la antología. La psicodelia emotivamente delirantede "Omnio" y la densas capas oníricas de "Strange InStereo" se entrelazan en una orgía para los sentidos que comprende unviaje aún más revelador que aquel que el título sugiere. Imposible encontrarlos adjetivos exactos. Se trata de un resplandor dentro de una tormenta cuyavorágine es un calidoscopio de escalofríos y sensaciones impensadas. Los 17minutos de “Under Eternal Stars”, majestad suprema en un reino de cristalinalujuria, inspira panoramas que sólo los aventureros dispuestos a subirse allomo de una melodía sin fin sabrán disfrutar. Y el resto de las piezas, lasexcepcionales, exuberantes y radiantes piezas, invitan a nuestros oídos a hazañassemejantes. Imposible, por lo tanto, resistirse. In The Woods… puede haberseseparado, pero gracias a Green Carnation, su legado continúa más vivo quenunca. Repito: sólo una fuerza angelical puede ser culpada por este milagro.Nuestras súplicas fueron planteadas a los cielos... Y los cielos escucharon.

More Rare Soundtrack Vinyl Finds...

2011-10-24T09:24:00.000-04:00

"Exorcist II: The Heretic" original Warner Bros. US pressing.

"Guns For San Sebastian" original MGM US pressing. This one was still sealed!

"sounds great in STEREO"!

"The Sicilian Clan" original US US pressing.

One of my all-time favorites: "The Big Gundown". Original 1968 US pressing.

My Cult Soundtracks Vinyl Discoveries

2011-10-23T13:13:00.002-04:00

I am an avid soundtrack collector, specially when it comes to obscure, cult and rare Italian 60's and 70's composers such as Bruno Nicolai, Riz Ortolani, Stelvio Cipriani, Piero Piccioni, Goblin, Fabio Frizzi, Luis Bacalov, Piero Umiliani, and many, many others. Ennio Morricone, no longer a "rare" name but a living legend in his own right, is one of my biggest and frequent obsessions. One can simply never have enough Morricone. More "mainstream" composers such as John Williams, John Barry, Basil Poledouris, Danny Elfman and Jerry Goldsmith also figure prominently in my collection.

One of the main reasons why I got back into vinyl was precisely because I thought it'd be fun to hunt-down some of these recordings and find the original pressings. Little did I know that I would soon start finding them for incredibly low prices and in the most unexpected of places. Some of them in mint condition, some irreparably damaged and/or badly scratched, some even still unopened! The pile is now getting bigger, and the load on my Ikea shelf heavier by the week. Yesterday was a particularly rewarding day. I found lots of Morricone original pressings (some of them Italian) at my local Specs, and grabbed all of them without hesitation. I thought it'd be fun to document my "adventures" here, with some visual evidence. Let's start with some Ennio jewels. I'll be adding more images as the collection grows...

"A Fistful Of Dollars", original 1967 RCA pressing.

Both "A Fistful Of Dollars" + "For A Few Dollars More". US RCA 1976 re-release.

"Une Pistola Per Ringo" + "Il Ritorno Di Ringo", original Italian pressing. Year unknown.

"My Name Is Nobody", 1979 Cereberus Records pressing.

"Quemada", 1970 United Artists US release

"La Storia Vera Della Signora Dalle Camelie", Italian pressing. Year unknown.

"Revolver", 2000 Dagored Italian re-release.

Souvenirs De Rocky Mountain Audio Fest 2011, parte 9

2011-10-20T20:41:00.002-04:00

Souvenirs De Rocky Mountain Audio Fest 2011, parte 8

2011-10-19T19:33:00.001-04:00

Souvenirs De Rocky Mountain Audio Fest 2011, parte 7

2011-10-19T11:18:00.002-04:00

Souvenirs De Rocky Mountain Audio Fest 2011, parte 6

2011-10-18T21:43:00.002-04:00

Souvenirs De Rocky Mountain Audio Fest 2011, parte 5

2011-10-18T14:10:00.001-04:00

Souvenirs De Rocky Mountain Audio Fest 2011, parte 4

2011-10-18T12:03:00.002-04:00

Souvenirs De Rocky Mountain Audio Fest 2011, parte 3

2011-10-18T10:44:00.000-04:00

Souvenirs De Rocky Mountain Audio Fest 2011, parte 2

2011-10-17T23:54:00.001-04:00

Souvenirs De Rocky Mountain Audio Fest 2011, parte 1

2011-10-17T23:28:00.001-04:00

DARK THRONE "Ravishing Grimness" (Moonfog, 1999)

2011-10-13T11:53:00.004-04:00

Dark Thronees Dark Throne, y punto. Amálo u odiálo; no hay términos medios. Sin embargo,nunca terminé de comprender el porqué de tanta fascinación y cultoincondicional a una de las bandas que, si bien fue pionera en materia de blackmetal, en mi opinión nunca pudo hacerle frente a su propio status de leyenda.Reconozco que clásicos como "UnderA Funeral Moon" de 1993 (el único álbum de Fenriz y cía. que surte efecto enmi persona) y "Transilvanian Hunger" (1994) poseen su particular y rústico encanto, perosinceramente me resulta imposible disfrutar a pleno de monotemáticos yrepetitivos riffs tales como los que encierra éste "Ravishing Grimness". El octavo trabajo de los noruegos abusa de las melodías minimalistas ylos sonidos sucios que ya prácticamente se convirtieron en su marca registrada,y sólo en algunos pasajes logra hacerte levantar la cabeza (la base rockanrolera de "TheBeast", y por sobre todo el tema que da nombre a la placa, son losejemplos más logrados). El resto es lo mismo de siempre. Y si bien estoyconvencido de que justamente ésa fue la intención de Nocturno Culto y Fenriz,vuelvo a repetir que el efecto ya no es el mismo. Soy de los que piensan que enel black metal todavía hay mucho por decir ("Rebel Extravaganza", de los geniales Satyricon, es la pruebaviva de ello), y eso de "sonar lomás salvaje y desprolijo posible" se convirtió más en un estereotipoque en una demostración de "honestidad" y "elitismo" paracon el género. De todas formas, es necesario aclarar una vez más que "DarkThrone es Dark Throne", y muy probablemente la sola mención de ésaspalabras alcanzarán para que los fans se deleiten sin reparar en mayores"sutilezas".

JAG PANZER “Thane To The Throne” (Century Media, 2000)

2011-10-12T10:30:00.001-04:00

Lasobredosis contemporánea de power metal europeo por momentos consigue inclusoerradicar de nuestras mentes al viejo y querido heavy metal. Entre tanta“gloria eterna” y esparcida por “el legado de los reyes” entre la “tierra delos inmortales”, sin embargo, nunca está de más una vuelta a las raíces de todoel asunto. “Thane To The Throne” representa mi primeracercamiento a los norteamericanos Jag Panzer, y probablemente no será elúltimo. Ningunos novatos dentro del género, estos muchachos oriundos deColorado arremeten con una propuesta decididamente contundente, un tantoortodoxa en ocasiones, aunque bajo ninguna circunstancia un compendio delugares comunes. Mi desconocimiento de obras anteriores me impide realizarcomparación alguna, pero me comentan los que saben que “The FourthJudgement” (1997) y “The Age Of Mastery” (1998, si bien el debut de labanda data de 1984) perseguían intereses similares. La verdadera sorpresa, sindudas, reside en el aspecto literario de la placa, basada íntegramente en latragedia “McBeth”, de la inmortal pluma de Shakespeare. Por tal motivo, variasde las composiciones despiden una atmósfera cuasi-cinematográfica en su afán derecrear el espíritu del texto (notables los primeros segundos de “Thane OfCawdor”, que de tan conmovedores me recordaron a la banda de sonido de“Braveheart”), e incluso nos encontramos con diversos interludiosinstrumentales a lo largo de la extensa lista de temas. Los violines, tecladosy demás sorpresas (reparar en los coros de la estupenda “Three Voices Of Fate”)tampoco le son ajenos al grupo, utilizándolos con inteligencia y buen gustocuando las circunstancias y el accionar de la trama lo requieren (siendo“Tragedy Of McBeth”, la melancólica conclusión, uno de los mejores ejemplos).La voz de Harry “The Tyrant” Conklin posee un gancho francamente irresistible(en la vena de Mat Barlow, de Iced Earth) sobre todo en la citada “Thane OfCawdor” o “Spectres Of The Past”, y lo mismo puede decirse de las melodías delviolero Chris Broderick, quien no le hace asco a los machaques ni a la velozpulcritud típica de los virtuosos. Acaso la extensión total del álbum (casi 65minutos) constituya el principal detalle que termine por jugarle en contra alresultado final, por demás sumamente satisfactorio y de ninguna manera trágico.

