EMPEROR “Prometheus, The Discipline Of Fire And Demise” (Candlelight, 2001)

Emperor no es black metal. Emperor fue black metal, unos pocos años atrás, e incluso representó uno de los pilares fundamentales del género durante su actualización contemporánea. El pico creativo del ayer negro se llama “Anthems To The Welkin At Dusk”, y el hoy se presentó grisáceo a partir de “IX Equilibrium”. La diversidad de matices estilísticos que ello implica constituye la razón de ser de “Prometheus, The Discipline Of Fire And Demise”, acaso una versión perfeccionada y expandida de su predecesor, notoriamente más compleja e intencionalmente enmarañada. Emperor fue black metal y hoy es simplemente Emperor. Tómalo o déjalo. 

“Thorns On My Grave” es black metal, pero al estilo Emperor modelo 2001. “Prometheus, The Discipline Of Fire And Demise” es una obra difícil de principio a fin, y por ende asombrosa en sus múltiples aristas. Todas las etapas previas del grupo están presentes de una u otra forma, desde “In The Nightside Eclipse” a la fecha, distribuidas y entrelazadas con la propuesta actual a lo largo de 52 fascinantes minutos. Las influencias de Morbid Angel y el death metal técnico pueden apreciarse en los parámetros rítmicos de Trym, e Ihsahn continúa tratando de imitar a King Diamond (o, según él mismo, Rob Halford) en diversos pasajes, una vez más de forma inútil. La habilidad del cantante/guitarrista/bajista/tecladista -y, en este caso, exclusivo compositor- para construir o destruir una canción resulta sorprendente. En “The Eruption”, un clavicordio artificial y endeble (00:18 a 1:06) le sede el paso a uno de los riffs más logrados y asesinos de la historia del grupo (1:24 a 1:33) para aprobar la intransigencia a partir de 2:28 y repetir torpemente la confusión hasta el último segundo. 

De alguna forma, “Prometheus, The Discipline Of Fire And Demise” es también Emperor en versión Peccatum; una suerte de secuela violentada de los resultados obtenidos en el multicolor “Amor Fati” (prestar atención, por ejemplo, a los violines sintetizados de “Empty” o el interludio de “The Tongue Of Fire). La ambición por hacer de la placa un paso adelante en la batalla contra los límites del metal negro puede apreciarse a cada instante, ya sea favorable o perjudicialmente. Pocos experimentos surgidos del  frío nórdico poseen un trabajo de guitarras tan intenso. Y cuando Ihsahn y cía. consiguen traducir sus ideas de forma fructífera al plano musical no hay ciclón ni mafia que pueda detenerlos. “In The Worldless Chamber” evoca panoramas que se extravían en horizontes cinematográficos y no tiene desperdicio. La citada “Thorns On My Grave” recuerda viejos tiempos y despide al álbum -y, tras las recientes declaraciones, a la banda misma- en un estallido triunfal de violencia sinfónica. Y el resto del material atrapa, seduce, desconcierta y emociona de manera similar. Emperor nunca antes fue tan Emperor como en “Prometheus, The Discipline Of Fire And Demise”, y al mismo tiempo nunca resultó tan desconocido... tan personal e impredecible. El tiempo decidirá si este es efectivamente un adiós... o un nuevo comienzo.

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CRUACHAN “The Middle Kingdom” (Hammerheart, 2000)

Entre un festín celta y Cruachan parecieran no existir diferencias. Una gaita sollozante de las “highlands” abre “The Middle Kingdom” en carácter de ceremonia fúnebre, pero el material precedente desconoce el significado de la tristeza. En su lugar, el grupo entrelaza rock ´n roll, heavy metal, atmósferas de diversas intensidades -¡e incluso una pizca de hardcore!- con el uso de instrumentos irlandeses autóctonos (flautas, mandolinas, “huesos” y “tin whistles”, entre otros), generando una suerte de jocoso hábitat humilde en cuanto a la extensión territorial de sus pretensiones, pero no por ello incapaz de brindar confort. En efecto, se trata de una propuesta sencilla y distendida que continúa efectivamente la tradición del un tanto más extremo “Tuatha Na Gael”, compartiendo ambos trabajos el mismo grado de  precariedad sonora que acaso favorezca de forma indirecta la evidente reivindicación de leyendas y tradiciones pasadas, todas ellas correspondientemente detalladas dentro del booklet. La voz de Karen Gilligan nunca se desvía del carril melódico, pero los resabiados berrinches blackmetaleros del también guitarrista Keith Fay aportan esporádicos baches a un terreno por demás sumamente transitable. Piezas como la bellísima “The Fianna” consiguen incluso convertir el encanto medieval en una realidad sumamente palpable, mientras que “Óró Sé Do Beata Abhaile” alterna magníficamente la euforia descontrolada con el ensueño poético de estos bardos modernos que, celebrando el ayer, facilitan un hoy más llevadero. 

ORPHANAGE “Inside” (Nuclear Blast, 2000)

Se me ocurre que el influjo del “ñu metal” consiguió llegar a las costas de Orphanage, y probablemente haya sido para quedarse. Hay algo en los riffs de “Grip”, “Pain” o “Weakness Of Flesh”, por citar sólo algunos ejemplos, que irremediablemente recuerda a la intensidad casi viciosa, la monotemática cadencia o la violencia gratuita e inofensiva de gente como Korn o Coal Chamber. No caben dudas: “Inside” destila fuerza y energía por dónde se lo mire, pero cualquiera que haya escuchado “Oblivion” (1995) o “By Time Alone” (1996) comprenderá mi frustración al tratar de trazar vínculo alguno entre las tres placas. Por momentos, pareciera que el notable y personal estilo de los holandeses, si bien presente y fácilmente reconocible, se viera seducido por descargas tan indeseables como agotadoras. El balance casi perfecto entre la agresividad dinámica y la belleza emotiva del pasado aparece hoy travestido en una propuesta acaso interesada más en los ritmos enfermizos que las sutilezas melódicas de antaño. Basta con escuchar los primeros segundos de “Grip” para entender a lo que me refiero. Para colmo, el virus consiguió expandirse incluso hasta a la faceta literaria del grupo, por lo que lamentablemente debemos soportar frases al estilo “¡voy a patear tu puto culo!” en temas como “Kick”. Asimismo, los rugidos de George Oosthoek, contagiosos como de costumbre, se imponen casi por completo ante los contrapuntos melódicos de Lex Vogelaar o las encantadoras intervenciones de Rosan van der Aa.  

Sin embargo, no todo es ruido por el ruido mismo dentro del álbum: “From The Cradle To The Grave” consigue poner los pelos de punta, culminando en una melodía similar a una canción de cuna que sinceramente permite perdonar los excesos anteriormente descriptos; y lo mismo podría decirse, en menor medida, de “Behold”... Aunque uno no pueda evitar preguntarse qué habría sido de la placa de haber seguido esa misma línea en el resto de sus composiciones... 

HECATE ENTHRONED "Kings Of Chaos" (Blackend, 1999)

Pocas son las bandas que tienen menos personalidad que los ingleses Hecate Enthroned. Luego de plagiar descaradamente a Cradle Of Filth en sus primeros trabajos ("The Slaughter Of Innocence, A Requiem For The Mighty" es el ejemplo más vergonzoso), pasaron a convertirse en el hazmerreír de muchos entendidos del género a lo largo y ancho del mundo, quiénes por supuesto rechazaban de inmediato cualquier registro que el grupo pusiera en las calles... con justa razón. Hoy, tras haber sufrido quintillones de cambios de integrantes (créanme que quedé literalmente mareado al intentar seguir la cronología de la gacetilla de prensa), las cosas siguen estando igual de negras (y lo digo en el sentido despectivo). "Kings Of Chaos" es otro más de los innumerables discos de death/black metal que sinceramente no aporta ni una sola melodía que despierte entusiasmo. Lo mismo de siempre, muy correctamente ejecutado, pero elevado a la sextuagésimadecimooctava potencia del martirio auditivo, y para colmo sin la más mínima promesa de mejoría alguna... Suerte que semejante bodrio sólo dura 33 minutos...

SAMAEL “Reign Of Light” (Nuclear Blast Records, 2005)

Definamos “evolución”: “acción de desarrollarse o de transformarse las cosas, pasando gradualmente de un estado a otro”. O “mudanza de conducta, de propósito o de actitud”. En ese sentido, Samael constituye una agrupación sumamente evolucionada. Su actitud, su propósito, su raison d’etre difiere hoy considerablemente de aquello que les permitiera innovar y sorprender a través de trascendentes obras como “Ceremony Of Opposites” (1994) y “Passage” (1996), tras dar sus primeros pasos dentro de los confines del black metal y el metal extremo mediante “Worship Him” (1990). La constante a lo largo de la discografía del grupo siempre fue el cambio, aquella delicada herramienta cuyo doble filo resulta aún más cortante en manos de la mayoría; aunque en el caso de los suizos la sofisticación y la calidad esgrimidas siempre conseguían engendrar piezas de memorable relevancia sonora que justificaban cualquier tipo de permutación. 