HEAVENLY “Dust To Dust” (Noise Records, 2004)

2011-10-11T10:56:00.000-04:00

Criticar el estado actual del power metal resulta tantrillado y aburrido como el género mismo. No obstante, dentro de aquello que noes justificadamente considerado como la elite indiscutida (Blind Guardian,Rhapsody, Helloween, Gamma Ray, etc.) existe una considerable cantidad deagrupaciones (Dream Evil, Thunderstone, Dragonforce, algunos momentos deNocturnal Rites, etc.) que consiguen al menos distinguirse a fuerza de garra ynada más que garra. La originalidad constituye hoy un ingrediente tan inauditoy exiguo dentro del estilo que uno suele conformarse simplemente con un puñadode canciones estructuralmente dinámicas e instrumentalmente sólidas. Pero en “DustTo Dust”, los franceses Heavenly no sólo desenfundan 70 minutos del másredundante e insultantemente plagiado power metal, sino que lo hacen de maneratan inocua y soporífera que ni siquiera consiguen distraer. Este tercer largaduración simplemente confirma lo que “Coming From The Sky” (2000) y “SignOf The Winner” (2001) confirmaban que no hacía falta confirmar: Heavenlycopia... y copia mal. Los requisitos se cumplen al pie de la letra: obraconceptual dividida en tres capítulos (en este caso inspirada en los vampiros ysus múltiples encarnaciones), introducción ominosa, letras ingenuamenteirrisorias (y títulos como “Fight For Deliverance”, “Evil” o “Kingdom Come”),producción a cargo de Sascha Paeth (rubro en el que al menos se percibenmejorías), clavicordio sintetizado, mucho galope y poco recorrido, y uncantante (Benjamin Sotto) que anestesia invariablemente los sentidos.Lamentable. E ideal para alimentar las críticas de los detractores del género(como si requiriesen de más munición...). Aunque Heavenly podría inscribirse entoda una nueva -e inferior- categoría. Porque el de ellos es “metal poderoso”sin poderío alguno.

APOSTASY “Cell 666” (Black Mark, 2004)

2011-10-10T13:12:00.001-04:00

Si Dimmu Borgir hubiese editado un álbum entre “EnthroneDarkness Triumphant” (1997) y “Spiritual Black Dimensions”(1999), probablemente hubiera sonado como “Cell 666”. Esteharto-estereotipado aunque escuchable debut de los suecos Apostasy (noconfundir con la agrupación canadiense de death metal) se une a las ligas deexponentes del nivel de Old Man’s Child y su interminable cruzada por plagiar“The Mourning Palace” y “The Insight And The Catarsis” detodas-y-cada-una-de-las-maneras-humanamente-posibles. Originalidad, porsupuesto, no es algo que podría esperarse de alguien que utiliza el “666” parabautizar su obra. “Crowned In Terror” abre el disco y deja las cosas en claroal primer minuto: Apostasy sólo tiene para ofrecer un cantante padeciendo uninocultable caso de Shagrathitis aguda, blast beats que NickBarker podría ejecutar en sus sueños, pura majestuosidad majestuosamentemajestuosa, y colchones de teclados que no paran de inflarse con aire prestado.La longitud de la placa (poco más de 41 minutos) resulta moderada aunque, bajolas circunstancias, el omnipresente sabor a deja-vú parecieratriplicarse segundo tras segundo. Por momentos, de hecho, el plagio de ideasalcanza proporciones dignas de una demanda judicial. Y los ejecutivos deNuclear Blast quizá ya lo estén considerando.

EMPYRIUM “Weiland” (Prophecy Productions, 2002)

2011-10-05T12:35:00.000-04:00

poesía (Dellat. poēsis, y este del gr. πoίησις) :

1. Manifestación de labelleza o del sentimiento estético por medio de la palabra, en verso o enprosa.

2. Idealidad, lirismo,cualidad que suscita un sentimiento hondo de belleza, manifiesta o no por mediodel lenguaje.

3. Empyrium.

Cuando piensoen poesía trasladada al ámbito musical, pienso en Empyrium. La manifestación dela belleza queda garantizada, su esparcimiento por el sistema nerviosoinmediato, y la detonación catártica inevitable. A lo largo de los años elgrupo sufrió diversos cambios de integrantes, siendo la única constante elmulti-instrumentista, cantante y principal compositor Markus Stock (hoyauto-rebautizado “Schwadorf”), un artista evidentemente sensible y honesto en laexposición musical de su sentir, cual rapsoda que emplea sonidos en lugar depalabras. En más de una oportunidad me encontré a mí mismo llorando trasexperimentar las composiciones contenidas en obras como “A Wintersunset” (1996) o “Songs Of Moors And Misty Fields” (1997); pero no se trató de un llanto dedolor o desesperanza, sino del producto de un profundo sentimiento purgante quereconforta y acompaña, similar al obtenido cuando un prolongado viajeintrospectivo en busca de aquel sortilegio sonoro que uno siempre buscóencontrar llega finalmente a su término de manera exitosa. Empyrium jugueteacon las melodías que uno soñó escuchar durante toda su vida y ni siquiera eraconsciente de ello. Pero una vez cara a cara con el extasío infinito y laemoción desbordada, ya no cabe lugar para las dudas. El romanticismo seráficoimpregnado en cada arreglo, cada nota y cada entonación resulta familiar poruna razón muy sencilla: todo el tiempo estuvo en tu interior, expectante.Empyrium simplemente lo despierta, invitándote a disfrutar de lo que durantetanto tiempo te perdiste... Pero ya no más.

El grupoproviene de Alemania y comenzó practicando una suerte de black/doom metalnotoriamente melódico, pero esta etapa inicial sólo consiguió plasmarse endemos y grabaciones caseras. El álbum debut llegaría unos pocos años más tardey causaría un modesto aunque considerable impacto en la escena de aquelentonces e incluso seríael responsable del nacimiento del sello Prophecy Productions, hoy uno de losmás respetados y admirados dentro del estilo. “AWintersunset” ofrecía piezas extensas de carácter medieval,extraordinariamente celestiales y con esporádicas vocalizaciones gritadas comoúnico resabio de los años primerizos (el resto de las voces poseían cierto aireoperístico), estructuradas fundamentalmente en torno a teclados soñadores yarreglos cuyos crescendos parecían ser eternos. Una cierta ingenuidadcompositiva -exquisita como todo aquello que aún permanece virgen al contactode la experiencia- y el sonido artificial de una batería electrónica afectabande alguna forma al producto final, pero la innegable hermosura y el alto gradode novedad de un trabajo que desconocía comparaciones bastaron para dejar sumarca imborrable y ansiar una continuación. “Songs Of Moors And Misty Fields” ampliaba célebremente las virtudesde su predecesor al no delegar el protagonismo únicamente en los teclados,expandiendo su canvas de posibilidades merced a la incorporación de una mayorcantidad de instrumentos reales (principalmente la utilización clave de unaflauta y cuerdas clásicas) que proporcionaban una atmósfera de mayor calidez. De esa forma, la banda consolidaba su propuesta y obtenía una placa de antologíadentro del espectro de la música ambientalmente oscura y melancólica.

Y en lo que aoscuridad y melancolía acústica respecta, existen dos obras fundamentalesdentro del género: el sublime “Kveldssanger” (1996), de Ulver, y “Where AtNight The Wood Grouse Plays” (1999), de Empyrium (el un tanto más desconocido-pero no obstante excelente- “Kauan”, de los finlandeses Tenhi y editado en 1999, podríatambién ser considerado). Este tercer trabajo marcaría un importante giro en ladiscografía de los alemanes al tratarse de su primera placa íntegramenteejecutada con instrumentos acústicos e inspirada en leyendas y tradicionesfolklóricas, ambos ingredientes previamente presentes, aunque no exclusivos.

“Weiland”continúa una línea similar, pero su planteamiento es notoriamente másclasicista, ambicioso y heterogéneo. Se trata de una obra que abarca tres“capítulos” correspondientemente divididos en tres discos, cada uno de ellospresentados en su propio digi-pack y estos, a su vez, contenidos en unasuerte de funda principal. Este es justamente el único defecto del cuartotrabajo de Empyrium: en definitiva, los digi-packs no soportan en loabsoluto el paso del tiempo, y el verse obligado a cambiar de disco cada veinteminutos es francamente tedioso e irritante. El segundo capítulo (titulado“Waldpoesie”, o “Poesía Del Bosque”) incluso consta de una única pieza de treceminutos, y, combinadas, las tres placas no superan la hora de duración.(Consejo Útil: de contar con una grabadora de CD, compilar los tres capítulosen un mismo compacto y, como bonus, agregar “Where At Night The WoodGrouse Plays” a su término... ¡Ochenta minutos de pura nostalgia otoñal!)

Pero lasquejas comienzan y terminan allí. Uno de los ingredientes fundamentales deEmpyrium siempre fue la atmósfera, y “Weiland” posee la infrecuentevirtud de generar su propio hábitat de múltiples coloraciones e intensidadesemotivas, desde la opresión devastadora hasta el regocijo absoluto. Los trescapítulos pueden ser diferenciados particularmente desde el punto de vistainstrumental (el primeroprioriza las guitarras acústicas y el tercero las cuerdas clásicas y el piano,por ejemplo), aunque todos conforman un fluctuarconstante en el cual participan, asimismo, flautas, voces netamenteoperísticas, batería -por primera vez real-, e incluso un mellotron, todosellos dialogando espontáneamente sobre el arte del sentir y la infinidad de susmatices. Curiosamente, el quinto track del primer capítulo se titula “A Capella” y poseecaracterísticas similares al tema del mismo nombre aparecido en el citado “Kveldssanger”,de Ulver. Las voces al estilo black metal reaparecenbrevemente, pero su utilización en todos los casos es adecuada ycomplementaria, como ocurre en la maravillosa “Die Schwäne Im Schilf”, el primer tema del tercer capítulo,en el que angustia vociferada y coros solemnes son contrapuestos como las doscaras de un mismo sentimiento.