Sin embargo, la salida del fallido y controversial “Eternal” (1999) anticipaba un desvío demasiado riesgoso dentro del constante proceso “evolutivo” de los suizos. Y con “Reign Of Light” Samael demuestra finalmente que, en algunos casos, la “evolución” puede provocar consecuencias desastrosas. Terribles. Irrisorias, de hecho. La versión “evolucionada”, y por ende transformada, de Samael suena hoy a una variante electro-dance y pseudo-darkmetalera de Rammstein, Crematory y The Kovenant. Vorph utiliza su voz como un instrumento percusivo, acentuando aún más su pronunciación ya de por sí acentuada (y sin nunca poder pronunciar correctamente la palabra “basis”). Los rappeos probablemente no estén muy lejos en la lista de futuros ingredientes a “evolucionar”. La malevolencia grisácea y, fundamentalmente, adulta tan característica del pasado del grupo sólo se percibe al leer entre líneas. Y el problema justamente es que el público al cual apunta una obra como ésta no posee semejante capacidad perceptiva. 

“Reign Of Light” es un álbum que involuciona toda una carrera de logros al pretender actualizarla y “ponerla al día”. El énfasis es colocado en estructuras simplistas, letras ingenuas y ridículamente idealistas (en especial la de “On Earth”), y riffs y estribillos banales, mueve-caderas y extremadamente glutinosos. El target: la pista de baile, las luces de neón, lo anémico y lo efímero. El Samael no-evolucionado y pre-modernidad puede aún percibirse en los ritmos programados de Xy y las atmósferas místico-orientales de instancias como “High Above” (con coros de la ex-Dreams Of Sanity Sandra Schleret) u “Oriental Dawn”, pero “Moongate”, “Inch Allah” o “Telepath”, entre otras (demasiadas otras), nos refriegan toda su “evolucionado” vanguardismo en la cara. Y el impacto duele. “Reign Of Light”: el triunfo del pop-metal europeo con específicas metas puestas en la radiodifusión. El “Reino De La Luz” que arruina la belleza de la oscuridad al enceguecerlo todo con su refulgencia mainstream. Samael: el arte de “evolucionar” imitando fórmulas ajenas previamente exitosas. Y para colmo hacerlo mal. 

RHAPSODY “Symphony Of Enchanted Lands, part II – The Dark Secret” (SPV Records, 2004)

Christopher Lee siempre fue uno de mis actores favoritos de todos los tiempos, una verdadera leyenda viva del cine mundial con más de 200 filmes (de todos los presupuestos y colores) sobre sus hombros y que hoy, con ya casi 90 años, atraviesa acaso una de sus etapas profesionales más fructíferas, como lo demuestran sus recientes participaciones en “Sleepy Hollow” y las sagas de “The Lord Of The Rings” y “Star Wars”. Que no les quepa ninguna duda, entonces, que cuando escuché a “The Dark Secret (Ira Divina)” y “Unholy Warcry” (la obligatoria intro y el subsiguiente hit de este quinto larga duración de Rhapsody) por primera vez, quedé extasiado. Atónito. Más encantado que las Tierras Encantadas. Y listo para calificar a “Symphony Of Enchanted Lands, part II – The Dark Secret” como la obra más sólida de los italianos. 

Rhapsody sencillamente nació para interpretar este tipo de cosas, y si bien Turilli y Staropolli parecieran haberse encerrado voluntariamente en una fórmula (propia, eso sí) de límites bien demarcados, aquí al menos nos demostraban que la magia todavía era posible si se movían unos pocos ingredientes de lugar. Y ese barítono maravilloso, hipnotizante e hidalgo entonado por Lee les cae como anillo élfico en dedo de Hobbit. Pero después vendrían el resto de las canciones, y la realidad dejaría bajar el telón sobre esta panorámica sinfonía ambientada en la misma geografía de siempre. Rhapsody no puede evitar ser Rhapsody, y hacia el quinto o sexto track (interludio folk, balada sentimentaloide, y la estereotipada voz “endemoniada” -¿cuándo van a cambiar el efecto?- mediantes), “Symphony Of Enchanted Lands, part II – The Dark Secret” no deja lugar para las dudas: las únicas novedades reales son aquí la expansión y calidad de grabación de la orquesta (que, no obstante, y como suele ocurrir en estos casos, no es aprovechada al máximo) y la presencia de Lee [que, lamentablemente, sólo se reduce a unos pocos minutos (para aquellos interesados, les recomiendo escuchar al bellísimo “At Dawn In Rivendell” de The Tolkien Ensemble, en el que Lee desempeña un rol mucho más amplio e incluso canta realmente)]. 

El que crea que este álbum suena como un verdadero soundtrack debería escuchar más soundtracks. Se destacan, de todas formas, piezas como las extensas “Sacred Power Of Raging Winds” (cuyo interludio goblinesco es un calco del tema principal del film “Profondo Rosso” de Dario Argento) y “Shadows Of Death”, con sus enardecidas fanfarrias; y en líneas generales la obra consigue delinearse como la más lograda del grupo desde la primera parte de esta saga interminable pero con un final que ya todos podemos adivinar. Porque, y allí radica el principal problema, entre el “Hollywood metal” y el “film-score metal”, al fin de cuentas, no existe gran diferencia. 