Lomaravilloso de “Weiland”, no obstante, es el nivel de composiciónexpuesto en cada una de sus piezas. Porque no nos confundamos: este no es undisco de melodías acústicas básicas, acordes para principiantes o arpegiospegadizos pero irrelevantes. El clasicismo impregnado en la obra es notable(evidente sobre todo en los arreglos de piano y cuerdas del tercer capítulo) y digno demúsicos de primer nivel en plena madurez o atravesando una etapa maravillosa deinspiración. El hecho de que la placa se haya demorado tanto en ser editadahabla por sí mismo, y ciertamente el tiempo empleado para el perfeccionamientoy ajuste de los detalles rindió sus frutos. “Weiland” no sólo es elálbum más apasionante de Empyrium, sino también el más musical. La citada“Waldpoesie” es el ejemplo perfecto: alegre y jocosa, se desforma poco a poco alo largo de su extensa duración hasta provocar el gemido desbordado de chelos yviolines, para hacia el final vislumbrar nuevamente la esperanza. Ya se sabe:los extremos se atraen y la línea entre el odio y el amor es muy delgada. Talvez Empyrium se trate justamente de eso: El matrimonio entre el éxtasis y laagonía... y todo aquello en el medio que la poesía pueda concebir.

EMPYRIUM "Where At Night The Wood Grouse Plays" (Prophecy, 1999)

2011-10-04T13:13:00.000-04:00

Martirizados amigos: henos aquí reunidos paracelebrar, una vez más, nuestra triste y trágica existencia. Aquellos decorazones fuertes y llanto difícil, por favor abandonad la sala. Este santuariode melancolía y sufrimiento ancestral sólo es apto para unos pocos elegidos.Los anfitriones de esta conmovedora velada serán, como siempre, Markus, Andreasy Nadine, nuestros fieles compañeros germanos. Y para apaciguar las incomprendidaspenurias que pesan sobre las encorvadas espaldas de los aquí presentes, nos hanpreparado un poético y exquisito banquete de pura belleza acústica. La sesióncatártica durará poco más de 32 minutos, y constará exclusivamente deguitarras, flautas y cantos. Es por ello que deberéis despojad todo pensamientoo recuerdo alegre de vuestras mentes, y preparáos a disfrutar de estainigualable experiencia que os brindará aún menos esperanzas. Apagad, entonces,las luces, relajáos en cuerpo y alma, y dad comienzo al reguero de lágrimas...

DREAMS OF SANITY “The Game” (HOS, 2000)

2011-09-29T11:17:00.001-04:00

El pasadodemostró que obras de la literatura clásica supieron cobrar fulgurosa nuevavida en las manos de estos austriacos. Sin embargo, el quinteto arremete hoy,contra todo pronóstico (hubiera jurado que “El Paraíso Perdido” era el próximonombre en la lista), con un concepto de su propia autoría, y los resultados, sibien levemente menos pirotécnicos en su derroche de pompa y circunstancia,vuelven a ser estupendos. Acaso nunca antes la sutileza y la energía supieronser tan bien amalgamadas por el grupo como en este “The Game”, quesorprende, al mismo tiempo, por lo emotivo (“Window To The Sky”) y contundente(“The Creature That You Came To See”) de sus composiciones. El sonido tradicionalde Dreams Of Sanity continúa tan purocomo la más conservadora de las garantías, pero la garganta de Sandra Schleretconsigue desenvolverse más cómoda que nunca, la producción mejoróconsiderablemente, y las ideas están expuestas de forma más concisa, obviandoen la mayoría de los casos la redundancia perceptible en las entregasanteriores para permitirle a las melodías hacer lo suyo sin muchascomplicaciones. Puede que se trate del álbum más accesible que la banda hayaeditado, pero a la vuelta de la esquina están los estupendos teclados deFrederic Heil para recordarnos que la intrínseca complejidad de la músicaclásica es su arma predilecta dentro de un arsenal cuanto menos admirable. A tirar el dado, colocar las fichas en su lugar y jugar eljuego de “The Game”, entonces, que la diversión está asegurada.

NAGLFAR “Sheol” (Century Media, 2003)

2011-09-27T11:28:00.000-04:00

“Sheol”, la palabra, significa “infierno”en hebreo. “Sheol”, el disco de Naglfar, constituye un paraíso de riffs,melodías y atmósferas de black metal. Si Dissection hoy fuese una banda activa, “Sheol” sería su nuevo álbum. Naglfarsuena como la re-encarnación de Dissection, y “Sheol” es la quintaesenciade la apoteosis blackmetalera al estilo sueco. Riffs como estos no se escuchandesde la época del antológico “Storm Of The Light´s Bane” o los díasdorados de las agrupaciones noruegas. El 2002 fue el año de Immortal y sumaravilloso “Sons Of Northern Darkness”, pero el 2003 le perteneceexclusivamente a Naglfar. Ningún indicio podía encontrarse en “Vittra” y“Diabolical”, los dos trabajos anteriores del quinteto, que presagiasesemejante estallido de majestuosidad cacofónica. Naglfar no debe confundirsecon los alemanes Nagelfar. Los primeros acaban de editar “Sheol”, losotros no. Momentos destacados de “Sheol”: todos. Puntos flojos de “Sheol”:ninguno. Veces que escucho “Sheol” por día: perdí la cuenta. Posibilidadde que alguien supere este disco en los próximos años: muy pocas. “Sheol”es un clásico instantáneo del black metal. Naglfar: la banda. “Sheol”:el álbum. Dictamen: un clásico. ¿Alguna duda?

...AND OCEANS "The Symmetry Of I, The Circle Of O" (Season Of Mist, 1999)

2011-09-27T11:25:00.002-04:00

Más finlandeses, más black metal saturado deteclados pseudo-pretensiosos, y más desconocedores de todo tipo de vocablos quecomiencen con las letras "origi" y terminen con"nalidad". Pero si "The Dynamic Gallery Of Thoughts",el debut de 1998, sólo había producido bostezos, a no desesperar: "The Symmetry Of..." al menos se coloca un par de escalones másarriba a nivel entretenimiento y calidad tanto instrumental como compositiva...pero eso es todo. Lástima que mi copia promocional no incluye las letras,porque a juzgar por títulos como "I Wish I Was Pregnant"("Desearía Estar Embarazado") o "Âcid Sex And MarbleTeeth-Youphoria" (muy complicado de traducir en estas pocas líneas), lacosa aparentaría ser bastante interesante.... o bastante ridícula. Disponibletambién en versión digi-pack limitado doble, con un Cd extra presentando "la faceta más dark e industrial delgrupo", que afortunadamente no tuve ocasión de escuchar.

HYPOCRISY “Catch 22” (Nuclear Blast, 2002)

2011-09-26T15:25:00.000-04:00

“Catch 22” está destinado a causar controversia. “Me rehúso aser destruido”, afirma a gritos Peter Tägtgren (cantante, guitarrista ylíder) en “Destroyed”, y uno podría interpretar su desahogo de bronca como unadeterminación a impedir el estancamiento creativo, el auto plagio y larepetición de fórmulas anteriormente exitosas. Pero si abrir los horizontesimplica componer canciones intencionalmente accesibles, pegadizas, y de consumorápido, entonces no cuenten con mi voto. Hypocrisy pareciera ser una bandacompletamente distinta en canciones como “Turn The Page”, “Edge Of Madness” o“Hatred”, todas ellas construidas en base a ritmos y riffs entrecortados, sucios y de neto corte “moderno”. La gargantade Tägtgren atraviesa una considerable cantidad de filtros, distorsiones,cámaras y efectos similares antes de llegar a destino, y una vez allí todo aquello que lo caracterizabaanteriormente es dejado de lado en favor de un mayor impacto sonoro, tan despersonalizadocomo inocuo en estos tiempos de extremidad apta para todo público.Irónicamente, las letras resultan por completo inteligibles como consecuencia,produciendo de esta forma una conexión emotiva más inmediata; pero el preciopagado es demasiado alto. Prefiero escuchar al Hypocrisy oscuramenteatmosférico de “The Fourth Dimension” o “Abducted” y no entenderuna mísera consonante en lugar de descubrir que Tägtgren está enojado con mediomundo, cuando en realidad debería sentirse agradecido por haber generado unafortuna en torno a su grupo y el estudio de grabación que éste le permitióconstruir y más tarde popularizar. El estallido inicial de “Another Dead End(For Another Dead Man)”, la rabiosa “Don´t Judge Me” y “A Public Puppet”retienen, de alguna forma, aquel violento y rústico encanto de antaño, si bienel virus de la accesibilidad consigue también propagarse entre las texturas desus descargas. El filo de las guitarras seduce, los teclados adquieren un rolfundamental en varias instancias, y se torna arduo -más de lo que debiera-resistirse al groove que la obra destila. Pero bastan unos escasossegundos luego de finalizado el álbum para concluir que su única virtud resideen la variedad -no calidad- del material. Contrariamente a las conclusiones demuchos, no obstante, “Catch 22” está a varios pasos de distancia del tandebatido “nü metal”, aunque el tramo podría acortarse considerablemente enfuturas entregas. Sea como sea, el daño está hecho.

Entrevista: DIMMU BORGIR - Al Sur Del Paraíso

2011-09-19T07:33:00.002-04:00

(reportaje originalmente publicado en la revista Grinder, edición argentina, en el marco de la gira de "Puritanical Euphoric Misanthropia" en 2002)

Si la montaña no viene a Mahoma, Mahoma tiene indefectiblemente que ir a la montaña. Circunstancias de la vida que no vienen al caso me llevaron al Gran País Del Norte (me refiero a Estados Unidos, no a Noruega), y la casualidad se encargó de combinar mi estadía con la actual gira norteamericana del grupo. El encuentro se produjo en Fort Lauderdale, a unos 40 km. de Miami. Y ni los 30 grados de calor pudieron hacerle frente

a la misantropía invernal desatada aquella noche...

Olvídense de las estupendas fotos que pueden verse en el booklet de “Puritanical Euphoric Misanthropia”. Los miembros de Dimmu Borgir, sin maquillaje ni marketing parafernálico a cuestas, no se parecen en nada al horror orgiástico que pretenden plasmar en celuloide. Cuando Shagrath me da la mano no sólo me sorprenden su amabilidad y educación, sino que directamente me resulta imposible reconocerlo. Anteojos de sol a modo de bincha, mochila a medio llenar y con cierre abierto estilo alumno de cuarto año, y una cara de púber quinceañero que de tan inofensiva mete miedo. Menos mal que tanto la mochila, los anteojos y el resto de su vestimenta no transgredían el riguroso negro que la ley señala como obligatorio. De lo contrario, cuando el manager de la banda se encargó de presentarme en sociedad no le hubiera creído ni una sola palabra. Salvo por una colorida colección de tatuajes que recorren la totalidad de sus (pálidos y delgados) brazos, el cantante de la agrupación más popular del black metal contemporáneo pasaba totalmente desapercibido entre las cincuenta o sesenta personas que aguardaban tranquilamente en la boletería para comprar sus entradas.

“¿Viniste desde Argentina sólo para vernos?”, me pregunta medio sorprendido y medio acostumbrado a hazañas similares. “Sí, claro”, miento yo utilizando los mismos recursos diplomáticos. “Silenoz, este es Esteban. Vino desde Argentina y quiere hacerte una nota”. Me doy vuelta para estrechar manos con el guitarrista y mi primera impresión vuelve a ser de sorpresa. Silenoz había estado a mi lado todo el tiempo y yo ni enterado. “Eeehhhh... Perdón, no te reconocí sin el maquillaje”.... No hay problema, por su puesto. A juzgar por el resto de los presentes, no fui el único...

- Me sorprendió que para este nuevo álbum no hayan vuelto a trabajar con Peter (Tägtgren) como productor. ¿Cómo se decidieron por Fredrik (Nordström)?

- Decidimos cambiar de productor básicamente porque Peter no podía obtener el sonido exacto que nosotros buscábamos. Y con esto no quiero decir que antes tuvimos un mal sonido o una mala producción, por que ese no fue el caso. Lo que pasa es que para esta oportunidad simplemente queríamos un sonido mucho más directo y certero. Me refiero al tipo de sonido de discos como “Slaughter Of The Soul”, de At The Gates. Algo bien agresivo... Y ese es un disco que produjo Fredrik. Sabíamos que Peter no iba a poder sacar esa clase de sonido, así que decidimos hacer un cambio y buscar a alguien que sí pudiera hacerlo.

- En lo que a sonido y producción respecta, yo pienso que “Enthrone Darkness Triumphant” no permite grandes objeciones. Sin embargo, no creo que pueda decirse lo mismo sobre “Spiritual Black Dimensions”...

- Totalmente. Estoy de acuerdo. El sonido de “Enthrone Darkness Triumphant” es cristalino y poderoso. Podés escuchar y distinguir cada instrumento y cada arreglo. En cambio, el sonido de “Spiritual Black Dimensions” es mucho más caótico... De hecho, ese fue un gran problema. Tuvimos que mezclar el disco unas dos o tres veces hasta lograr un sonido cercano al que estábamos buscando. Y nunca quedamos realmente felices con los resultados...

- ¿Pero quedaste satisfecho con el nuevo álbum?

- Sí. Trabajamos muy duro para superarnos, y hasta ahora la gente también pareciera estar muy conforme.

- ¿Piensan volver a trabajar con una orquesta en el próximo disco?

- Sí. Fue grandioso tocar junto a músicos clásicos. Dimmu Borgir siempre fue una banda sinfónica, así que sólo era cuestión de tiempo el combinar una orquesta con nuestro sonido tradicional. Para la próxima tal vez grabemos las cuerdas en Moscú o Praga. Ahí tienen orquestas más grandes...

- Y más baratas...

- También, pero eso no quita que sean buenas. Tal vez sean mejores, de hecho.

- ¿Cómo reaccionaban los músicos cada vez que Shagrath abría la boca?

- En realidad ellos grabaron todas las cuerdas antes, así que nunca pude ver sus reacciones.

- Una de las canciones que más me sorprendió del nuevo álbum fue “Puritania”, porque incluye elementos un tanto inusuales para el sonido del grupo, como programaciones electrónicas y ese tipo de cosas... ¿La idea era probar algo diferente?

- Bueno, fue como un experimento. Teníamos unos cuantos riffs que nos sobraban y no sabíamos dónde meterlos, así que compusimos ese tema, que es el más corto del álbum, y combinamos sobras. Y teniendo en cuenta que no planeamos nada, el resultado es considerablemente bueno. Tal vez en el próximo álbum tratemos de hacer algo más en esa misma línea, pero siempre manteniendo las raíces de nuestro sonido intactas. Nunca vamos a dejar de ser una banda de black metal.

- ¿A qué le atribuirías el hecho de que gran parte de las bandas noruegas del género están actualmente experimentando con sonidos electrónicos?

- Puede que los músicos escandinavos tengan una mente más abierta. Como músico, no podés seguir usando la misma receta que usabas hace diez años, porque sencillamente se torna aburrida. Mucha gente pareciera no entender este detalle, porque lo consideran desde la perspectiva de un oyente. Y yo entiendo perfectamente su postura, si bien ellos tendrían que hacer el esfuerzo de entendernos a nosotros, los músicos. Si no tratamos de buscar cosas nuevas, sonidos nuevos, nos aburrimos y estancamos. Necesitás un desafío, algo que mantenga tus anhelo y tus expectativas siempre ansiosas...

- Pero al momento de componer, ¿piensan primero en ustedes o en el público al que va dirigida la canción?

- En nosotros. Eso viene primero. Siempre. No nos interesa lo que piense el resto. Mientras nos guste a nosotros, no nos importa nadie más. Si a la gente también le gusta, genial. Es como un bonus para nosotros.

- “Puritanical Euphoric Misanthropia” fue votado como uno de los discos del año en numerosas revistas, y de hecho en Sudamérica recibió críticas excelentes...

- ¡Genial! Nos encantaría poder tocar para más países de Sudamérica. Tocamos en Colombia para 5000 personas y fue fantástico. En Chile tocamos para 1200. La gente se volvía loca. Es mucho mejor para nosotros tocar en vivo cuando la gente se entusiasma de esa forma. Fue genial. Nos gustaría mucho tocar en Brasil o Argentina...

- ¿Y cuál fue tu disco del año?

- El que más estuve escuchando fue “Live Insurrection”, de Halford. Es excelente. Sobre todo el material viejo...

- ¿Escuchaste el debut de Susperia (la nueva banda de Tjoldav, ex-baterista de Dimmu Borgir)? ¿Qué te pareció?

- Es genial. Hicimos una gira europea junto a ellos. Compartimos los mismos gustos musicales y tenemos los mismos gustos generales, así que nos llevamos muy bien.

- Sólo por curiosidad, ¿no sabés si el nombre del grupo lo sacaron de la película “Suspiria”, de Dario Argento?

- Creo que sí. Pero por razones legales tuvieron que cambiar una vocal, porque ya existía una banda que se llama “Suspiria”.

- ¿Sabés qué fue lo que no me gustó del nuevo álbum? El arte de tapa. Es demasiado similar a los anteriores...

- Sí, bueno... Mucha gente nos dice que es demasiado infantil...

- Pareciera que tienen una obsesión con las mujeres desnudas en posiciones de extremo sufrimiento...

- De hecho, la idea original era mucho más extrema. Pero el sello nos dijo que era demasiado sangrienta, y nos pidieron hacer algo más “light”. Nosotros queríamos que el cuerpo tuviera las extremidades y la cabeza cercenadas. Y como no estamos de acuerdo con la censura, les dijimos que le pongan un envoltorio negro encima de la tapa, pero tampoco hubo caso. Al final, si seguíamos con la pelea el disco no hubiese salido nunca a la calle, así que nos resignamos y cambiamos un poco el dibujo original...

- ¿Pero a quién se le ocurren esas ideas tan retorcidas?

- ¿Qué te puedo decir? Nos pareció que se ajustaba bien al título del disco. Queríamos algo desagradable...

- Por otra parte, las fotos internas del booklet son fantásticas...

- Sí. Por primera vez pudimos llevar adelante y desarrollar nuestras propias ideas en lo que a fotografía respecta, sin la intervención del sello. Estoy muy feliz sobre todo con las tomas individuales.

- Mucha gente las comparó con el tipo de fotos que Cradle Of Filth suele utilizar...

- ¿En serio?

- Sí, pero igual yo creo que las de ustedes quedaron mejor...

- Bueno, ¡yo creo lo mismo! (risas)

- Cambiando de tema, te quería preguntar acerca de la partida de Astennu (ex-guitarrista). Leí varias declaraciones tuyas en las que no hablabas muy favorablemente de él...

- Es cierto. Después de un tiempo su personalidad cambió totalmente y generó una atmósfera muy negativa dentro de la banda. Como consecuencia tuvimos un par de meses en los que no hicimos absolutamente nada. Así que para seguir adelante tuvimos básicamente que echarlo. No tuvimos otra opción. A nosotros nos interesa gente que esté dedicada y comprometida en un 100% con la banda, y no alguien que al poco tiempo pierda su entusiasmo o sus ganas. Es triste, pero ¿qué podíamos hacer? La vida tiene que continuar. Creo que ahora él se volvió a Australia...

- ¿Qué me decís de los nuevos miembros? ¿Cómo va todo con Nick y Simen?

- Genial. Ambos son muy dedicados y trabajamos perfectamente juntos.

- ¿Nick se mudó a Noruega?

- No, todavía vive en Inglaterra. Es más barato para él volar a Noruega varias veces por año que quedarse a vivir.