EDENBRIDGE “Sunrise In Eden” (NEMS, 2000)

Si Nightwish representa el summun en lo que a la ecuación “power metal + voz femenina = magnificencia orgásmica” respecta, entonces Edenbridge se ubica, por debajo del nivel de la tierra, en el extremo totalmente opuesto. Créanme que pocas veces van a poder escuchar una garganta tan anoréxica en su caudal e insulsa en su destreza como la de Sabine Edelsbacher. Puede que la muchacha se encontrase en una suerte de estado sonámbulo al momento de la grabación, o acaso la ingenuidad típica de los principiantes le haya jugado una mala pasada, pero lo cierto es que las riendas de los temas se le escurren de entre los dedos ni bien abre la boca. Para colmo, las sorpresas no van de la mano con la propuesta instrumental del resto de los miembros del grupo, tan preocupados en su afán por meter cuanto estribillo angelical se les cruce por las narices, que descuidan por completo cualquier noción de garra o gancho concebida por la humanidad y se empantanan en las arenas movedizas del aburrimiento puro. Menos esterilidad archi-ortodoxa y más bronca al pisar el acelerador podrían, sin embargo, mejorar la situación. Aunque por ahora, resulta evidente que entre este puente y el Edén queda un trecho inmenso por recorrer.

XASTHUR “Telepathic With The Deceased” / “To Violate The Oblivious” (Moribund Records, 2004)

 

La deshumanización de la música. La crisis existencial del “yo” disconforme, nihilista e incompatible con lo aceptado, trasladada al plano de la disonancia. Si el black metal ordinario produce una sensación de rabia, irritación, violencia o repugnancia anti-establishment, aquello engendrado por Xasthur constituye entonces una suerte de culto a la introversión y la angustia. El arte de auto-recluirse en la reflexión más negadora (y negativa), de invocar al vacío. Un suplicio etéreo, flotante, inarmónico, que deambula incesantemente entre lo desconsolado. El black metal en todo su refulgente ennui, llevado a los extremos de la extremidad. O acaso podríamos describir a Xasthur como una suerte de versión norteamericana del sonido tortuoso y atroz del primer Burzum, aquel rico en chillidos destroza-tweeters, guitarras lacrimosas, letras ininteligibles, y melodías decrépitas. Todo estructurado en base a un aura aún más funeraria, hermética e individualista. Y como ocurría con Burzum y tantos otros proyectos similares dentro del metal ultra-oscuro, detrás de Xasthur existe tan sólo un único, reservado y “enigmático” (“¡nada de información disponible!”, amenazan los booklets de varias de sus obras) responsable de absolutamente todo: Malefic. Su especialidad: componer, interpretar y grabar (en cuatro canales y con cero presupuesto, claro) los conciertos más miserablemente crudos y claustrofóbicos imaginables. Y en lo que al black metal reciente respecta, cualquiera sea su nacionalidad, pocas obras pueden compararse al manjar de fascinantes inmundicias que Xasthur expele incesantemente. 

E “incesante” de hecho es la palabra adecuada. De 2001 en adelante, Xasthur editó un álbum promocional (“A Darkened Winter”), cinco split-CD´s (con Acid Enema, Nachtmystium, Angra Mainyu, Leviathan, y Nortt, respectivamente), un mini-Lp (“Suicide In Dark Serenity”, 2003), un demo (“A Gate Through Bloodstained Mirror”, 2004), y cuatro larga duración: “Nocturnal Poisoning” de 2002, “The Funeral Of Being” de 2003, y, con apenas unos pocos meses de distancia, “Telepathic With The Deceased” y “To Violate The Oblivious”, ambos de 2004. En todos ellos existe una constante, un trance psíquico/espiritual que ofusca los sentidos y los desconecta de la carne, aislándolos de todo, como una suerte de ingrediente adictivo, imposible de describir correctamente, que se instala en el sistema nervioso del oyente y clama por una dosis incluso mayor. Acaso este ingrediente infecte de la misma forma a Malefic y explique su incontrolable productividad. La atmósfera y la melancolía más desnuda desempeñan aquí un rol fundamental, como ocurre en la incomprensiblemente bellísima “Murdered Echoes Of The Wind” de “Telepathic With The Deceased”; pero los blast-beats, los riffs gélidos y el bochinche apocalíptico suelen también irrumpir de forma aleatoria. Para Xasthur/Malefic no existen reglas musicales que permanezcan vírgenes ni parámetros tradicionales a seguir. Todo indicio de armonía es violado y repudiado, los ritmos se deforman hasta tornarse indefinidos, distantes y sumamente monótonos, y cada sesión de extirpación/martirio se convierte en un nuevo álbum, una nueva refregada de hostilidad y pesimismo en la cara de todo aquel que todavía cultive algún indicio de júbilo. El único proyecto unipersonal del género capaz de competir con semejante rendimiento es Nargaroth. Y para cuando lean estas líneas es probable, de hecho, que una nueva placa ya haya visto la luz, escupida desde algún recóndito estudio hogareño en el medio de la nada más azabache... 

Lo importante aquí es resaltar el hecho de que dentro del black metal aún queda lugar para la exploración y, por decirlo de alguna forma, la innovación involutiva. Xasthur emplea elementos pre-existentes pero al interiorizarlos y fusionarlos con su aversión anti-todo obtiene un modus operandi propio, un sonido que sencillamente no puede compararse con ninguna otra agrupación del género. En “To Violate The Oblivious” encontramos la re-grabación (una de las prácticas más frecuentes de Malefic) del tema “A Gate Through Bloodstained Mirrors”, compuesto originalmente en 1999, pero el resto del material, si bien comparable al estruendo viscoso y taciturno expuesto en “Telepathic With The Deceased”, evidencia una mayor solidez compositiva, una antipatía y una irritación más enfocadas y ya quizás no tan amorfas. El sonido continúa tan hogareño e indescifrable como de costumbre, pero los gemidos de Malefic adquieren mayor preponderancia en la mezcla, la batería (programada) posee un mayor cuerpo y un refuerzo notable en el departamento de las frecuencias graves, y las guitarras brillan más ennegrecidas y enmarañadas que nunca. La rigurosa “Intro” de alguna forma funciona a modo de literal “adentrarse” en esta particular cosmogonía de horrores íntimos, y de tal modo “Xasthur Within” (algo así como “Xasthur Internalizado”) implosiona extáticamente, convirtiéndose en una de las piezas más extraordinarias y cautivantes de toda la discografía del proyecto, en especial el crescendo hipnótico que se inicia a partir de 1:59. Si “Telepathic With The Deceased” invocaba hedores cadavéricos, “To Violate The Oblivious” conjura “Sueños Más Negros Que La Muerte”, como describe “Dreams Blacker Than Death” o el instrumental onírico “Walker Of Dissonant Worlds”. Pero la peste es la misma, y continúa su propagación, como sucede con todo aquello que Malefic regurgita. Y el contagio es irremediable. Xasthur deconstruye al black metal y lo convierte en una sinfonía anti-sinfónica, interpretada por un misántropo, llena de cacofonías y furia, significando nada...

YYRKOON “Occult Medicine” (The End Records, 2005)

Pocos sellos discográficos, en especial los norteamericanos, poseen un catalogo tan envidiablemente vanguardista como The End Records. Los nombres de sus artistas hablan por sí solos: Agalloch, Arcturus, Winds, The Gathering, Ulver, Green Carnation, Virgin Black, Age Of Silence, Sculptured, Peccatum, November´s Doom, Star Of Ash... La lista puede intimidar a más de uno. No obstante, con “Occult Medicine”, tercer larga duración de los franceses Yyrkoon (¿nombre tomado de la saga de “Elric Of Melnibone” de Michael Moorcock?) , irrumpe acaso en escena la inevitable excepción a la regla. Las comparaciones son odiosas pero las bandas de The End Records siempre se caracterizaron, justamente, por lo incomparable de sus propuestas. Y allí reside el problema de Yyrkoon: la despersonalización inherente a una propuesta impecablemente ejecutada pero excesivamente arraigada en los estereotipos del thrash/death/black metal de corte escandinavo, en especial el Carcass de “Necroticism” (1992) y “Heartwork” (1996). Las soberbias guitarras (verdaderas protagonistas de la obra) magnetizan de forma constante, los solos son inesperadamente frecuentes, los riffs infecciosos y palpitantes, desarrollándose a medida que la intensidad inaugura su requisitoria subida y las complicaciones rítmico-melódicas se adhieren a la ecuación, y si bien piezas como “Trapped Into Life”, “Schyzophrenic Carnage”, “Erase The Past” (con riff a lo Opeth incluido) o la misma “Occult Medicine” consiguen aprovechar al máximo una paleta de texturas sonoras policromáticas, los ingredientes restantes (en especial los rugidos de Stéphane Souteyrand) nunca consiguen alcanzar similares alturas. “Occult Medicine” demuestra abundantemente que el propósito de Yyrkoon es innovar dentro de un estilo que se caracteriza por lo espesas de sus fronteras, y desde ese punto de vista el grupo merece ser tenido en cuenta y sus logros respetados. Pero el esfuerzo resulta victorioso sólo en aquellas instancias (un 60%, aproximadamente) en las que las similitudes con innumerables otras ofertas pasadas y actuales son erradicadas de manera completa. El resto no es nada nuevo. La gente de The End Records probablemente no se haya equivocado, después de todo, pero “Occult Medicine” no despliega el verdadero potencial de Yyrkoon, sino que sencillamente lo presagia. 