- ¿Pero cómo se las arreglan para ensayar?

- Bueno, por lo general viene y se queda en mi casa por dos semanas. Ensayamos, componemos, y se vuelve a Inglaterra por tres semanas, y así sucesivamente.

Horror de horrores: Silenoz sonríe durante el ensayo. Esteban usa "riñonera".

El black metal pierde misticismo.

- Ahora vayamos un poco al pasado. ¿Qué recuerdos tenés de los primeros días de Dimmu Borgir? Me refiero a cuando tenían unos quince o dieciséis años...

- (se ríe) Bueno... Creo que nos conocimos en un club o algo así... En un principio éramos Shagrath, Tjoldav y yo. Por unos cuantos meses sólo estuvimos nosotros tres, y tocábamos covers de Mayhem y ese tipo de cosas... Con el tiempo creamos nuestro propio sonido y nos dimos cuenta de que necesitábamos algo más que un bajo, una guitarra y una batería. Decidimos probar con un teclado y así fue cómo entró un amigo que nunca antes había estado en una banda de metal. Pero el resultado fue fabuloso, creo yo, y desde entonces consideramos a los teclados tan importantes como las guitarras. Y así empezó a rodar la bola de nieve... Después entraron otros miembros, y creo que en el ´94 fuimos a un estudio bien berreta y grabamos nuestro primer demo. Les enviamos varias copias a algunos sellos europeos y la cosa empezó a funcionar. Era material muy mediocre en comparación, pero aparentemente gustó. Nos ofrecieron editarlo en vinilo, y como éramos tan jóvenes e inexperimentados estábamos calientes con la idea de editar un disco, así que aceptamos inmediatamente. Pero creo que hicimos bien. Si nos hubiésemos negado hoy tal vez no estaríamos acá.

- ¿Es cierto que Fenriz (de Dark Throne) les ofreció un contrato cuando ustedes apenas se formaron?

- Sí, creo que empezó a decir eso hace un tiempo... Lo que pasó fue que él nos conocía y le dimos un cassette con uno de nuestros demos. Lo escuchó y le encantó, porque él es fan del black metal sucio y ”grim”. Nos dijo que quería editarlo...

- De hecho, “Stormblast” tiene el típico sonido “grim” que tanto gustaba unos años atrás. Es uno de mis discos favoritos del grupo...

- Sí, a mi también me gusta... Pero lo de Fenriz quedó en la nada. Tenía la idea y las ganas, pero creo que no los medios como para hacerlo...

- Esta te puede parecer una pregunta ridícula, pero siempre quise saber qué te decía tu familia a los quince años cuando te veían con el maquillaje tradicional del black metal...

- (risas) Bueno, supongo que no entendían muy bien de qué se trataba todo...

- “Mamá, Papá... Estoy tocando en una banda de black metal”...

- ¡Sí! Mi mamá me decía “¿qué estás haciendo? ¿Querés parecerte a esos de Kiss? Al menos tratá de inventar algo nuevo...” (risas) Y yo le decía “no, mamá, vos no entendés...”. En realidad creo que fui bastante afortunado, porque mis padres siempre me apoyaron y ayudaron en todo. No puedo quejarme sobre la forma en la que me criaron, realmente. En esa época ensayábamos en mi sótano y hacíamos un ruido terrible...

- ¿Tenés alguna anécdota graciosa de esos días?

- No realmente... Mi abuelo solía tocar la guitarra acústica y a veces me preguntaba si estaba muy alta. “¿Estoy tocando muy fuerte?”, me decía. “¿A eso le llamás muy fuerte? ¡Escuchá esto!”, le decía yo, y conectaba mi guitarra eléctrica a todo lo que daba....

- La próxima es una pregunta que suelo hacerle a todos los músicos noruegos. Si bien ustedes nunca estuvieron involucrados en lo más mínimo con la “black metal mafia”, ¿qué era para vos esa “organización”? Te lo pregunto porque casi siempre obtengo una respuesta diferente...

- Bueno, no sé si era una organización o qué, pero si puedo contarte que eran como cuatro o cinco personas que se juntaron y tenían personalidades un tanto extremas. No sé cuán serios realmente eran o cuán en serio se tomaban sus propias declaraciones, pero después de un tiempo creo que fue bastante obvio que sí empezaron a tomarse demasiado en serio algunas cosas. Cuando se queman iglesias y se mata a la gente la cosa se pone definitivamente seria... No sé si se trató de un juego que se salió de control, pero en esa época el black metal era mucho más “místico”... Hoy el género está muy expuesto...

- La gente los culpa a ustedes por eso...

- Sí, pero en realidad no fuimos nosotros los que dimos a conocer el black metal, sino los aspectos extra-musicales. También hay gente que dice que nosotros comercializamos al black metal, y otros que directamente afirman que no somos black metal... Sea como sea, antes las cosas eran diferentes. De eso no hay duda. Salías a la calle maquillado y con pinches en tu ropa y todo el mundo te miraba y se preguntaba qué mierda era eso... Hoy no le llamaría la atención a nadie... Pero supongo que así son las cosas. Todo cambia.

- Puede parecer extraño, pero, de alguna forma, era más interesante escuchar black metal unos años atrás. Te sentías parte de una elite...

- ¡Sí! Es cierto. El elemento místico se perdió. Hoy el género se maneja a un nivel más profesional y los músicos se toman las cosas más en serio.

- Y es curioso, porque nadie puede negar que las bandas de hoy suenan mejor y que los temas están mejor compuestos... pero, y no sé por qué, yo sigo prefiriendo al black metal de antes...

- Sí, totalmente. De hecho, yo tampoco escucho mucho black metal contemporáneo. Prefiero clásicos como Mayhem, Immortal o Emperor... De lo nuevo, creo que el único disco que vale la pena es el de Thorns...

- No lo escuché...

- Deberías, créeme. Ese disco va a marcar un nuevo estándar. Es el primero del grupo, pero ya estaban en todo esto desde hace como diez años. En realidad, la banda está integrada únicamente por Snorre W. Ruch...

- Leí mucho sobre él. ¿Realmente tuvo una influencia tan grande durante los orígenes del género, como todo el mundo afirma hoy?

- Sí, porque el demo que grabó (N. Del R.: Silenoz se refiere a “Grymyk”, editado en 1991) causó un gran impacto en mucha gente dentro de la escena...

- Te lo pregunto porque cinco años atrás nadie siquiera mencionaba al grupo, y hoy de repente todo el mundo anda diciendo “fueron los pioneros, los verdaderos precursores”... ¿Fue tan así?

- Es cierto que nunca fueron muy conocidos, pero el grupo realmente dejó su marca. Y lo que hacen hoy es muy interesante.

- Uno de los discos recientes que más me gustó fue “Rebel Extravaganza”, de Satyricon...

- A mí no tanto. El mejor es el primero. Es el más atmosférico y oscuro. Recuerdo que le dije a Frost (baterista de Satyricon) que el mejor era el primero, y él me contestó que no porque el nuevo era más esto y más lo otro y bla, bla, bla... Aunque supongo que a nosotros nos pasa lo mismo. Mucha gente viene y nos dice que para ellos el mejor álbum de Dimmu Borgir es el primero...

- Antes mencionaste a Mayhem, Immortal y Emperor. ¿Qué te parecieron sus últimos discos?

- Pienso que son geniales. Sobre todo el de Immortal... Y el de Mayhem también. Muchos se desilusionaron porque estaban esperando el Mayhem del ´92, pero ya nunca más van a poder escuchar eso... Pero el nuevo álbum es magnífico. Están llevando al género un paso más allá. Es lo que te comentaba antes. La gente nos culpa por comercializar al black metal, pero nosotros simplemente aprovechamos la oportunidad de transformar al estilo en algo mucho más grande en lugar de conformarnos con lo que ya teníamos. De lo contrario, hoy seguiríamos tocando en un sótano...

Dimmu Borgir modelo 2001 a pleno, antes del ensayo. El tercero desde la derecha es el colado de turno.

GALDER – Todo Queda Entre Amigos

Galder siempre fue considerado uno de los guitarristas y compositores más destacados de la escena noruega. Old Man´s Child, su anterior banda que recientemente devino en una suerte de proyecto unipersonal, pasó del estatus de culto al éxito moderado. De ahora en adelante, sin embargo, la situación se torna indudablemente diferente...

- Después de tantos años tras Old Man´s Child, ¿cómo te sentís formando parte de Dimmu Borgir?

- Es genial, porque siempre fuimos muy amigos. Con Shagrath fuimos juntos a la escuela. Y el estilo es el mismo. No hay grandes diferencias entre ambas bandas.

- Pero todavía tenés un contrato por tres discos más con Century Media. ¿No te sentís como con una gran carga sobre tus espaldas debido a eso?

- Sí, es realmente bastante molesto, porque tenés que cumplir con un plazo sí o sí. Pero Old Man´s Child fue mi vida durante tantos años que no voy a tirar todo por la ventana así nomás... Es cool estar en dos bandas grandes al mismo tiempo. Voy a estar muy ocupado durante los próximos años, de eso no caben dudas...

- ¿Cómo ves hoy a “Revelation 666”?

- Hasta ahora es el álbum más vendido de Old Man´s Child. Me gusta. No digo que sea el mejor, pero tiene un buen sonido y ningún error en la grabación.

- ¿Cómo se compara Old Man´s Child con Dimmu Borgir a nivel ventas? ¿La diferencia es realmente tan grande?

- Sí, Dimmu Borgir vende mucho más. “Revelation 666” vendió entre 35.000 y 40.000 copias, pero Dimmu vende más de 100.000... Es otra cosa.