KILLING MACHINE “Killing Machine” (Candlelight, 2000)

...y en la contínua pelea por el gran premio mundial a la mediocridad absoluta tenemos hoy la presencia de cuatro ilustres combatientes. Tras los parches, y ubicado hacia el fondo del ring, démosle la bienvenida al ex W.A.S.P. y ex Impelliteri Stet “Matador” Howland. A mi derecha, y recién salido del anonimato, el guitarrista Peter “¿Quién Te Conoce?” Scheithauer... ¿Cómo?... Ah, ¿si?... Ajem... Producción me informa desde el control central que Scheithauer de hecho colaboró en varios proyectos, aunque el más relevante fue Stream, el cual vuestro humilde relator desconoce... A mi izquierda y con su bajo dispuesto a rendir batalla, sin embargo, se encuentra el gran Mike “W.A.S.P.” Duda. Y en el centro del cuadrilátero, damas y caballeros, los spots iluminan a la figura de la noche: el confundible, el igualable, el vencible... ¡¡¡Mike “Me Voy A Pique” Vescera!!! La retadora de la jornada, omnipresente por encima del cuarteto, continúa siendo la temible y despiadada ¡¡ORIGINALIDAD!! (abucheos varios)... 

...y da comienzo la pelea (ruido de campana). La Originalidad parece no darle tregua a la propuesta del debut de Vescera y cía. En efecto, ya antes de subir al ring se rumoreaba que lo de Killing Machine no sería más que otra descafeinada dosis de un insulso heavy/power metal. A juzgar por la terrible paliza que el cuarteto está recibiendo, pareciera que dichos rumores eran ciertos. “¡Los mismos riffs de siempre!” sentencian algunos en la platea. “¡Los temas no consiguen escapar a la fórmula riff-estribillo-riff-estribillo-solo-estribillo-fin”!, gritan los amantes de la complejidad compositiva. “¡Todas las canciones terminan con el mismo efecto de fade-out”, observa el resto. “La carrera de Vescera no logra levantar cabeza, y de un progresivo decline pasó directamente a la caída libre.”, concluyo yo. Si esta “maquina asesina” realmente pretende lograr alguna víctima, debería empezar por aceitar mejor sus engranajes. ¡Cobre el knock-out, referí!

FORGOTTEN TOMB “Love´s Burial Ground” (Adipocere Records, 2005)

El website de estos italianos nos da la bienvenida con una animación sumamente didáctica en la que explican la forma correcta de cortarse las venas con una hoja de afeitar. “Somos la lepra sobre la carne corrupta de la juventud de hoy”, exclaman en la contratapa de “Love´s Burial Ground” (“El Lugar De Entierro Del Amor”), su tercer larga duración. “Oscuridad En Estéreo Desde 1999”, reza por su parte el interior del booklet, del lado opuesto a la tapa original del disco que, por supuesto, fue censurada y sólo puede admirarse una vez adquirido el producto. Y el resto se deduce fácilmente: “obras maestras de negatividad y agonía”. Doom metal interpretado en versión black. O black metal en cámara lenta, babeando misantropía y aborrecimiento en lugar de escupirla toda al mismo tiempo en un único blast-beat. Sea como sea, el sonido es negro. Negrísimo. Y perturbador. La obra se estructura en base a seis composiciones anti-optimismo de extensa duración, más tres interludios ambient/industriales (titulados “Malus Vivendi”) a cargo de Mr. Nordvargr (del grupo MZ412), repeliendo luz y esperanzas por igual y combinando la lobreguez de exponentes tan dispares como Darkthrone [el riff principal de “Kill Life” recuerda a la época de “Transylvanian Hunger” (1994)],  Thergothon (por momentos, los segundos entre cada golpe de bombo se tornan interminables) o los primeros Katatonia (escuchen la parte final de “Alone”, por ejemplo). Una “tumba olvidada” en la que el grupo sepulta desgracias y odio. “Me lastimo a mí mismo / buscando una salida / en mis ojos ves / el horror de estar vivo / la vida es dolor ”, rezan en la citada “Kill Life”, o “Matar La Vida”. El mensaje es claro. Doom metal sin un ápice de poesía. Black metal que va en serio. Tragedias sin teatro. O, mejor dicho, un teatro vacío, sucio y frío en el cual Forgotten Tomb proyecta sus miserias en un telón negro, ante ojos ciegos... y para los oídos de nadie. 

ARCANA “Le Serpent Rouge” (Projekt / Displeased Records, 2005)

Del ocaso occidental al misticismo oriental. De lo gótico y barroco a lo ambiental y desolado. De los teclados y sintetizadores a la percusión étnica y pseudo-ritual. Y apenas un sólo indicio de voces o coros. El giro estilístico emprendido por Arcana no sólo resulta tan dramático como inesperado, sino que obliga categóricamente a olvidarnos de todo aquello que precedió a este quinto álbum de larga duración. Adiós catedrales románticamente decadentes, bienvenidos desiertos del medio oriente. Uno incluso siente la arena entre los dedos de los pies, la vislumbra dibujando extrañas figuras en el nebuloso y espectral horizonte, y la respira en el mismísimo aire. Desde sus comienzos con el monumental y fastuoso “Dark Age Of Reason” (1996), Arcana fue siempre comparada a los incomparables Dead Can Dance, pero el proyecto del sueco Peter Bjärgö nunca antes se aproximó tanto al de Lisa Gerrad y Brendan Perry como en este “Le Serpent Rouge”. Al distanciarse por completo del Arcana de ayer, Bjärgö consigue hoy realmente sonar como su máximo ideal musical. 

“Le Serpent Rouge” es la respuesta de Arcana a “The Serpent´s Egg” (1988) de Dead Can Dance. Arena, magia, belleza, éxtasis, añoranza, evocación, contemplación... y la danza de la serpiente. El trance extra-sensorial es orquestado de manera exclusiva a través de instrumentos sumamente atípicos, incluso para Arcana, como el timbal egipcio, el “duduk armenio”, la “cabasa”, el tamborín o la “dulcinea”. Obras pasadas como “Cantar De Procella” (1997) o “The Last Embrace” (2000) sencillamente no poseen punto de comparación alguno con las vistas ciclópeas conjuradas por esta Serpiente Roja, sensual e hipnótica. 

Ida Bengtsson, antigua vocalista del ayer dúo, ya no forma parte del emprendimiento, y en esta oportunidad Bjärgö (voces, samples, arreglos y programación) es acompañado por su esposa Cecilia (coros), Stefan Eriksson (percusión y coros) y Ann-Marie Thim (coros). Los cuatro hilvanan paisajes estoicamente sugestivos, de sutiles crescendos que abren verdaderas puertas de percepción cual tesoros escondidos entre una aparente monotonía rítmico-melódica que espantará a gran parte de aquellos no familiarizados con el estilo; y acaso también a los que esperaban algo similar a la primera etapa de Arcana. El nombre sigue siendo el mismo, pero el propósito es aquí otro. Las voces ocupan un plano netamente secundario, casi sepultadas a la distancia para nunca más ser perturbadas. “Le Serpent Rouge” ignora despreocupadamente cualquier tipo de expectativas, constituyendo una obra de texturas inmemoriales y paisajes inexpresables. Los muertos bailan al compás del ritual de la Serpiente, y Arcana finalmente se nos presenta majestuosamente arcana. 

OLD MAN´s CHILD “In Defiance Of Existence” (Century Media, 2003)

Hay que decir las cosas como realmente son: Old Man´s Child me aburre. Siempre lo hizo, sin dudas lo hace hoy en día, y a este paso siempre lo seguirá haciendo. “In Defiance Of Existence” es el álbum más logrado del proyecto semi-autónomo de Thomas Rune “Galder” Andersen  desde “The Pagan Prosperity” (1997), y sin embargo los resultados siguen aburriéndome. Y mucho. Sabido es que Old Man´s Child continúa existiendo meramente por razones contractuales desde que Galder se incorporara a Dimmu Borgir como guitarrista de forma definitiva, e “In Defiance Of Existence” es el primero de varios trabajos pendientes que deben ser entregados a Century Media durante los próximos años. Cuando Galder disponía del tiempo necesario para dedicarse exclusivamente a Old Man´s Child los resultados eran mediocres en el mejor de los casos. Imaginen cómo son las cosas hoy en día. La agenda está llena y las ideas escasean aún más. Cruzen al Dimmu Borgir de “Enthrone Darkness Triumphant” (1997) y “Spiritual Black Dimensions” (1999) con “The Pagan Prosperity” y obtienen “In Defiance Of Existence”. En otras palabras: Dimmu Borgir en versión sonámbula y funcionando con respirador artificial, Nick Barker a modo de baterista invitado incluido. Mucho colchón de teclado que se pincha para volver a inflarse una y otra vez, mucho riff inofensivo con olor a sobras de “Puritanical Euphoric Misanthropia” (2001), y mucho afano a “The Mourning Palace” distribuido a lo largo de 9 agotadoras canciones de puro black metal al estilo “o compongo algo o me como un juicio”. Uno o dos pasos adelante con respecto a los irremediablemente soporíferos “Ill-Natured Spiritual Invasión” (1998) y “Revelation 666 - The Curse Of Damnation” (2000), pero eso no es decir mucho. No es decir nada, de hecho. 