- ¿Vivís de Dimmu Borgir o necesitás tener dos bandas?

- Vivo de las dos... Me gusta vivir de la música y poder estar junto a mis amigos. No quiero pasarme el resto de mi vida trabajando como plomero... (risas)

- ¿Cómo recordás los primeros días de Old Man´s Child?

- ¡Uf! Ya ni me acuerdo...

- Musicalmente las cosas eran muy diferentes...

- Sí. No pensábamos en el éxito como hoy. Si vendíamos 5.000 copias éramos felices... Hoy nos tomamos las cosas más en serio. Antes ensayábamos y tomábamos cerveza. Hoy es más como un trabajo... pero igualmente nos divertimos.

VORTEX – El Coloso Que Vino Del Frío

Contrariamente al resto de los miembros de Dimmu Borgir, a Simen “Vortex” Hestnaes le resulta imposible no llamar la atención. Sus dos metros de puro salvajismo y desprolijidad escandinavas contrastan, sin embargo, con una personalidad relajada y cordial. “Sacáme las fotos de la cintura para arriba”, me suplica. “Estas bermudas roñosas no son muy black metal que digamos...”. Entre la jungla de pelos y barba que cubren sus expresiones -más los inevitables anteojos de sol- apenas puedo verlo gesticular mientras hablamos cómodamente sentados en un sillón instalado al costado del escenario. Su poderosa voz, no obstante, retumbaba por todo el recinto, e incluso era perfectamente audible mientras el resto de los músicos se ensordecían mutuamente probando sonido...

Simen Hestnaes, o "ICS Vortex", y la Grinder.

- Honestamente hablando, ¿te fuiste de Borknagar porque podías hacer más plata en Dimmu Borgir, o tu partida se debió en realidad a diferencias musicales?

- Ninguna de las dos, realmente. Lo que pasó con Borknagar fue que durante las últimas giras se me hacía muy complicado dedicarme a ambas bandas. Tenía shows con las dos, y a veces las fechas se mezclaban. Cuando llegó el momento de grabar “Puritanical Euphoric Misanthropia”, Oystein (Brun, líder de Borknagar) me dio un ultimátum. “O te quedás con nosotros o te vas con ellos”, me dijo. Y como a mí no me gusta que me apuren, decidí irme...

- ¿Las cosas entre vos y Oystein quedaron mal?

- No, todavía nos vemos. Pero no hubo otra opción. Fue lo mejor para ambos, porque ahora él puede tener de una buena vez una alineación estable, que es algo que siempre buscó.

- ¿Qué pensás de Vintersorg, tu reemplazante?

- Creo que la elección no pudo haber sido mejor. Me gusta mucho su voz, y además es la persona indicada por sus ideas y formas de ver las cosas. Él está metido en las mismas cosas que Oystein, así que todo va a funcionar bien. Y “Cosmic Genesis” me gustó mucho.

- ¿Y qué me decís de tu predecesor, Garm?

- Me gusta mucho también. Sobre todo lo que está haciendo en Ulver actualmente. Es un gran compositor.

- De todas las bandas en las que estuviste, ¿en cuál te sentiste más cómodo?

- En todas. La música puede ser diferente, pero es similar al mismo tiempo. Me gustó estar en todas. Si no me hubiera sentido cómodo no hubiera formado parte de ninguna.

- Actualmente sos considerado uno de los mejores cantantes dentro del género...

- Es cool. Es bueno recibir críticas positivas, por supuesto. Espero seguir recibiéndolas en el futuro.

- ¿Cuáles son tus cantantes favoritos, sin importar el género?

- Hhhmmm... Siempre me gustaron mucho Ozzy y Blackie Lawless. También me gustan cosas como lo primero de Iron Maiden con Paul Di´Anno...

- ¿Alguna vez pensaste en grabar un álbum solista?

- De hecho, estoy trabajando en eso en estos días. Tengo un montón de material compuesto, y estoy tratando de darle forma. Yo voy a tocar la mayoría de los instrumentos, pero Hellhammer (Arcturus, The Kovenant) me va a ayudar con la batería. Todavía no tengo nombre para el grupo, ni fecha de edición. Es sólo una idea...

- Hablé con Vintersorg hace unos meses y me comentó que tal vez podrían grabar algo juntos. ¿Pudieron desarrollar esa idea?

- Sí, lo conocí el año pasado y me dijo que me mandaría algunas letras de su próximo álbum para ver si estaba interesado en cantar como invitado en un par de temas. Yo tenía ganas de hacerlo, pero justo después de eso tuve problemas con mi PC y perdí todas las direcciones de e-mail, así que no pude contactarlo... No lo sé... Tal vez la próxima vez.

- ¿Cuál fue la primera banda en la que tocaste? Yo te escuché por primera vez en Ved Buens Ende...

- Eso fue sólo una participación como invitado. Mi primera banda se llamaba Lamented Souls. De hecho, todavía seguimos pero casi no ensayamos. Tenemos mucho material grabado, pero no conseguimos ningún contrato para editarlo. Con Ved Buens Ende toqué en un par de conciertos y eso fue todo. No ensayamos ni compusimos nada nuevo. Después vino Arcturus, y por último Borknagar... Creo que antes de Arcturus también tuve una banda llamada The Void, bastante extraña y que tampoco llegó a nada...

- ¿Por qué no participaste en el nuevo álbum de Arcturus?

- Bueno, supongo que Garm prefirió arreglarse solo y no compartir los temas con otro cantante...

NICK BARKER – De La Cuna A Los Bosques Escarchados

El ex-baterista de los ingleses Cradle Of Filth se unió originalmente a Dimmu Borgir como un miembro de sesión para llenar el lugar vacante dejado por Tjoldav durante las interminables giras. Las cosas funcionaron mejor de lo previsto, aparentemente...

- ¿Cuál es tu versión de los hechos con respecto a tu salida de Cradle Of Filth?

- Simplemente no estaba feliz. Estaba disconforme y muy en desacuerdo con el management y con muchas de las decisiones que se tomaban... y decidí ponerle punto final al asunto.

- ¿Pudiste escuchar “Midian”?

- Sí... Lo único que te puedo decir es que se nota que Stuart (ex-guitarrista), Lector (ex-tecladista) y yo ya no estamos más en la banda...

- ¿Qué te parece Adrian (Erlandsson, nuevo baterista)?

- Que es bueno para At The Gates y The Haunted... pero no para Cradle Of Filth.

- ¿Cambian las cosas ahora que formás parte de Dimmu Borgir?

- Sí, claro. Ahora me siento mucho mejor.

- ¿No te cansa el viajar a Noruega a cada rato?

- No. Ensayamos cada tres semanas, más o menos. Y la paso muy bien. Dimmu Borgir es una banda mucho más divertida que Cradle Of Filth...

con Nick Barker, post-Cradle Of Filth y pre-dieta (en ambos casos).

Dimmu Borgir (en vivo, 19/02/02, The Culture Room, Ft. Lauderdale, USA)

DENTRO DEL PANDEMONIO

Por más de que me esforzaba, no podía imaginarme al sexteto noruego arriba de las tablas. Tuve la suerte de presenciar dos shows de Dimmu Borgir en menos de un año, y para alguien que pasó gran parte de la última década maravillándose con las obras de las agrupaciones nórdicas, confrontar finalmente a una de ellas resultó ser una verdadera experiencia (anti)religiosa. Imaginen un bar tradicional de dimensiones modestas, con barra circular en el centro y rincón “Vip”, súbitamente transformado en territorio no-santo. Los presentes apenas superaban las tres centenas, pero una vez apagadas las luces se encargaron de multiplicar la cifra al entregarse por completo en un festín de contacto y abuso físico. Los músicos extranjeros que afirman que los sudamericanos somos el público más fervoroso mienten descaradamente.

Por sí solo, Simen Hestnaes parecía ocupar la totalidad del reducido escenario blandiendo su descomunal humanidad mientras golpeaba literalmente las cuatro cuerdas (cinco, en su caso) y se acercaba al micrófono para revelar un caudal vocal que ciertamente nada tiene de humano. La gloria emanaba de su boca sin una pizca de esfuerzo... Frente a frente y a cara lavada, Shagrath no puede disimular la felicidad de los últimos años de su adolescencia, pero con pintura de guerra y uniforme cuasi sadomasoquista (pollera de cuero incluida) a cuestas, el vikingo en su interior hizo acto de presencia. Sus gritos sonaban increíblemente reales, como si las cuerdas vocales estuviesen a punto de estallar de un segundo a otro, y sin embargo encontrasen la fuerza para finalmente evitar la afonía. Como guitarristas, Galder y Silenoz reparten talentos según sus preferencias: el primero favorece la técnica y las intrincancias, el segundo el machaque puro y sin complicaciones (una comparación adecuada sería la dupla Samoth e Ihsahn -de Emperor-, respectivamente). Nick Barker debería ganar un premio al baterista más aburrido del género. Sus dotes a la hora de repiquetear parches prácticamente desconocen rivales, pero visualmente es una maza inmóvil de tatuajes y grasa, inmutable tras su arsenal de tambores a los que bastaba sospechosamente con acariciarlos para que desatasen el mismísimo infierno. Y Mustis merece un párrafo aparte. De perfil bajo con o sin maquillaje, demostró un total dominio de las atmósferas y las melodías agazapado entre penumbras que parecían emanar de sus propias teclas. “Puritanical Euphoric Misanthropia” no sería lo mismo sin su participación.