VIRGIN STEELE “Hymns To Victory” / “The Book Of Burning” (Noise Records / Sanctuary Music, 2002)

 

Suposición: Manowar no existe. En tal caso, Virgin Steele es una gran banda cuyo sonido de aires memorables y notable porte melódico consigue resaltar por sobre sus competidores con suma facilidad. El fuerte del grupo nunca fue el doble bombo perpetuo o la sobredosis de alegría descafeinada, sino una propuesta notoriamente más galana que bebe de las aguas de la literatura y la historia clásica en busca de inspiración, refinada en sus ataques de furia épica, incluso teatral y enfática por momentos, y siempre distinguida por el buen gusto, maleabilidad y poderío vocal de David DeFeis. Realidad: Manowar sí existe, y Virgin Steele, en la gran mayoría de sus composiciones, suena indefectiblemente a Manowar (pruebas irrefutables: “Rain Of Fire”, “Children Of The Storm”, “Kingdom Of The Fearless (The Destruction Of Troy)”, “The Redeemer”, “Invictus”, etc, etc...). Aclaración: Ambas bandas provienen de Estados Unidos y comenzaron sus respectivas carreras prácticamente al mismo tiempo. Duda: ¿exceso de influencias o mera jugada del destino? Pregunta: ¿podrá Virgin Steele escaparle alguna vez a la sombra de Manowar y alcanzar un mayor reconocimiento en base a sus propias virtudes? Respuesta: Tarea improbable, francamente.

Para celebrar los veinte años de trayectoria dentro del género, el grupo decidió editar dos placas que básicamente podrían ser descriptas como de “grandes éxitos”, aunque un tanto particulares. “The Book Of Burning” contiene 16 temas, 8 inéditos y 8 nuevas versiones de material previamente disponible. “Hymns To Victory” contiene 13 canciones, dos de ellas inéditas y el resto versiones re-mezcladas, re-masterizadas o acústicas de material clásico. Estos compilados evidencian en gran parte la considerable variedad estilística que Virgin Steele maneja exitosamente, y si bien un alto porcentaje del material recuerda demasiado a las estructuras tanto musicales como retóricas empleadas usualmente por Joey DeMaio y Eric Adams, resulta injusto no reconocer que, en efecto, Virgin Steele merece mayor deferencia.

Todas las nuevas versiones del material previamente editado fueron re-grabadas por la formación actual del grupo, y tanto la calidad sonora como la producción y mezcla, consecuentemente, se beneficiaron de gran forma. La nueva variante de “A Symphony Of Steele” (aquí subtitulada como “Mezcla De Batalla”) suena incluso más a Manowar que la versión original, y si a alguien le quedaba alguna duda -por más ínfima que fuese- sobre si DeFeis y cía. alguna vez escucharon “Kings Of Metal” con sumo detenimiento, he aquí la comprobación definitiva. A su vez, el estilo vocal que DeFeis emplea en piezas como “I Am The One” difiere considerablemente del que utilizara en la grabación original, predominando en esta oportunidad los tonos altos y, por momentos, casi chillones y al estilo de Rob Halford. El resto de la puesta al día depara sorpresas similares, y los temas inéditos ofrecen un abanico estilístico que pareciera abarcar todas las décadas por las que el grupo atravesó. “Hellfire Woman” y “The Final Days”, por ejemplo, destilan una atmósfera ochentera, mientras que otras composiciones huelen a resabios de la época de “Invictus” (1998) o ambos volúmenes de “The House Of Atreus” (1999 / 2000). Todas ellas, no obstante, se dejan disfrutar con creces, salvo por la kissera -y, por ende, vomitiva- “Saturday Night” (¿acaso se trató de una broma interna? Que alguien venga y me explique la gracia, porque todavía me estoy retorciendo del asco...).

Afirmación: Como primer acercamiento a Virgin Steele, no existe mejor prefacio que estos compilados heterogéneos y sobrecargados (nueva pregunta: ¿no se cansa DeFeis de editar discos dobles?). Efecto secundario: Más vale ingerir de a dosis controladas, sin importar el grado de fanatismo para con el grupo, o se corre el riesgo de atragantarse con alguna espada. Dilema: Si por momentos incluso me cuesta trabajo tomarme en serio a los mismísimo Manowar, ¿puedo tomarme en serio a Virgin Steele? Conclusión idiota: ¿Acaso estoy logrando algo con tanto cuestionamiento y tanta observación? Respuesta final: evidentemente no. Remate: Una vez más, el acero triunfa por sobre la carne.