A la hora de la intro (“Fear And Wonder”) y las secciones grabadas originalmente por la orquesta de cuerdas (los primeros compases de “Hybrid Stigmata”, por ejemplo) recurrió lógicamente a la ayuda de un DAT, pero el apogeo de majestuosidad morbosa de “Kings Of The Carnival Creation” fue pura y exclusivamente su responsabilidad. Salvo por recurrentes inconvenientes técnicos de diversas índoles, la banda demostró un nivel de profesionalidad escénica e instrumental que en nada se compara a la euforia de los días de garage de épocas pasadas. Desafortunadamente, la primera de las dos fechas no incluyó ningún tema del álbum “Stormblast”, y si bien los trabajos posteriores poseen material suficientemente apto como para hacer llevadera la falta de clásicos, no pude evitar sentir una cierta desilusión. La segunda fecha fue diferente. La lista de temas comprendió básicamente los mismos títulos, con leves modificaciones en su orden, pero hacia el final de la noche el grupo sorprendió con la inclusión de dos bellísimas reliquias: “Alt Lys Er Svunnet Hen” (experimentar en carne propia aquella etérea intro de teclados que abre “Stormblast” no es algo que vaya a olvidar fácilmente), y “Raabjorn Speiler Draugheimens Skodde” (del Ep “Godless Savage Garden”). Según palabras del propio Shagrath, ninguna había sido interpretada antes en vivo.

En total fueron unos 65 minutos de salvajismo, contundencia y melenas revoloteando ininterrumpidamente. Una duración que puede parecer escasa y no obstante en ambos casos alcanzó para satisfacer curiosidad y expectativas al unísono. De disponer de recintos considerablemente mayores, Dimmu Borgir tiene los suficientes recursos estéticos e instrumentales como para jugar en las ligas mayores del género, cualquiera sean sus múltiples ramificaciones. Black metal era el de antes, cierto, pero incluso la oscuridad apta para todo público posee elementos de interés en sus sombras.

PLAYLIST DIMMU BORGIR, 19/01/02

“Intro” / “In Death´s Embrace” / “United In Unhallowed Grace” / “Reptile” / “Kings Of Carnival Creation” / “Fear And Wonder” / “Blessings Upon The Throne Of Tyranny” / “IndoctriNation” / “Prudence´s Fall” / “Sympozium” / “The Insight And The Catharsis” / “The Maelstrom Mephisto” / “Alt Lys Er Svunnet Hen” / “Raabjorn Speiler Draugheimens Skodde” / “Mourning Palace”.

TIDFALL “Circular Supremacy” (Nocturnal Art Productions, 2000)

2011-09-16T10:59:00.000-04:00

Dentro del “black metal cósmico”, la de Tidfall resulta una delas ofertas más interesantes. Por supuesto, el nombre de Limbonic Art no tardaen hacer su irrupción, pero la particularidad de este quinteto noruego es laefectiva mixtura que obtienen entre las descargas sumamente extremas y la yahabitual majestuosidad y grandilocuencia "intergalácticas" del género. Si bienlas ideas no representan novedad alguna, “Circular Supremacy” te hacecreer lo contrario. La producción es de primer nivel, logrando un sonidoincreíblemente robusto y dinámico que por momentos supera incluso a las obrasmás recientes de Dimmu Borgir, banda con la cual, dicho sea de paso, compartentambién más de una similitud. Tal es el grado de despilfarre sinfónico de lasmelodías, que piezas como “In The Eyes Of Death”, “Allured By Grief” o“Reflections” surten su magia desde el primer acercamiento. Acaso se trate másde una agrupación de black metal en el sentido tradicional del término,camuflada bajo toneladas de teclados y la mencionada excelencia técnica de lagrabación, pero lo cierto es que pocos lanzamientos recientes consiguenimpactar de forma tan positiva.

SIRIUS “Spectral Transition – Dimension Sirius” (Nocturnal Art Productions, 2001)

2011-09-15T13:28:00.001-04:00

Nocturnal Art Productions es al metal extremo lo que H. P. Lovecraft fue a la literatura universal. Adentrarse en la “dimensión de Sirius” prácticamente equivale a tomar un curso de cartografía estelar y trasladarlo a un pentagrama hasta producir una suerte de metamorfosis cósmico/musical. El sello propiedad de Samoth (guitarrista de Emperor) de alguna forma resultó la cuna de agrupaciones con propuestas similares (Tidfall, Odium, y, fundamentalmente, Limbonic Art), que, coincidencia o no, desarrollaron un estilo en el que el black metal ultra-técnico es combinado con intrincadas capas sinfónicas que le otorgan al resultado final un sabor marcadamente onírico. La atmósfera no es generada aquí por la rusticidad de guitarras y baterías indescifrables en su orgiástico frenesí y producción intencionalmente pésima, sino por una intensa labor de teclados que parecieran dibujar constantemente paisajes imaginarios de indescifrable belleza, y un sonido tan cristalino como contundente. Los tracks se suceden y uno se va topando con “campos magnéticos desolados”, “líneas de tiempo paradójicas”, “quantums dimensionales”, y demás experiencias astrales cuyo realismo se torna, por momentos, sorprendentemente tangible. Este segundo ofrecimiento de Sirius, no obstante, permite descubrir, como el título mismo indica, toda una nueva dimensión dentro del “black metal cósmico”. La ya habitual majestuosidad surrealista fue notoriamente violentada, el vértigo llevado al límite, y la oscuridad incluso más ennegrecida. Consecuencia: una aproximación menos grandilocuente y más brutal a la fórmula de antaño. Sirius suena hoy más a Zyklon (curiosamente, la otra agrupación de Samoth) que a Limbonic Art; y si bien se percibe una evolución que abarca todos los rubros, la falta de personalidad vuelve a jugarles en contra. Es más, varios miembros de Zyklon aparecen a modo de invitados especiales, tornado las similitudes obvias y la despersonalización aún más peligrosa. De hecho, una de las instancias más logradas del álbum es el fantástico cover de “The Majesty Of The Nightsky” (de Emperor, verdaderos pioneros en materia de horrores galácticos), aunque todas las piezas poseen su cuota de interés al escrutinarse adecuadamente las múltiples aristas de furia, velocidad, y más furia. Igualmente, tanta brutalidad es justificable. Después de todo, para que salgan las estrellas primero tiene que caer la noche.

SIRIUS “Aeons Of Magick” (Nocturnal Art Productions, 2000)

2011-09-15T13:18:00.000-04:00

Desde la irrupción de Limbonic Art dentrodel ámbito del black metal podría afirmarse el nacimiento y posteriorproliferación de todo un nuevo sub-estilo al que, en lo personal, denomino como“black metal cósmico”. Sirius es una de las nuevas ofertas dentro de uncatálogo cada día más amplio en el que también se destaca Tidfall, y lo curiosodel asunto es que las tres bandas mencionadas pertenecen al sello Nocturnal ArtProductions (propiedad de Samoth, guitarrista de Emperor), por lo que tampocosería erróneo hablar de “el sonido de Nocturnal Art”. Como sea, los conocedoresya saben a que atenerse: extensas composiciones repletas de tecladosmajestuosos al estilo Emperor (acaso los verdaderos precursores en materia deoscuridad cósmica, especialmente durante la época de “In The NightsideEclipse”) e influenciados por la música clásica, letras basadas en lasprofundidades espaciales, constelaciones estelares y demás fenómenosgalácticos, y una extraña y omnipresente sensación que francamente lo hacesentir a uno parte de un universo totalmente alienígena. Incluso las tapas detodos los discos poseen una estrecha relación (la de Tidfall, en especial,recuerda inmediatamente a la de “Passage” de Samael, otro álbum que, sibien no vinculado con el black metal, trataba cuestiones similares). Elproblema entre tanto clima onírico y tantas letras pseudo-filosóficas es que,como era de esperarse, todas las propuestas terminan por sonar iguales. Y sibien “Aeons Of Magick” posee su personal encanto, siempre resultaaconsejable remitirse al brillo de la fuente original sin preocuparse por labaja resolución de las fotocopias.

CATACOMBS “In The Depths Of R’Lyeh” (Moribund Records, 2006)

2011-09-14T12:08:00.000-04:00

...lo que siguió a esta visión casi de ensueño fue lomás increíble de todo. ¿Cómo describir lo que escuché y pedir luego que se mecrea? Contenidos en este disco brillante y de compactas dimensiones seencuentran los sonidos de los mismísimos Profundos. Naturalmente, ninguno delos registros en su interior narra más que una fracción de un relato tancolosal como arcano, e indudablemente no-euclidiano. Las reglas básicas de lageometría sonora parecieran no poder aplicarse a este críptico espécimen.Muchos serán probablemente los que lo tilden de inhumano. En él, el tiempotranscurre monótono, al igual que los ritmos y las melodías. Nunca jamáscambian. Nunca. Pero crecen, reptan, se expanden, generan coloresinnombrables, susurran en la oscuridad y te acechan desde las sombras. Siempre.Eones atrás, dichas manifestaciones ciclópeas y repugnantes eran conocidas como“funeral doom”. O al menos eso dicen. “Ia, Ia, Ia Cthulhu F'tagn!”, rezainexplicablemente una de ellas. No me parecióextraño, en lo absoluto, que esta curiosa y espesa disonancia ejerciera sobremí la más grande de las atracciones, desde el primer momento y hasta el últimosegundo, aunque no entendiese su significado real y cósmico sino hasta muchomás tarde. Igualmente inexplicable era el imperioso hechizo de las cavernososexclamaciones de un tal Xathagorra Mlandroth, supuesto responsable del conjuro.Me veo obligado a reconocerlo porque los hombres de ciencia se han negado aseguir mi consejo cuando exclamé que, de ser testigo de dichas secrecionesaudiovisuales, incluso la muerte puede morir. Mi horror y mi ansiedad se hanido relajando, no obstante. Las profundidades claman mi nombre. El horror meresulta excepcionalmente familiar. Ya no temo a las regiones submarinas. Unfuturo prodigioso me aguarda en los abismos, aquellos que nunca cambian. Nunca.Y allí, en compañía de los Profundos, viviré eternamente en un mundo de oscuramaravilla. En las profundidades de la mágica y gloriosa R´Lyeh, donde Cthulhuyace muerto. Pero soñando. Por siempre. Ph’glui mglw’nafh CthulhuR’lyeh wgh’nagl fhtagn!

EstebanMedaglia (con una pequeña ayuda de mis amigos H.P.L. y A.D.)

RHAPSODY “Rain Of A Thousand Flames” (NEMS, 2001)

2011-09-13T14:52:00.003-04:00

Amo y odio a Rhapsody al mismo tiempo. Los amo porque,guste o no, los tipos inventaron un nuevo sub-estilo que desconoce rivales. Losamo porque convierten los excesos en gloria, lo ridículo en divertido, y lomajestuoso en ultra-archi-requete-recontra-majestuoso. Los amo porque hoy endía parecen encargados de seguridad de un boliche cumbianchero, peroellos se miran al espejo y creen ver guerreros inmortales (¡hay que admirarsemejante auto-estima!). Y los amo porque sencillamente se toman todo esteasunto de los calabozos y dragones en serio.

Pero los odio porque una vezencontrada la fórmula de su éxito no pararon de explotarla hasta el hartazgo enlugar de buscar nuevas fórmulas. Los odio porque, por momentos, seconvirtieron en una parodia de ellos mismos. Como ocurre con “Rain Of AThousand Flames”, un Mini-Cd de 42 minutos íntegramente compuesto pormaterial inédito que no aparecerá en futuras entregas. “Queen Of The DarkHorizons” está estructurada a partir del tema principal del filme “Phenomena”de Dario Argento, compuesto originalmente por el ex-Goblin Claudio Simonetti. Ydefinitivamente los amo por esta elección, porque también amo a Argento y aSimonetti, y nadie más que Rhapsody podría hacerle tanta justicia a semejantemaravilla. Ahora bien, la canción pareciera ser, en realidad, una suerte decover del cover (¿se entiende?) que Daemonia (la nuevaagrupación de Simonetti) realizara para su álbum “Dario Argento Tribute”,sólo que salpimentado con los usuales excesos de grandilocuencia y alargadohasta una duración que roza los 14 minutos. Todo parecería indicar que el mismoSimonetti haya participado como invitado especial para esta nueva variante (loque no sería extraño, conociendo el amor que Turilli y Staropoli tambiénsienten por Argento y los Goblin), pero lo cierto es que el interior delbooklet no indica tal colaboración ni menciona la correspondiente autoría deSimonetti. En otras palabras, se trata de un terrible afano, porque incluso elsolo de guitarra y la gran mayoría de los arreglos y cortes son idénticos a losde la versión de Daemonia. Y los odio por eso.

El problema con este álbum,justamente, es que todo se siente, de alguna forma, como un rejunte demelodías, estructuras y arreglos ya escuchados antes, incluyendo los diezminutos de “The Wizard´s Last Rhymes” (compuesta en base a la Sinfonía Número 9de Dvorák). Del material restante, el tema que bautiza la placa es unacontinuación directa (léase “lo mismo de antes”) de las cabalgatas triunfalespresentes en “Dawn Of Victory” de 2000 (“Holy Thunderforce” sería la comparaciónlógica), “Deadly Omen” funciona simplemente a modo de introducción delmencionado “Queen Of The Dark Horizons”, “Elnor´s Magic Valley” es un simpáticopero inofensivo interludio medieval, y el resto, una vez más, no ofrece grandesnovedades en lo absoluto. Rhapsody sorprendió con “Legendary Tales” en 1997 yterminó de separar las mandíbulas de sus respectivos cráneos con el soberbio “SymphonyOf Enchanted Lands” al año siguiente, pero desde entonces se limita a auto-plagiarse. Y, lesrepito, odio eso. Aunque claro, existe un argumento a favor del grupo queexplica tales resultados: todas las obras mencionadas, incluido este “Mini-Cd”,dan forma a una misma historia que concluirá teóricamente en el próximo trabajode larga duración, y por ende resulta comprensible toparse una y otra vez conlos mismos ingredientes, al estilo de un leit-motiv en una banda desonido cinematográfica convencional... O les estoy justificando la falta deideas sin razón alguna y sufriendo por un problema ridículo e inexistente como un tremendoidiota...

Y odio quedar como un idiota.

Esteban Medaglia (quien a lo largo de todo elcomentario no utilizó ni una sola vez la palabra “épico”)

EM SINFONÍA “Intimate Portrait” (HammerHeart Records, 2000)

2011-09-13T14:01:00.001-04:00

Todos los ingredientes de “Intimate Portrait” lo confunden como un álbum perteneciente a otra época. Una en la cual las voces femeninas representaban la excepción y no la regla, los contrapuntos guturales invocaban profundidades abismales, casi subsónicas, en lugar de elevarse en alaridos punzantes, y las melodías y estructuras compositivas aún transmitían una ingenuidad que no obstante ocasionaba momentos de pura, simple y conmovedora magia. En efecto, este debut de larga duración (únicamente precedido por el Mini-Cd “In Mourning´s Symphony”) irradia una atmósfera que se respiraba frecuentemente a comienzos de los '90, y hoy se encuentra, de alguna forma, contaminada. Las referencias, por lo tanto, son múltiples y reconfortantes, detonando constantemente recuerdos de otros tiempos -mejores o peores, según se los vea- hasta producir un verdadero festín de melancolía de doble vía: una la generada por la propia música, y la otra aquella que nuestra memoria responde instintivamente.

Paradise Lost y “Shades Of God”, Celestial Season y “Solar Lovers” (si bien el violín no es aquí un elemento predominante), Anathema y “Serenades”, The Gathering y “Always...”, y Theatre Of Tragedy y “Velvet Darkness They Fear” (¡ni siquiera se privaron de los samplers con frases de Vincent Price!), vienen a la mente a medida que los temas se suceden. En otras palabras, “Intimate Portrait” basa su existencia en la mismísima época dorada del doom metal, una época que derivaría en muchos de los géneros y sub-géneros hoy predominantes. Incluso la precaria producción funciona como un detalle más -intencional o no- de este fantástico compendio de virtudes pasadas. Y en lo que a calidad sonora respecta, sorprende la decisión de haber masterizado el álbum utilizando el proceso HDCD (“High Definition CD”, un método que le otorga al producto final una mayor fidelidad), cuando este tipo de lujos le son concedidos a bandas del tamaño de Megadeth (en “Cryptic Writings”, por ejemplo) y sus consecuentes presupuestos de cinco cifras. Las ventajas que dicha técnica pudo otorgar no son perceptibles merced a las evidentes limitaciones de la grabación original, haciendo de la mera idea de llevar adelante tal excentricidad una ridiculez. Por otra parte, la inclusión de un estupendo cover de “Revelations”, de Iron Maiden, es un aderezo tan inusual como bienvenido. Aunque puede que el encontrar las similitudes anteriormente mencionadas sea un delirio exclusivamente mío... prueba irrefutable de que me estoy poniendo viejo.

MANTICORA “Darkness With Tales To Tell” (Scarlet, 2000)

2011-09-13T13:57:00.000-04:00

No dejen que el título los confunda. Las historias que“Darkness With Tales To Tell” (“Oscuridad Con Cuentos Para Contar”)encierra no involucran tiniebla alguna, sino míticos dragones, inmortalesespadas, valientes guerreros y la mar en coche del power metal contemporáneo ala italiana con las inevitables aristas alemanas... si bien curiosamente elgrupo proviene de Dinamarca. Todos los rubros instrumentales están, comosiempre, cubiertos con admirable solvencia, pero la monótona y opaca voz deLars F. Larsen representa el eslabón débil de una cadena ya de por síresquebrajada debido a su enfrentamiento -y constante derrota- con laoriginalidad. Diversas secciones traslucen, no obstante, un dejo de negramelancolía que atrae momentáneamente la atención (la balada “The Puzzle” o“Felice”, por ejemplo), pero el resto del álbum es puro galope rimbombante allomo de la Gloria Eterna en Algún Lugar Lejano Del Más Allá. Resultado: máscuentos de un libro que ya tiene demasiadas páginas.

DIVISION ALPHA “Fazium One” (Holy Records, 2000)

2011-09-13T13:55:00.000-04:00

Esto no eslo mío. “Un asombroso álbum de cyber-metal. El software psicogenético de la información sensorial (¿?). Una nuevaclase de banda; mitad humana, mitad máquina”. ¡Qué sarta de pavadas, por favor!Bien sabido es que las gacetillas de prensa nunca pueden estar más lejos de laverdad, pero con ésta sinceramente no pude evitar sentir vergüenza ajena. Selas hago corta, porque el disco realmente no vale el espacio: Primero yprincipal, División Alpha no tiene nada de nuevo. Rammstein, Nine Inch Nails yMinistry, entre otros, ya recorrieron el mismo camino antes... si bien nunca setrató de un camino al que personalmente sintiera ganas de adherirme. Segundo yúltimo: de asombroso, el álbum no tiene absolutamente nada. Les repito, ésto noes lo mío. Una cosa es la música electrónica inteligente y estructurada en basea melodías que revisten un buen gusto admirable (caso Ulver), pero estaporquería es peor que lo último de The Kovenant... Sin lugar a dudas, tudisquería tiene mejores cosas para ofrecer.